HIERRO 3

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Hierro 3 es una película diferente en cuanto a contenido y forma. Su impresionante valor simbólico y sus metáforas visuales acompañadas de una ensoñación propia del cine asiático le sirvió a Kim Ki-Duk, director, guionista y montador de la misma una buena lluvia de premios entre los que cabe destacar el León de plata a la mejor dirección o la Espiga de oro de la Semana de Valladolid.

Su protagonista es un macarra muy inteligente, decimos incorrectamente macarra ya que la formación y la inteligencia del delincuente protagonista, Tae-suk es un vagabundo que ocupa casas en la ausencia de sus legítimos propietarios pero no con interés de robar, solamente para sobrevivir robando unas horas de sus vidas e inmortalizándolas en fotografías. En una de ellas, a pesar de su sofisticado sistema de detección de ausencias una mujer le vigila, ella queda fascinada por las rutinas del joven y al regreso del marido se produce un enfrentamiento que unirá alos dos protagonistas en una sucesión de pasajes de una belleza singular y atrayente a pesar de la ausencia de diálogos.

El guión surgió directamente de una reflexión del director al encontrar el panfleto de propaganda en su puerta, de ese modo se dejó llevar y decidió simplificar la cosa rodando sólo durante 16 días, tiempo en el que también se desarrollan los hechos narrados y se editó en diez días, algo inusual y anecdótico.

Los silencios son el principal protagonista de la visión de Kim Ki-Duk del amor y la violencia, del deseo y la obligación, de la lealtad y el deseo. Y es que detrás de tan pocas palabras hay mucho contenido, un contenido que pasa del realismo cruel al romanticismo mágico.

Un cuento que merece ser recordado y una notable película que consigue emocionar.



Permitirme además una reflexión que a muchos impactará. Una de las más carismáticas escenas de la cinta posee una asombrosa similitud a la escultura más emotiva del Centro de arte Pompidou, sorpréndanse al comparar el beso del cartel de la película con esta obra de arte. ¿Mera casualidad? La escultura llamada El beso (The Kiss) de Wang Du (China) es de 2005 mientras la película surcoreana data de 2004.



PROS: La original propuesta y su candidez utópica.

CONTRAS: El dogma de fe que se pide al espectador en el periplo carcelario, algo que muchos espectadores puede que no estén dispuestos a conceder restando fuerza a su precioso final.

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MIFUNE

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No me gusta el Dogma.

En serio, de verdad que me esfuerzo, pero no me gusta el dogma. No me pueden echar la culpa cuando el inventor y precursor del movimiento, Lars Von Trier, también se ha cansado de su propia idea de cine y se ha metido a hacer una película de terror con actores hollywoodienses. Pero no voy a generalizar. Si que hay algunas películas que no me han disgustado como Dogville o Italiano para principiantes.

Mifune es una película sobre miserias familiares. Tras su boda Kresten recibe una llamada que informa sobre el fallecimiento de su padre por lo que decide que debe regresar a casa a poner en orden los asuntos de la familia dejando colgada a la radiante novia (y su obvio braguetazo) y reencontrándose con una familia a la que se había molestado en mantener oculta incluyendo a su hermano disminuido. Al llegar a la casa se da cuenta de que no será capaz de hacerlo todo él sólo por lo que acaba contratando a una “profesional” para que le eche una mano con la destartalada granja y los labores hogareños.

Pero ¿qué es Mifune? En los inocentes juegos de peleas con espada de sus protagonistas se encuentra la velada respuesta. Toshiro Mifune fue el actor fetiche de Akira Kurosawa y alcanzó una fama internacional gracias a sus trabajos que sólo se ven representados en esos pocos planos infantiles y confusos para todo neófito. Aunque para aquellos que quieran otra alternativa también se la conoce como Dogma 3 ya que fue el tercer ejercicio del movimiento tras Los idiotas y Celebración.

Soren Kragh-Jacobsen orquesta una cinta honesta, sobria y con los elementos básicos del dogma en su creación. Pero eso a veces no es suficiente para que los dramas cotidianos sean algo más que una anécdota. Quizás el manido tratamiento del Dogma en la actualidad quite cierta gracia a esta cinta que obtuvo el Oso de Plata en Berlín (además del Premio Especial del Jurado) en un año que fue acusado de poca calidad.

La agridulce mezcla que consigue al enfrentar el futuro prometedor y el pasado del protagonista mantiene algún clímax moderado pero se diluye en sus propias anécdotas.

Sólo para puristas del cine danés (y fans de este especial).



PROS: Los actores

CONTRAS: La cadencia pretenciosa del Dogma.

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EL ITALIANO (ITALIANETZ)

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El italiano es un cuento, de esos que ya no se ven en las pantallas de cine, de esos que sólo leen los niños de seis años.

Tierno, dulce, conmovedor y con mucha imaginación a pesar del tono realista. Porque lo que busca en realidad es la consecución de un sueño, animar a no rendirse y luchar por lo que se quiere de la forma más dura.

La vida no es fácil en Rusia para los huérfanos. Todos los que crecen abandonados por sus familias sueñan con que vengan a buscarlos y encuentren un hogar. Por desgracia es una situación demasiado habitual que los niños “se pierdan” en las estaciones de tren y muchos de ellos acaban en superpobladas y tristes instituciones. Pero un día una madre aparece en la puerta del orfanato y su niño ya no está, lo han adoptado, eso da que pensar a Vanya, un jovencito que acaba de ser asignado para vivir con una nueva familia en Italia. El pequeño se verá enfrentado a los deseos del hospicio de que disfrute de una vida nueva, lejos de la pobreza y la miseria en occidente y su necesidad de que su madre le encuentre si decide ir a buscarlo.

Kolya Spiridonov es simplemente impresionante en su ansiosa búsqueda de la felicidad. El pequeño actor consigue que todas las incertidumbres sean plausibles. Mientras los niños anhelan ser elegidos, por llevar una vida mejor en un lugar civilizado que les resuelva las penurias, los dueños de los orfanatos hacen caja vendiéndoles como mercancía y los adolescentes delincuentes permanecen creando su propio feudo en la institución. Un panorama desolador que no afecta a su empeño por localizar a su madre antes de que vengan a buscarlo.

La película transcurre con un ritmo pausado y una belleza narrativa y visual calmada y brillante, rodeada de fría nieve y la belleza de la soledad que se trasmite gracias a tomas generales muy logradas alternadas con infinitamente largos primeros planos que arrastran al espectador al interior de la cabeza del pequeño.

Lo que permanece en la retina tras el visionado es la apariencia angelical del niño protagonista, sus ansias de conocer su pasado y el deseo de que, tras tantas penurias, como en los cuentos, su vida tenga un final feliz.


PROS: El modernista toque Dickesiano.

CONTRAS: La aparente frialdad de las películas rusas, una ve traspasado el gélido envoltorio se convierten sin embargo en interesantes y enriquecedoras perlitas.

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8 MUJERES

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Original y a la vez inclasificable propuesta francesa que convierte Los Diez negritos en un colorido musical.

Un hombre aparece asesinado en su casa rodeado de toda su familia y/o relaciones. De ese modo todas las mujeres que están en su vida se convierten en sospechosas del homicidio y se verán obligadas a enfrentarse para saber quién y por qué asesinó al maltrecho caballero.

Esta divertida comedia con asesinato dirigida por François Ozon cuenta con toda la plana mayor de las féminas francesas: Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Danielle Darrieux, Ludivine Sagnier y Firmine Richard ayudan a dar el glamour y el punto justo para que esta sorprendente mezcolanza de géneros no resulte del todo ridícula. Algunas cantan mejor que las otras y por supuesto hay papeles mucho más agradecidos. Pero si hay que poner un pero alas actuaciones, piedra angular de la trama, es sin duda a la capacidad vocal y la presencia escénica de las mismas. Cada uno que juzgue sobre si las grandes damas son capaces de contrarrestar los gorgorítos con su incuestionable belleza y talento.

En un escenario muy limitado que hace incuestionablemente pensar que nos encontramos ante una obra de teatro más que de una película, vamos recorriendo los entresijos algo rastrillado es en algunos casos que llevará al desenlace.

La película dividió a la crítica y posiblemente también al público pero sólo por la originalidad que destila hay que hacerle un huequecito en las videotecas.



PROS: El look colorista y el desenfado al copiar a Christie. Hay un revolcón que gustará a más de uno.

CONTRAS: Lo arriesgado de dejar “lucirse” vocalmente a alguna diva.

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BEN X

*****

Nic Balthazar consigue realizar una película cargada de intención. Entre sus dos mundos consigue crear un personaje francamente interesante y propinar de paso un buen repaso al sistema educativo, al tema de los maltratos escolares, a los medios de comunicación, a la integración y un alegato hacia lo diferente.

Ben es un estudiante modélico, sus notas son muy altas, no parece tener problemas en las lecciones pero a pesar de eso no es normal. Tiene un problema de autismo y le cuesta terriblemente relacionarse con los demás que encuentran en él el blanco perfecto para sus bromas pesadas y le acosan continuamente. Pero todo cambia en su casa, cuando se pone delante del ordenador para jugar en línea. Allí Ben se convierte en un héroe de gran poder, y es capaz de enfrentarse a todos los peligros de la vida ficticia gracias a sus armaduras y estrategias. Ben finalmente se siente bien, se siente “casi” feliz. En pleno juego entabla amistad con una desconocida que le ayudará en su juego y le dará el empujón definitivo para conseguir librarse de sus problemas.

Esta cinta belga tiene mucho de brillante, bastante de original y una dosis muy alta de moral. Lo cual es una combinación muy complicada de encontrar en una sala de cine. Y todo se debe a la poderosa atracción que representa el personaje de Ben. Su frágil discurso hacia la tolerancia trascurre por caminos misteriosos que conseguirán un final imprevisto y sorprendente enlazando los dos mundos en los que se desarrolla, el virtual y el real.

Para todos aquellos que se sientan reacios a esta incursión en el mundo del videojuego virtual pueden tranquilizarse, la aparición de los elementos del videojuego están totalmente justificados y colocados en los lugares precisos para tener sentido, incluso para aquellos que jamás se hayan acercado a una consola en su vida. De hecho dentro de los múltiples recovecos de los planteamientos de su director y guionista no existe ninguno que afecte a este mundo virtual que ni ataca ni defiende, se trata de un escenario más donde trascurre la vida de Ben lo cual es, de nuevo, original e impactante.

Pese al marketing del videojuego, reitero, no se trata de una cinta dirigida a un público juvenil aunque aprenderían mucho de su visionado, es un drama que mezcla muchos géneros y que precisamente por su conciencia social fue elegida para representar a Bélgica en su carrera hacia los Oscars. Por fortuna ha llegado a España y tras su limitada vida en festivales como el de Gijón donde se pudo apreciar su inmensa humanidad puede intentar hacer una c carrera comercial que se basará en el boca a boca.

Hay algo en Greg Timmermans el protagonista, que me recuerda a Tobey Maguire, es algo más allá de su presencia física ya que el parecido es muy razonable. Es más bien el afán interpretativo, esa capacidad de los actores jóvenes para luchar por defender buenos papeles con una candidez y mimo que hace mucho que no se ve en la pantalla grande. Y que recuerdo haber visto precisamente a este actor en las normas de la Casa de la Sidra y no había vuelto a encontrar hasta ahora. Quizás es el punto básico para considerar la cinta imprescindible.


PROS: El discurso denuncia que llega con toda su integridad.

CONTRAS: El aire de documental puede despistar al espectador un poco al principio. ¡Qué no cunda el pánico!

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ASTRONAUTAS

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Dentro de esta minoritaria sección pero consistente sección de recomendaciones de Carlos ya se echaba de menos una actualización. El hecho es que he ido retrasando este doloroso momento ya que las últimas cintas visionadas de la lista del memorable “chico gallego” han sido de una calidad entre cuestionable y dudosa.

Comenzaremos el rapapolvo pues con esta película española protagonizada por Nancho Novo y Teresa Hurtado. Daniel es un extoxicómano que acaba de regresar de una cura de desintoxicación algo insólita y consciente de su debilidad opta por estructurar su reinserción el un decálogo siguiendo los consejos de su psicólogo de la Seguridad Social. En plena reforma, tanto vital, como estructural en su casa se encuentra a una jovencita de quince años (casi dieciséis) durmiendo en la escalera esperando a su hermano. Finalmente y tras mucho meditar Daniel permite a la chiquilla entrar en su pequeño mundo desestructurado.

Santi Amodeo realiza una película extraña pero sencilla con pequeños toques de comedia agridulce y un punto de ternura que pronto colapsan explotando en forma de sinsentidos y desviaciones argumentales algo estrambóticas.

A priori lo más interesante de la cinta es la estructura con cortinillas psicodélicas que nos guían a través de los pequeños pasos que seguirá el protagonista acompañados normalmente de una muy destacable pieza musical. El problema es que, salvando las primeras, la inserción de estas separaciones se ve cada vez más cortante y forzada destrozando el cauce tranquilo que han llegado a alcanzar los dos protagonistas hacia la mitad del metraje. Esa estas alturas cuando nos percatamos que las interesantes propuestas iniciales se han quedado vacías de contenido y continúan por derroteros de relleno que no ayudan a la credibilidad de la película.

Al final resulta una marcianaza con buenas intenciones pero pobre resultado.


PROS: El aprovechamiento de unos medios más que modestos.

CONTRAS: La poca capacidad de resolución que desemboca en una última parte algo pesada.

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C.R.A.Z.Y.

CCCCC

Esta cinta rodada Québec en francés se ha convertido en una cinta de culto, culto para toda una generación que ha encontrado ese equilibrio delicioso entre el cine de autor y el cine con mensaje (que normalmente ya no van tan unidos como antaño) y también para un público que busca que sus diferencias como las del protagonista no sean tan grandes para buscar su pequeño lugar en la sociedad. El gran acierto de la cinta es precisamente hacer de la cotidianeidad de las citaciones su mejor aliado para que resulte realista sin renunciar a la magia.

Zachary Beaulieu llega al mundo el 25 de diciembre del 60. Al poco de nacer sufre su primer encuentro con la muerte, algo que junto con el resto de supersticiones de su madre marcarán su vida y sus relaciones con los demás. El cuarto hermano de una familia demasiado tradicional se encontrará con el rechazo familiar desde bien pequeño y se dedicará en cuerpo y alma a no decepcionar a su padre negándose a ser homosexual para conseguir su aprecio, cariño que tampoco le llega por parte de sus hermanos y mientras lucha por seguir siendo él mismo sin desintegrar la imagen hogareña y normal que han construido sus padres comprueba como la familia se hace trizas a lo largo de las décadas narrando los hechos que suceden en las vísperas de sus cumpleaños.

Son grandes los recuerdos que puede atesorar un niño que vive la revolución sexual de los años sesenta y setenta. Pero no sólo es el sexo el que preocupa a Zac. El adolescente se encuentra ante todo un abanico de problemas como las relaciones familiares, la religión mal entendida, la libertad, el rechazo, la negación de la sexualidad, el deseo de agradar a los demás, y sobretodo la búsqueda de un sitio donde encajar sin decepcionar a los que le rodean.

Es envidiable el ambiente musical y cultural que Jean Marc Vallée no renuncia a reflejar en su cinta. Patsy Cline sonando en los momentos más duros o entrañables de sus protagonistas pero sobretodo algunas imágenes preciosistas que dotan al vida del pequeño Zac del punto de escape que tanto necesita haciendo además participe al espectador de las bromas de su protagonista.



PROS: Por fin encontrar una película donde se atreven a tratar el tema de la sexualidad como tema principal sin que lo parezca.

CONTRAS: A veces rellenar los lapsus de tiempo puede resultar agotador.

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ELLING

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Nominada al Oscar por Noruega en 2002 atrapó al público más joven en San Sebastián. Motivos no le faltan a esta comedia con toques dramáticos que narra las peripecias de dos compañeros que son dados de alta de una institución mental y hospedados en un piso en el centro de Oslo para que se manejen ellos solos.

Elling vivió siempre con su madre, bajo su ala y sin conocer la vida por sí mismo, cuando ella muere tiene que enfrentarse con todo lo que nunca ha hecho. Su compañero de peripecias es Kjell Bjarne, un gigantón todo corazón cuya máxima preocupación es que nunca ha conocido contacto con una fémina. El asistente social les da sólo unas cuantas premisas para que sean capaces de manejarse y demostrar que pueden volver a vivir en sociedad: salir, hacer la compra, limpiar, coger el teléfono y conocer gente nueva. Mientras Kjell Bjarne está deseando hacerlo todo, sobre todo esto último, Elling es algo más reticente.

La forma de retratar el modo en que ambas mentes infantiles carentes de orden y lógica se enfrentarán a la vida como si fueran un par de niños es una autentica delicia. Es impactante como capta la esencia de que cada acción totalmente normal y automatizada para explicar que para ellos es casi una excursión al paraje más peligroso del planeta. Abrir la puerta es un mundo, coger el teléfono una gran lucha, y sin duda ir a cenar o usar un lavabo público puede ser una tarea titánica que ocupa a Peter Naess y que solventa con una gran dosis de contención, ternura, inteligencia, sinceridad y sobretodo humor.

Elling es un personaje entrañable que además nos guiará con una fascinante voz en off a través de todas sus preocupaciones cotidianas en unos diálogos propios del Club de la Comedia consiguiendo algunas de las reflexiones más lúcidas del cine. Nos hace participes así de su misterios mundo interior, sacando a pinceladas poco a poco todas sus preocupaciones y movido por el arrojo de la desesperación. Su visión positiva de la vida, sus inventos y las historias con las que alimenta a su compañero de cuarto son tan magníficas que cuando decide cual será su futuro fuera del psiquiátrico tiene un cierto sentido místico. Es inteligente, sofisticado y exigente, en ello recae el encanto de sus pataletas infantiles y sus meteduras de pata, conscientes o inconscientes.

Brillante y, como le gustaría a Elling, casi pura poesía.


PROS: Sus dos protagonistas, tanto sobre el papel como sus actores.

CONTRAS: cuando por fin empiezan a despegar individualmente pierde un pcoo de gancho.

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JUNTOS (Tillsammans)

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¿Cuándo una película que comienza con la expresión “Franco ha Muerto” no ha tenido como continuación un incesante número de tópicos sobre el destape? Respuesta: Cuando se trata de una producción sueca de Lukas Moodysson (¿Ya nos va sonando el nombre?).

Siempre he querido vivir en una comuna. No en una de esas de ahora que son simplemente un grupete de ocupas semiburgueses, una de los setenta con ideas socialistas y de amor libre donde no se trata de vivir comunidad si no responder a unos principios que a veces son más férreos e inamovibles que los de la derecha.

Esta semi-dogmática propuesta en tono buenrollista afronta la incorporación a una comuna de personas que son ajenas y que ayudarán a cambiar su micromundo. La hermana de uno de ellos llega con sus dos hijos huyendo de su marido alcohólico, despótico y que le acaba de maltratar. Ante la llegada cada persona reacciona ante los “invasores” de diferente forma, rechazo, aceptación o incluso intenta cambiarlos pero poco a poco los intrusos se harán parte del grupo e impondrán también su marca en el desarrollo de la vida cotidiana.

Mira que las películas de rollo comunal suelen parecerme un poco pretenciosas e incluso tendenciosas. Por ejemplo Mouth to Mouth, incursión británica de la ahora de moda Ellen Page (y donde aparece fugazmente Jim Sturgess) es posiblemente una de las cosas más aburridas que he visto en mucho tiempo por eso a priori pongo Mode Critico ante ellas. De segundo plato los coleguitas de Lars Von Trier tampoco me resultan atractivos, sólo he disfrutado con aproximadamente media docena de títulos (Dogville, Bailando en la Oscuridad, Italiano para principiantes,…) porque los planos cámara al hombro o más largos que un día sin pan me resultan cargantes.

A los quince minutos había decidido que ninguna de mis neurosis se podían ver reflejadas en la película que incluso se permite alguna licencia cómica amparándose en un par de personajes muy interesantes.

PROS: Al tener muchos personajes permite momentos que oscilan entre el drama y el humor con bastante solvencia.

CONTRAS: Alarga la parte infantil en exceso.

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AACHI & SSIPACK

CCCCC

Aachi & Ssipack del coreano Joe Bum-jim ha conseguido ganar todos los premios reservados al anime japonés del año y desconcertar a todos los que la visionan.

Vamos a ver como explico esto para no asustar a nadie… En un futuro el mundo se ha quedado sin energías renovables clásicas por eso el estado ha ideado una forma de energía inagotable para suplir las anteriores: las heces humanas. Para tener la contabilidad ha instalado un dispositivo en el ano de cada individuo de forma que sepan quien, cuando y donde se realizan las “aportaciones”, además hay una recompensa cada vez que se defeca, un chupachup de premio. El problema es que la sustancia del Chupachup a parte de laxante tiene un efecto adictivo y se ha convertido en una droga que incluso llega a ser motivo de contrabando. Para más INRI un grupo de humanos por culpa de los dichosos polos se han convertido en mutantes que viven en las alcantarillas y se dedican a intentar robar los chupachups que no pueden conseguir ya que parte de los efectos secundarios es el estreñimiento crónico.

Bueno, ya lo he dicho. Este es el digno argumento de la película más esperada por Carlos en el Festival SciFi de este año. Conocida por todos como la “Peli de los Culos” ha marcado un antes y un después en nuestro mundo cinéfilo friki.

Lo peor es que aparte de los comentarios obvios acerca de los despropósitos de semejante argumento lo realmente inquietante es que tenía cierta gracia en esos monigotes diseñados en un estado de ebriedad por algún primo lejano del creador de los CMON´s, muñecos del anuncio de Opel. Y lo que resulta anecdótico a la par que curioso es que incluso nos reímos (de esas risas de “si no río lloro”) con algunas explicaciones ilógicas de sus dos protagonistas: una panda de delincuentes de segunda que se dedican a traficar con la nueva sustancia prohibida y acaban involucrados con una actriz de segunda en la trama de heces más chunga de la tierra.


¿Estoy traumatizada desde entonces? Si, de hecho aquello de la sonda anal me tiene aún un poco preocupada. ¿Quién ha tenido semejante genialidad? ¿Es este tipo de dibujo adulto con mezcla escatológica, sexual y frívola el futuro del manga? Si es así no quiero ni saber cual será la evolución mientras en Hollywood se dedican a jorobar con sus adaptaciones a imagen real a los primeros pioneros los orientales preapran el advenimiento de los culos... Curioso e inquietante.


PROS: Los subtítulos blancos sobre fondo claro animaban al sueño.

CONTRAS: No puedo mirar los chupachups y polos de la misma forma.

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LILYA FOREVER

CCCCC

Lo bueno de Europa y aledaños es que no sólo se hace el cine que se quiere si no que además se puede ver tranquilamente, eso sí, normalmente bajo consejo de asesor especializado porque para abarcarlo todo tendríamos que invertir más tiempo del que tenemos en toda una vida.

Lilya es una jovencita rusa. Al ritmo de "Mein Herz Brennt" de Rammstein corre por una ciudad desorientada y magullada y se detiene en un puente. Flashback. Así comienza Lilya 4-Ever. Y así continua narrando las desventuras de una niña de 16 años que es abandonada por su madre que va con su novio a Estados Unidos. Su madre le deja sola en su ciudad natal, será su primera abandono, uno de muchos, y tendrá que sobrevivir y ganar dinero con la única compañía de un niño vecino, Volodya de 11 años, que sufre maltrato domestico. Con la inocencia de los juegos infantiles en contraposición con la vida adulta que le obligan a llevar Lilya tiene claro que su única salida es abandonar el país, un país acabado y demacrado, hecho que le pone en bandeja un apuesto joven que conoce en una discoteca local que la corteja y engaña para introducirla en una red de prostitución.

La trata de bancas es un tema que en el cine naufraga porque se pierde en el drama de la propia captura o el sentimiento de culpa de las "secuestradas" pero que esta vez consigue esquivar con maestría refugiarse en otros derroteros concentrándose más en los antecedentes que en los propios hechos. Actos y consecuencias que son una conclusión y un alegato más para reforzar el tema principal de la película que, para mí, es un canto a la vida y a la amistad dentro de la pobreza y la miseria en un entorno destrozado y pobre del que su director es capaz de esbozar autenticos momentos de belleza y compañerismo.

Oksana Akinshina es la baza más importante de esta película dirigida por Lukas Moodysson, nombre que me parece será nombrado no tardando mucho en este blog ya que aparece en al filmografía selecta de Carlos, con un papel equilibrado, enternecedor y duro. Una interpretación que encaja perfectamente en la estructura sobria mediada por el vacío, el abandono y la soledad de todos sus personajes.

PROS: La interpretación de Oksana Akinshina y un interesante uso de la música tecno-rusa que acompaña a todos los personajes.

CONTRAS: Es una película difícil que golpea, es mejor verla con la conciencia clara y la mente tranquila o resulta demoledora.

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WARDEN OF THE DEAD

CCCCC*

*Por razones obvias la clasificación de estrellas se sustituye en esta sección por CarlosPoints, su equivalente friki.

Datos Frikis:
Título Original: Пазачът на мъртвите o Pazachyt Na Myrtvite
Elegida para representar a Bulgaria en los Oscars en 2008. Película Bulgara visionada en Picture Europe porque Carlos puso cara de pena (ya que le habían vendido la entrada por error y no quería tragarse él sólo).

Coctelera: Niño huérfano jefe de cementerio con cara de sádico + pintor incomprendido que maquilla muertos + anciano rencoroso con deseos de muerte + país en guerra civil sin ningún tipo de principio moral.

Resultado: dos horas de diatribas sobre la muerte.

La película elegida por Bulgaria para representarla en los Oscars fue una propuesta cuanto menos arriesgada dado el carácter folclorista e intimista que pretende dar Ilian Simeonov a su última película porque para colmo del mal rollo el tipo después de su reflexión sobre la muerte y lo sobrenatural decidió que era el momento más idóneo para estirar la pata.

Esta cinta con marcada influencia de realismo mágico juega con la democratización de la muerte y ligeros toques esotéricos. El niño protagonista tiene sobre sus hombros la responsabilidad de dirigir uno de los negocios más despiadados coordinando el grupo de plañideras, limpiadoras y enterradores del cementerio local. Es un huérfano y vive en el camposacro y tiene una conexión especial con la muerte ya que está convencido de que es capaz de predecirla y está en contacto con los espíritus mientras lucha contra otra cosa mucho más mundana: los enterradores clandestinos que roban cajas y entierran a los muertos de la guerra de forma ilegal en su cementerio. Con todas esas preocupaciones tiene que sumar el hecho de que presiente que en le plazo de diez días alguien cercano a él va a fallecer. Lo que no sabe es quien será.

La película continua con una moderada cadencia durante la mayoría del metraje que no la hace caer en el absoluto aburrimiento pero que no ayuda mucho a mantener la tensión sobre los hechos que en teoría deberían interesarte.

Una idea que sobre el papel sonaba bastante interesante, sobre todo porque creo que el tipo que escribió la recesión no se molestó en ver la película antes de escribirla por lo que para acabar de incrementar el tedio esperábamos todos algo totalmente diferente.

Posdata. Minipunto menos para Carlos.

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ESPECIAL CINE FRIKI BY CARLOS

No contenta con tener la colección más surrealista de críticas de Cine Italiano de la Red vuelvo a la carga...

Soy un poco sádica. Por eso ocasionalmente pido a alguna persona tan friki (o incluso más que yo) que me aconseje alguna “obra maestra” para poder ver cosas diferentes de vez en cuando. Por eso inauguro la seccion cuando está por caer el Día del Orgullo Friki (casualmente lo han puesto justo un día después de mi cumpleaños.. ¿Será una señal?)

El último conejillo de indias ha sido Carlos (conocido como “el tío de la muñeca hinchable”) que facilitó una lista de la cual no le he dado datos mientras he ido avanzado en el visualizado de la colección extraña y heterogénea de títulos. Ahora que tengo varias críticas en el tintero empezaré una nueva sección llamada ESPECIAL CINE FRIKI BY CARLOS que constará de los selectos títulos aconsejados por este individuo y que culminará con un análisis de su estado mental.

Todos aquellos que lo más cerca que han estado del cine Europeo, soviético o de “culos” sea porque pasaron por la plaza de los cubos para llegar al VIPS cuando vean una crítica precedida del nombre del especial se abstengan de leerla para su salud mental. Los sádicos como yo que de vez en cuando necesitan una dosis de cine raro, independiente, trasgresor o simplemente friki que aprovechen que pelis tan surrealistas se encuentran en pocos lugares.

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