TENGO ALGO QUE DECIROS

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Es muy triste escribir desde la decepción sobre la última película de Ferzan Ozpetek, el estandarte del cine gay italiano por excelencia que ha dibujado siempre dramas con cierta ternura y personajes realistas y tristes. Ahora se ha pasado a la comedia comercial (que no dudo que con la dosis justa de azúcar que ha puesto y los actores guapetones que ha endiñado le habrá dado bastante mejor resultado que todas sus anteriores apuestas cinematográficas en territorio italiano).

La cuestión es que la historia de Tomasso es un poco convencional, su familia, dueña de una empresa de pasta es un ejemplo de tolerancia pueblerina (de intolerancia deberíamos decir) así que antes de que la cosa se ponga más seria y tenga que heredar y compartir su imperio al dente opta por personarse y reconocer en la cena varias cosas que toda la familia ignoran de su vida. Por desgracia algo se lo impide y le lleva de cabeza a un cúmulo de circunstancias que le desbordan y le ayudan a comprender un poquito más a todos los miembros de su entorno familiar.

La comedia con ligeros toques de enredo, protagonizados por la visita de unas “locazas” al pequeño pueblecito determinan un ritmo mediocre con poco gusto y un tratamiento infinitamente más mundano del que sesearíamos. La conversión de Ozpetek al cine comercial significa perder mucha chispa y reflexiones, un precio que preferiría que no hubiese tenido que pagar ya que pasa factura hasta a su actor principal, un hierático Ricardo Scamarcio que pierde incluso algunas décimas de sensatez.


PROS: Para los que prefieren las comedias insustanciales.

CONTRAS: Una traición a la sensibilidad de todos los films de Ozpetek

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HISTORIAS DE SAN VALENTÍN

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Vale, es muy sencillo ser el director de Pretty Woman y sacar una película romántica con todos los actores del mundo y además que coincida con al festividad de San Valentín a nivel mundial y llenar las salas. El problema es que los espectadores (y no sólo las féminas de lágrima fácil) salgan del cine con buen sabor de boca.


Garry Marshall ha tirado de agenda y ¡Agárrate! Ha reunido a Julia Roberts, Anne Hathaway, Jessica Alba, Jessica Biel, Jennifer Garner, Shirley MacLaine, Bradley Cooper, Ashton Kutcher, Topher Grace, Emma Roberts, Hector Elizondo, Bryce Robinson, Patrick Dempsey, Eric Dane, Carter Jenkins, Jamie Foxx, Queen Latifah, y Taylor Lautner en una de esas cintas de historias cruzadas. Son diez los personajes protagonistas que se enamoran, se desenamoran, se engañan, se quieren, se dejan, se encuentran, se desencuentran, recuperan el amor, y demás variantes amatorias un 14 de febrero en Los Angeles. Desde el florista romántico al mujeriego casado pasando por las solteronas y los matrimonios de toda una vida. Nada escapa a esta retahíla de tópicos que siempre han funcionado y que se fusionan en una cinta de nada menos que dos horas.

Queridos románticos, personas empalagosas y chicas que arrastran a sus novios a las salas. ¿Por qué? En serio. ¿Es necesario este sufrimiento? Ese ejercicio de reconocer los clichés de otras películas como Love Actually (muy presente en el Benjamín del elenco) y demás cositas con corazoncitos en el cartel ya debería resultar enervante a estas alturas.

Historias de San Valentín es una película aburrida, en líneas generales casi todas las historias son algo zafias, predecible y tendentes al edulcoramiento. ¿Alicientes? Ellos salen monísimos y ellas guapísimas. Poco más.


PROS: Ideal para fans de Anatomía de Grey y Luna Nueva. Atención a las tomas falsas, concretamente al guión de la última.

CONTRAS: Que podían haberse conformado con una producción modesta para tele o video y no masacrar la dolida economía del espectador de cine.

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BRÜNO

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Brüno es un presentador de moda austriaco. Un tipo curioso, escatológico, grosero y rematadamente gay. También es el nuevo personaje nacido de la calenturienta mente de Sacha Baron Cohen, esto garantiza el mal gusto y las incorrecciones varias. Brüno es despedido de su programa tras un pequeño problemilla en un desfile y decide que es el momento de irse a hacer las Américas. Así que él y su asistente se dirigen a Los Ángeles donde ideará toda una serie de disparatados planes para lograr la fama.

Con ese afán pseudodocumental que mezcla lo real con lo ficticio jugando en la barrera de lo políticamente incorrecto y lo rematadamente descabellado Brüno regresa como sucesor de Borat pero esta vez mucho menos original. El espectador vacunado contra lo que ya ha funcionado espera un poco más de valentía por parte de Cohen cuyos mejores chistes salen en el trailer mientras el resto de la , eso sí, extremadamente corta cinta pasan sin pena ni gloria causando alguna risa aislada en función del índice de tolerancia al exhibicionismo de su protagonista.

De la mezcla de situaciones resulta un mejunje pegajoso, vulgar y grosero que consigue eclipsar la crítica que se esconde detrás del desparpajo del actor.

Brüno cae mal, pero no como Borat que explotaba ese encanto, simplemente es bastante desagradable y de mal gusto. La fórmula de Sacha Baron Cohen pide a gritos un cambio, mucho más ahora que tras su fugaz paso por Sweeney Todd demostró que no se le da nada mal eso de actuar de verdad.


PROS: Al limitarse a repetir fórmula agradará sólo a los complacientes fans de sus personajes.

CONTRAS: Dejar esconder la crítica al forzar los límites del buen gusto buscando el chiste sexual.

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SACHA "TORO" COHEN

Dios me odia. Si, si, me odia. Con la semana que ha habido en Madrid, con las visitas, las emocionantes posibilidades de hacer algo interesante, la presencia de Matthew Fox,... Y a mí ¿Dónde me mandan? ¡A ver a Sacha Baron Cohen! Repito, y ahora visualicenme con la rodilla hincada en el suelo y cara de sufrimiento: ¡¡A Sacha Baron Cohen!!

¿No es injusta esta vida? Con lo mal que me cae… Allí en pleno junio con “la caló” en Ventas, una hora esperando, la chica de relaciones con prensa no sabía ya que decir, venga a darnos botellas para no deshidratarnos. “Está allí chicos pero tiene un problema con el traje”. Y mi mente calenturienta pensando en el latex amarillo y los pantalones ajustados que suele llevar. Claro, los pelos como escarpias ante la imagen… Y entonces aparece un coche tirado por caballos con dos toreros macizos y… ¿Un toro de dos metros?


España es diferente, a nadie le importa un rábano que haga entrada con el ritmo maquinero de una versión tecno del himno español.

Detalles como que el señor traductor sacó el título en CCC y pierden toda la gracia los comentarios gays no molestan que lo importante es que llegue a El Hormiguero donde Pablo Motos hará una de sus interesantes, incisivas y meditadas entrevistas (Modo irónico ON) y la mitad de las teles que esperaban compuestas y sin declaraciones... No pasa nada, va vestido de toro, lo pones en el telediario y queda fardón...

Y es que Spain es different pero pa’ todo, ya saben.

Ahora, el tipo repetitivo (mismo discurso que en London), pero contundente: que si la peli es mejor que la última protagonizada por un austriaco gay, Terminator 2; que si Harvey Milk hacía daño con sus estereotipos homosexuales y encima no la protagoniza un gay de verdad; que si los chicos de seguridad pueden venir al hotel conmigo después,…


Y es que ya saben, aunque en la nota de prensa ponga que Sacha Baron Cohen viene a presentar una peli en realidad quien hace acto de presencia es Brüno, ¡Qué también is different!

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RADIO ENCUBIERTA

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Debo decir que cualquier fan de Richard Cutis, director de Love Actually y de cuya pluma surgieron Bridget Jones, Notting Hill o Cuatro Bodas y un Funeral, puede contrariarse ante esta nueva y rutilante apuesta coral del director inglés.

Radio Encubierta es una payasada histriónica, divertida y edulcorada pero responde fielmente a los parámetros del cine inglés con las dosis justas de sexo y Rock&Roll como para que haya conseguido no disgustarme e incluso complacerme.

Corren lo años sesenta y la represión del gobierno británico priva a todos los oyentes de música de calidad, es la época en la que las radios en alta mar (para elidir los controles gubernamentales) prosperaron, entre ellas esta Radio Rock. Un montón de Dj’s hiperactivos amantes de la música y del amor que pasan los días y las noches alimentando los sueños y esperanzas de millones de personas. Carl es un jovencito sin rumbo, cuando le expulsan del colegio su madre decide que es el momento ideal para que pase una temporada en altamar junto con su padrino, Quentin (el siempre histriónico y divertido Bill Nighy). En su nuevo hogar confraternizará con los habitantes del barco y tendrá experiencias vitales únicas que se verán propulsadas a cotas insospechadas con el retorno de Gavin (Rhys Ifans), un pinchadiscos mítico y rebelde que relanzará la cadena musical. Mientras, en tierra firme un malévolo Kenneth Branagh y su secuaz Jack Davenport (de cuyo nombre en su traducción española me niego a hacer chiste malo) intentarán cerrar para siempre sus emisiones.

A pesar de que durante los veinte primeros minutos parece que nos encontremos ante la típica payasa comedia de género con sus tópicas presentaciones y estereotipos hay que reconocer un mérito con un despegue y resurgir de la película amparado en anécdotas y simpáticas situaciones que consiguen que Radio Encubierta o se convierta en una cinta del montón. Su gamberra pose británica y su desfasado look y montaje realzan las virtudes de los actores, una tonelada de grandes nombres reconocibles por sus trabajos en Inglaterra en series y películas de éxito como, Nick Frost (Arma fatal y Spaced), Tom Sturridge, Jack Davenport (Coupling), Ralph Brown, Chris O'Dowd y Katherine Parkinson, la "única mujer" del barco (estos dos últimos de IT Crowd) acaban de redondear el reparto.

Rhys Ifans o Bill Nighy son los ases en la manga del director, dos actores que han representado grandes papeles en sus anteriores películas y se han convertido en auténticos y míticos personajes que permanecen en el imaginario colectivo, uno como Spìke, el payaso compañero de cuarto de Hugh Grant que paseaba con diversas indumentarias por la casa (o sin ellas) y el otro como roquero de capa caída creando la canción de las navidades sacando esta vez todo el repertorio de serio histrionismo del que es capaz.

Philip Seymour Hoffman, Kenneth Branagh, o Emma Thompson sirven para dar el toque glamouroso y civilizado a un cartel coral como el que presenta.

Por si esto fuera poco una banda sonora de lujo completan lo que pasará a ser una comedia más de Curtis pero que por méritos propios se podría considerar más gamberra, divertida y redonda que algunos de sus otros trabajos.


PROS: No puedo ser imparcial, me ha gustado mucho... Actores, música, gamberradas,...

CONTRAS: Los primeros minutos tiran para atrás pero salvado ese escollo sólo hay hueco para la diversión.

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MENTIRAS Y GORDAS

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El cine español goza de una salud envidiable aunque sea haciendo caja con productos como este. Con un plantel de nuevas estrellas surgidas sobretodo de series adolescentes el retorno de Albacete y Menkes ha arrastrado a todos los fans de la ficción española a ver su nueva película aunque sea a costa de explotar tópicos y ofrecer dosis insanas de sexo gratuito, cuerpos desnudos y poca neurona.

Resumir la serie de despropósitos que pueblan Mentiras y Gordas sin destripar las relaciones personales de los protagonistas o las consecuencias de sus actos (por otra parte lógicas) se antoja complicado pero es una labor que hay que intentar.

A está enamorada de B pero B está enamorado de C. Entonces A, B y C se drogan y A se acuesta con B. C se acuesta con D y D no vuelve a aparecer. C se vuelve a drogar y entonces E y F se drogan y se acuestan. F se acuesta con A y B (en algún orden) y se droga… ¿Seguimos con el resto del abecedario o ya hay una idea de la profundidad titánica de este producto.

No sólo es preocupante que la gente acuda de este modo a ver este tipo de películas con calidad escasa mientras hay cientos de películas mucho mejores que protagonizadas por actores de verdad tienen una vida más que limitada en las salas. También me preocupa que nunca más regresen a una sala después de ello.

Albacete y Menkes han rodado la primera película de porno amateur español que se ha colado en las salas vediéndose como un dramón adolescente con tintes de comedia. Hay noticias frescas, que la gente se ría en la sala no quiere decir necesariamente que sea “con la peli” y en la mayoría de los caso será “de la peli”.

Unos directores que siempre han mostrado mucho mimo por la comunidad gay que han conseguido vilipendiar a cualquier homosexual (hombre o mujer) por igual con esta magnificación de rollos adolescentes hasta cotas propias de un exceso de hormonas en sangre.

La sensación de que la nueva generación viene pisando fuerte se disipa un poco cuando observas que la concepción cinematográfica de todos los veinteañeros consiste en una sucesión de drogatas promiscuos que se dedican a gastar el dinero de sus padres en pasarlo bien e ir de fiesta. En esencia el guión (o ausencia de él) es un insulto contra cualquier persona adolescente o joven que sea normal, o al menos que sea capaz de tener raciocinio, en el sentido único de la palabra. A pesar de sus pretensiones de ser un drama realista fracasa estrepitosamente con toda una serie de tópicos inventados y extrapolados de una sociedad, que sin duda no es la española de nuestros días, y huele sospechosamente a toda la corriente noventera de cintas americanas independientes (tipo Diario de un rebelde y demás subproductos que no funcionaron del todo mal) pero sacadas tanto del contexto que lo más cariñoso que se le puede decir es grotesco.

Párrafo a parte merecen los actores, algunos tan metidos en sus papeles que han considerado que no es necesario ni siquiera vocalizar en sus frases y donde la principal virtud consiste en enseñar cachas para ellos y pechos en el caso de ellas.

Posiblemente de las peores películas de la década.


PROS: Que al menos la gente haya superado la urticaria de ver cine español en las salas.

CONTRAS: Que posiblemente después de ver esta vuelvan, con razón, al cine extranjero.

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MI NOMBRE ES HARVEY MILK

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"… Y vengo a reclutar". No puede empezar con una declaración de intenciones más honesta.

Harvey Milk fue el primer político abiertamente homosexual que ocupó un alto cargo en San Francisco. Tras abandonar su empleo en Wall Street se mudó a un pequeño barrio donde fundo una tienda con su amante saliendo del armario de forma definitiva. Allí, poco a poco, consiguió dotar a la comunidad de un poder que nunca antes habían conseguido. Tras infructuosos intentos de salir elegido como representante de la zona y ante las reticencias iniciales consiguió ser portavoz de todas las minorías convirtiéndose en todo un modelo a seguir.

Gus Van Sant pretende dar a conocer al personaje y al ser humano que se escondía debajo de su cargo político a través de sus amigos, sus amantes y sus discursos. Y es que Van Sant es siempre una apuesta segura para este tipo de películas. Le gusta desentrañar las penurias y preocupaciones que van más allá de los momentos épicos pero nunca renuncia a un buen discurso, a una buena idea o a una forma de llevar sus ideas al gran público, como el mismo Harvey Milk.

En esta ocasión su vehículo fundamental es el todoterreno Sean Penn y una ristra de buenos amigos. Se nota que el actor y director ha tirado de agenda rescatando colegas y fetiches de sus últimos films con bastante tino como el impecable Josh Brolin que está viviendo un resurgir en su madurez interpretativa o el casi recién llegado Emile Hirsch (Hacia Rutas Salvajes) que promete grandes cosas en el futuro, y el siempre sorprendente (para bien o para mal) James Franco. Sólo hay un fallo de carácter interpretativo que se puede apreciar incluso con mayor dramatismo en la versión doblada y es la aparición de Diego Luna que carga con una cantidad innecesaria de dejes, tópicos y sobreactuaciones que podían haber sido fácilmente solucionables.

Pero la vida de Harvey Milk, a pesar de ser interesante, tiene la misma cadencia que todos los biopics. Empieza rutilante y avanza hacia un final desvelado con demasiada descortesía por Van Sant al inicio de la cinta. Por eso tras una primera parte arriesgada, atrevida y muy entretenida acaba enganchándose en la maquinaria política de sus personajes restándole un poco de cadencia que no acaba de remontar del todo.

A pesar de ello lo que más brilla en todo el asunto es la vida de Milk, un tipo que demostró el los setenta grandes verdades que penosamente siguen estando relegadas en nuestros días. Sólo por eso merece la pena una profunda reflexión tras su visionado.


PROS: Las interpretaciones.

CONTRAS: No enganchar el ritmo correcto con una segunda parte política algo estancada.

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LAVENTANA DE ENFRENTE (LA FINESTRA DI FRONTE)

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La historia de La ventana de Enfrente es una narración sobre amores imposibles. Amores que perduran a lo largo del tiempo, amores prohibidos, ocultos, vergonzantes. Y amores cotidianos, modernos, fantasiosos e idílicos que nunca parecen pasar de lo platónico. Amores que se abren a través de una ventana y del tiempo.

Una mujer casada, con su familia ya hecha, sus obligaciones y sus preocupaciones ha olvidado hace ya demasiado lo que quiere o necesita. Su marido es cariñoso pero cómodo, todo se ha encarrilado en función de una tediosa rutina que pasa por cuidar de sus niños y trabajar contando obreros en una fábrica industrial. Cuando un anciano perdido entra en su vida la cosa cambia. Acogen al viejecito que no recuerda nada y van descubriendo poco a poco detalles de su pasado a través de pequeñas pinceladas. Una carta de amor les lleva a buscar un amor imposible repleto de dulces que acercan a la pobre ama de casa a su amor secreto, aquel que observa cada día desde su ventana y que le abrirá las puertas de un nuevo horizonte lleno de posibilidades mientras descubre que el apacible abuelito esconde muchos y terribles secretos.

Hay algo encantador en las películas que te permiten observar a otros por una ventana. Es un doble juego de voyeurismo y deseo. Porque en el fondo el cine es precisamente eso, mirar las vidas ajenas que trascurren en dos horas para hacerse parte de sus historias sin pedir permiso. Por eso cuando el secreto del espionaje se comparte con algún personaje somos cómplices y testigos de sus más profundos anhelos. Mezzogiorno se deja seducir por la imagen de Raoul Bova, un chico joven, elegante, mujeriego e inalcanzable, su vida está llena de metas que nunca parece llegar a conseguir y cuando por fin un detonante la lleva a tomar decisiones ella misma se sorprenderá de dónde le lleva la vida.

El pulso de Ferzan Ozpetek es sin embargo algo débil en esta historia preocupado en exceso de que se comprenda un misterio esbozado en los primeros minutos de narración y no se deja seducir por el inmenso panorama que tiene esa ventana abierta desperdiciando la mejor historia. A pesar de ello La Ventana de Enfrente es un ejercicio interesante sobre las miserias humanas y sobretodo de sueños y amores imposibles, por eso conserva una magia que la hace simplemente tan comestible como las tartas del maestro pastelero.


PROS: La idea del juego de espionaje a través de la ventana.

CONTRAS: No encuentra el equilibrio entre los dos tiempos donde se desarrolla la historia.

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OVER HER DEAD BODY

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Pongamos que vas a contraer matrimonio con la mujer más tiquismiquis, perfeccionista y pesada del planeta. Y que en su perfecta boda algo va muy mal, por eso ella toma la decisión de impedir que la cosa se tuerza aún más con trágicas consecuencias. Además está tan mosqueada con la situación que se niega a abandonar el limbo y un año después sigue pululando por la tierra para vigilar a su “casi maridito”. Por eso cuando conoce a una médium guapetona de la que empieza a enamorarse decide tomar cartas en el asunto y hacerle la vida imposible.

Echemos la vista atrás. Patrick Swayze torturando a Whoopy Goldberg mientras quiere dormir cantando Enrique Octavo y contando botellas de ron para que lance un mensaje a su amada y esta pueda seguir adelante con su vida. Ahora invirtamos las tornas y visualicemos a la tan de moda Eva Longoria haciendo lo imposible para arruinar la vida sentimental de Paul Rudd. Ya de base no suena muy original, ¿no? Así que el espectador se encontrará un número considerado de chistes y torturas del más allá copiados de todas las cintas que tienen un fantasma torturador, incluyendo las de Disney (El Pirata BarbaNegra) y las de Bill Crosby (Mi Papá es un Fantasma) pero en clave de comedia romántica.

Poco novedosa, y en ocasiones demasiado melosa es un producto que sólo disfrutarán los fans de la actriz y aquellos acostumbrados a ver una y otra vez la misma película. El resto nos sumimos en un profundo hastío de diálogos poco originales y situaciones mil veces repetidas.


PROS: La presencia de Eva Longoria y el amigo “gay” Jason Biggs.

CONTRAS: No tiene ni una línea original.

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MAMBO ITALIANO

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“Ser italiano y gay no se lo desearía ni a mi peor enemigo” confiesa la inestable hermana de Angelo a uno de sus múltiples psiquiatras antes de explicarle que sólo visita a un psicoanalista a la semana porque o quiere que la conozcan demasiado. Ella se encarga de contar la segunda etapa de la historia de Angelo, un treinteañero hijo de emigrantes italianos que nació en Canadá y se crió en una comunidad de sicilianos militantes. Como él mismo describe sólo hay dos formas para un italiano de abandonar el hogar: “casado o muerto” por eso sus protectores padres no ven con buenos ojos que se mude y mucho peor reciben la noticia de que su retoño es gay y vive en pecado con otro italiano hijo de una vecina. Sus planes para que conozca a una buena chica italiana parece que no han dado sus frutos.

Hay un encanto típico de la comedia televisiva en esta folclorista visión cultural de la familia y del mundo gay. Se juntan dos mundos tan añejos y estrambóticos que ya de base resulta encantador. Cada vez que veo esta comedia no puedo evitar sonreír ante las ocurrencias de Paul Sorvino, padre de la criatura y el tortuoso desarrollo que toman los personajes ante cada nuevo escollo.

Frívola en ocasiones y realmente simpática a veces Mambo italiano encuentra el equilibrio justo para dibujar esta Jaula de Grillos a la canadiense plagada de personajes pintorescos, situaciones inverosímiles y guión tan descabellado que consigue el principal objetivo: hacer pasar un buen rato.


PROS: El matrimonio Barberini

CONTRAS: La hermana clavada a “Janice Oh My God!”. Desesperante.

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UN AÑO SIN AMOR

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Arriesgado debut de la directora argentina Anahí Berneri que se mete de lleno en los temas más complicados para plasmar en una pantalla que se pueden imaginar. Pablo es un joven escritor con SIDA en fase bastante avanzada escribe sus pensamientos y deseos en un diario. Aunque la enfermedad le está quitando la vida él no renuncia y en el año de tratamiento quiere encontrar una pareja tentando y jugando con un sexo salvaje se deja llevar enamorado de un desconocido que conoce en una discoteca y que aparecerá ocasionalmente para dar n sentido a su vida. Sentirse lleno con la búsqueda del amor y el enfrentamiento al dolor será su día a día para seguir adelante.

Ganadora del Premio Teddy a películas de temática gay la Berlinale el tremendo esfuerzo de su directora y atreverse a jugar con no pocos tabúes: sexo extremo, relaciones con seropositivo, la enfermedad en su aspecto más crudo, los ambientes turbios de la noche, … todo rodeado de una normalidad y de un sentido positivo para su Pablo que resulta chocante peor atractivo en un primer momento.

La cinta trascurre de forma fluida, sin grandes altibajos y creando los vínculos para que la decadencia a la que se obliga sea comprendida y no rechazada de base. Este es el mayor problema que resuelve con mucha solvencia gracias a la voz en off del diario. Pero a parte de su tratamiento el resto de la cinta es bastante neutro. No se juzga lo que aparece en la pantalla, no se valora ni se castigan los actos, simplemente se les deja fluir aunque a veces no lleven a ningún punto concreto. En este transcurso pacífico es donde algunos tópicos o situaciones especialmente controvertidas consiguen rozar el límite de lo vulgar creando un anticlímax que siempre se mantiene en la delgada línea de lo correcto. No cede espacio a lo fácil y la lejanía del tratamiento consigue que sea una película muy digna de ver.


PROS: Para los que quieran ver la versión no edulcorada de Philadelphia con sus escenas de cine X incluidas.

CONTRAS: ¿Estamos preparados para enfrentarnos con todo este mundo sin juzgarlo como su protagonista?

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KISS THE BRIDE

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Una invitación de boda lo puede cambiar todo. Cuando Matt, apuesto, guapo y poco comprometido muchacho gay recibe la invitación de la boda de su primer amor decide que viajar para asistir al enlace de Ryan y Alex para convencerle de que está cometiendo un error.

Tori Spelling, si , de los Spelling de toda la vida es la novia en cuestión por lo que nos podemos hacer una idea bastante general de la factura de la película que ofrece chistes bastante lógicos sobre la homosexualidad de los protagonistas y regala planos gratuitos de torsos desnudos en cuanto te descuidas. Metódicamente une los puntos de manual para generar un poco de enredo, alguna situación cómica y un desenlace placentero para todas las partes.

Pero en tanta mediocridad no hay ningún punto que se pueda destacar a parte de la estridente voz de su protagonista femenina o las exageraciones tópicas que explotan sobre las relaciones. Es, sin duda, carne de película televisiva de esas que puedes ver entre cabezada y cabezada y olvidarla en la inmensidad de las películas de domingo.


PROS: El espectáculo de abdominales y espaldas sudadas.

CONTRAS: Es una película que hemos visto en todas sus variantes hetero y gays hasta la saciedad.

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UNA CASA DE LOCOS (L'AUBERGE ESPAGNOLE)

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Siempre he querido irme de Erasmus. Ya ves, un año perdiendo el tiempo lejos de casa y “haciendo que estudias”, cansada de ver gente borracha y hacer turismo zafio. Ni siquiera he ido de visita a ver a los pocos incautos que se adentraron en las tortuosas aguas del intercambio cultural con universidades europeas, pero a pesar de eso el caos que reina en la película de Cédric Klapisch me es extrañamente familiar.

Detrás de este engañoso título traducido a capón ante la imposibilidad de encontrar una expresión tan bella en nuestro glorioso idioma como para contemplar lo que significa en francés L'auberge espagnole se esconde una comedia poco típica. Xavier decide ir a estudiar a Barcelona su último año de universidad. Allí compartirá el piso con un complejo núcleo de estudiantes de diversa índole y nacionalidad. Es esa la esencia del Erasmus que quiere contar lejos de las clases o las preocupaciones escolares, una vez superada la barrera burocrática en forma de pilas de papeles y requisitos, tras todo eso sólo quedan los buenos momentos.

Primero la ciudad te es ajena, desconocida e incluso antipática pero Xavier, como cualquiera que se haya ido a vivir fuera, acabará por encontrar el punto a esa vida de expatriado y a la cultura española. Allí italianos, ingleses, belgas, alemanes y españoles conviven debajo el mismo techo con una nevera desvencijada y ocupada por todos los alimentos comunes, unas paredes cuyo papel da pena y un turno de limpieza más que dudoso. A pesar de eso Xavier tras mudarse de casa de la pareja francesa que le acogió nada más bajar del avión ve allí el paraíso.

Con un guión más bien escueto asentado tan sólo en las anécdotas de borracheras y aventuras sexuales de los que le rodean se esconden temas mucho más interesantes como la integración, el respeto de las culturas, las barreras, la extranjería, la comprensión y el polémico tema del catalán de forma sutil en tan sólo una escena que es de lo mejorcito de la cinta.

Se le puede tachar de quedarse en una superficie y bien es cierto que sin haber vivido una experiencia parecida no se aprecian las gracias y las angustias del mosaico del mundo Erasmus pero para todos los que alguna vez han vivido en el extranjero o disfrutaron de una de estas becas con fama de servir de vacaciones para los estudiantes abriéndoles todo un mundo de sexo y drogas legales. Y es que es así, se queda conscientemente en la superficie porque es precisamente esa la gracia del relato. ¡Los estudiantes son mentes simples! Los universitarios sufren una segunda revolución hormonal que al alejarse de su hogar se dispara como cohetes diluyendo sus planes culturales y cambiándolos por otros algo más terrenales.

No se puede evitar el Erasmus ante el visionado deja escapar frases tipo: “Es cierto”, “A mí me pasó” o “Cuanta razón tiene” porque es lo que su director quería y lo que consigue. Es decir una simplona pero amena película.

Una Casa de Locos recoge también la idiosincrasia francesa, esos seres tan tiquismiquis y raritos que son nuestros vecinos del norte.

Absolutamente necesario verla en versión original.


PROS: Recordar los tiempos de Erasmus aderezados por la presencia de Audrey Tautou .

CONTRAS: Que al resto no le hará ninguna gracia.

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HAMAN. EL BAÑO TURCO

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Francesco recibe una carta. Tras el fallecimiento de su tía ha heredado una propiedad y los bienes de esta en Turquía. Emprende un viaje para poner en orden todo cuando entra en un Baño turco y algo en su interior cambia totalmente. El vapor, la relación entre los hombres dentro de sus instalaciones y el ambiente que respira en la ciudad hacen que cuando se entere de que su herencia es precisamente un baño decida alargar su estancia y reformarlo para reflotar el negocio.

Alessandro Gassman (hijo de Vittorio) inicia una andadura en el cine gracias al director turco Ferzan Ozpetek. No muy pródigo en las grandes pantallas, se puede destacar su aparición en Huevos de Oro, Trasnporter 2, pero sobretodo su interpretación multipremiada en Caos Calmo es un actor de los de antes. De esos que desprenden magnetismo, que con la sola presencia en la pantalla seduce a todo espectador independientemente de cual sea su género y en este caso con mayor motivo ya que Ozpetek contempla siempre en sus cintas la temática de la homosexualidad de una forma realmente interesante.

La trasformación del personaje de Francesco será el verdadero hilo conductor de la historia donde se mezclan las apariencias y los deseos con una Turquía fantástica y mágica. Cambios que están tan magníficamente narrados que el espectador no los percibe hasta que llega la mujer de este, Marta, para pedirle el divorcio. La sorpresa de ella ante los cambios de su marido son el detonante de que desde la butaca nos demos cuenta del camino que hemos recorrido con él para dejarnos seducir por los paisajes de Estambul y su cultura y como incluso las relaciones de Francesco con el resto de los miembros de su “nueva familia” y sobretodo gracias a las palabras que descubren en las cartas de la tía que a modo de voz en off guían a Francesco para descubrirse.

Fantástico el planteamiento de la primera y prometedora cinta de este director que realizó los mejores retratos de la vida actual en Italia empezando por Turquía, país del que es originario. Destilando sensibilidad y belleza recrea el viaje interior de sus protagonistas como pocos directores son capaces. Haman es una de sus obras más sinceras y efectivas que huye del folclorista paisaje turístico de la ciudad y que se centra en la reconstrucción de la personas más que del propio baño. Le valió, muy merecidamente, una nominación a película de habla no inglesa.

PROS: Alessandro Gassman

CONTRAS: El marketing sobre la tendencia sexual quita mucho brillo a la historia.

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C.R.A.Z.Y.

CCCCC

Esta cinta rodada Québec en francés se ha convertido en una cinta de culto, culto para toda una generación que ha encontrado ese equilibrio delicioso entre el cine de autor y el cine con mensaje (que normalmente ya no van tan unidos como antaño) y también para un público que busca que sus diferencias como las del protagonista no sean tan grandes para buscar su pequeño lugar en la sociedad. El gran acierto de la cinta es precisamente hacer de la cotidianeidad de las citaciones su mejor aliado para que resulte realista sin renunciar a la magia.

Zachary Beaulieu llega al mundo el 25 de diciembre del 60. Al poco de nacer sufre su primer encuentro con la muerte, algo que junto con el resto de supersticiones de su madre marcarán su vida y sus relaciones con los demás. El cuarto hermano de una familia demasiado tradicional se encontrará con el rechazo familiar desde bien pequeño y se dedicará en cuerpo y alma a no decepcionar a su padre negándose a ser homosexual para conseguir su aprecio, cariño que tampoco le llega por parte de sus hermanos y mientras lucha por seguir siendo él mismo sin desintegrar la imagen hogareña y normal que han construido sus padres comprueba como la familia se hace trizas a lo largo de las décadas narrando los hechos que suceden en las vísperas de sus cumpleaños.

Son grandes los recuerdos que puede atesorar un niño que vive la revolución sexual de los años sesenta y setenta. Pero no sólo es el sexo el que preocupa a Zac. El adolescente se encuentra ante todo un abanico de problemas como las relaciones familiares, la religión mal entendida, la libertad, el rechazo, la negación de la sexualidad, el deseo de agradar a los demás, y sobretodo la búsqueda de un sitio donde encajar sin decepcionar a los que le rodean.

Es envidiable el ambiente musical y cultural que Jean Marc Vallée no renuncia a reflejar en su cinta. Patsy Cline sonando en los momentos más duros o entrañables de sus protagonistas pero sobretodo algunas imágenes preciosistas que dotan al vida del pequeño Zac del punto de escape que tanto necesita haciendo además participe al espectador de las bromas de su protagonista.



PROS: Por fin encontrar una película donde se atreven a tratar el tema de la sexualidad como tema principal sin que lo parezca.

CONTRAS: A veces rellenar los lapsus de tiempo puede resultar agotador.

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RIPARO

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Riparo abarca dos de los temas más controvertidos del momento: la inmigración ilegal y el rechazo a la homosexualidad en un país donde cualquiera de las dos es casi un pecado.

Cuando Anna, una chica rica de muy buena familia, regresa de vacaciones con Mara, empleada de la fábrica de Anna descubren una poco grata sorpresa: Anis, un chico marroquí en su maletero que las usó para cruzar la frontera. El joven desconoce cómo será su nueva vida y sobre todo que se verá ligada a dos personas de las que inicialmente no conoce su relación. La forma de actuar de las italianas con Anis, y la forma de interactuar este con ellas será uno de los argumentos centrales de la cinta sin olvidar otros como la precariedad del trabajo, el rechazo de la familia, las diferencias sociales, el mundo laboral, la inmigración legal e ilegal,…

Marco Simon Puccioni parte con muchos ingredientes para poder afrontar un buen drama intimista. Quizás demasiados ingredientes. Al final su receta se queda corta de sal y le sobra una tonelada de azúcar. Con un inicio prometedor Maria De Medeiros y Antonia Liskova roban totalmente la historia que según se va volviendo más enrevesada y tortuosa las convierte en personajes apáticos con ideas enfrentadas a sus principios iniciales y que mutan totalmente de roles. Despista ver como de conversaciones íntimas y reacciones estrafalarias consiguen realizar una segunda parte donde sólo dibujan los retales reconstruidos de su inicial arranque.

Una saturante y tétrica fotografía no hace un gran favor a esta película dándole una factura de telefilm de la que podía haber escapado con cierta facilidad y dejándose seducir por la típica historia de amor a la vieja usanza con celos y acciones desesperadas para recuperar a la persona querida. Pero es fundamentalmente al intentar dibujar el personaje de Mara y su problema familiar donde parece que finalmente el director y guionista no convence. Llegados a este punto con toda la telaraña de rechazo familiar por parte de la familia de Anna y el deseo de agradar y valerse por si misma de Mara la aparición de un moribundo progenitor se antoja una apuesta arriesgada por el sentimentalismo que sólo obedece al giro que pretende dar el guión buscando el detonante para que la relación de ambas estalle usando torpemente la figura del infante marroquí, gran damnificado de esta trama y dejando siempre de lado su interesante historia y problemática.


PROS: Los dibujos iniciales de cine social.

CONTRAS: Que poco a poco se olvidan las buenas intenciones del principio.

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SAVAGE GRACE

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Savage Grace está basada en una historia real, Barbara Daly consigue ver cumplido su sueño y se convierte de la noche a la mañana en la esposa de un millonario. Ella es elegante, hermosa pero también caprichosa, consentida y excéntrica. La llegada de su primer hijo, Tony, no mejorará las cosas. A lo largo de los años la distancia del matrimonio se hará cada vez más patente en los numerosos destinos donde les toca vivir. Tony heredará esa rebeldía de su madre y a la vez que su padre se va alejando más y más de ambos ellos se unirán mucho más.

Esta producción con gran sabor español, gran parte del metraje se desarrolla en Mallorca y Cadaques (aunque sólo esta última con escenarios reales) y donde aparecen Elena Anaya (Blanca), Belén Rueda (Pilar Durán) y Unax Ugalde (Black Jake) está protagonizada por Julianne Moore. Es una cinta, sin embargo, muy difícil de ver. El director parece perdido a la hora de afrontar esta historia y no acaba de encarrilar a unos personajes que parecen ajenos y que en ningún momento acaban de conectar con el público. Son fríos, herméticos y poco atractivos. Concretamente el Tony adolescente y adulto resulta desastrosamente indiferente e incluso antipático y su evolución guiada por una tediosa voz en off es irregular y carente de lógica. Además muchos de ellos, sobre todo afecta a estos españoles antes citados, ni siquiera tienen un valor narrativo para el conjunto.

El segundo problema es que la adaptación hace aguas. No se atreve a centrarse en algún tema concreto, si bien los que tendría que afrontar no son sencillos: homosexualidad, abandono, incesto,… Todos ellos desdeñados por guionistas y director para dejarlos en meras anécdotas y llevando a un desenlace precipitado y atropellado después de aburrir con hora y media de metraje.

Tom Kalin naufraga al intentar abordar otra historia real. Si bien Swoon fue un digno título de culto con temática homosexual en este caso no consigue que la tragedia, o el drama marque ninguna escena a pesar de contar con unos ingredientes bastante similares: asesinatos, personajes ciertamente desequilibrados y cierta necesidad de contar algo. Esta vez sin embargo se queda en la línea del melodrama barato casi televisivo.

Mal escrita, mal dirigida y soporífera.


PROS: La frialdad de la última escena qeu debería haberse vsisto durante toda la película.

CONTRAS:La irregularidad narrativa por la que opta su director.

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EL HADA IGNORANTE

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Dicen que cuando un vaso se cae y se rompe alguien que quieres se va. Eso es lo que le pasa exactamente a Antonia cuando pierde a su marido Massimo en dos ocasiones. La primera cuando muere y la segunda cuando descubre que en realidad no sabía ni quien era ni cual era su verdadera vida. El descubrimiento de un cuadro dedicado por su amante le pone tras la pista de los pedazos perdidos pero no estará preparada para lo que en realidad va a encontrar. Michele, su amante resulta una personalidad atrayente y enigmática por la cual descubrirá la vida de su difunto marido.

El Hada ignorante es un ejercicio brillante de acercamiento al mundo de la homosexualidad con delicadeza, tino y sensibilidad, lo cual, para tratarse de un film italiano ya es mucho decir y que se debe en su totalidad a su director Ferzan Ozpetek, empeñado en traer la temática gay a las pantallas italianas con obras de gran calidad. No se resiste a caer en algunos tópicos y estereotipos pero con una cierta gracia que acerca esos guiños a la comedia completando otros personajes como el de Michele de forma tan sublime que se perdonan esos excesos.

Y es que algunos momentos del filme podían haber sido obviados para conseguir un resultado mucho más redondo y completo que es precisamente el punto que puede ocasionar más choque con un espectador que se despista sobre las reacciones que se supone debe tener con los comportamientos entre estereotipados y exagerados que desfilan por la pantalla.

Si la historia no es muy original y tampoco transcurre esquivando lugares comunes lo que si se puede decir es que el retrato es tan sincero y mundano que en ello recae su mayor encanto. Stefano Acorssi (como siempre, vaya novedad) se convierte en la encarnación de la sensibilidad y sexualidad consiguiendo seducir a la cámara, al espectador y a todos los personajes de forma inmejorable para creer los derroteros por los que el guionista se empeña en avanzar.

En resumen, un interesante propuesta entretenida, tierna y con cierta tendencia a la lágrima fácil que cumple muy bien su papel y se ha convertido ya en un referente de cine gay europeo de los últimos años.


PROS: Esquivar muy pronto la temática gay en el triangulo amoroso convirtiéndola en algo secundario de la trama.

CONTRAS: Cae en los clichés de promiscuidad, vida alegre y SIDA que podía haber evitado bastante fácilmente.

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IL CICLONE

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Pensé que lo más elaborado que podía existir en cuestión de mestizaje de idiomas era sin duda el Spanglish, es decir, la combinación más o menos acertada de palabras de la lengua inglesa junto con la española que se ha convertido en todo un clásico, o incluso en una especie de lengua cooficial en algunos territorios americanos como Miami. Me equivocaba. Parece ser que el dialecto más desaprovechado de momento sigue siendo el itagnolo. Es decir, el intento de los españoles por hablar italiano intentando adaptar literalmente la palabra de la lengua vecina amparados por su aparente parecido.

Vale excursionistas domingueros. Es cierto que si vas de vacaciones y el señor del restaurante ansioso por cobrarte tres euros por una botella pequeña de agua te habla lento entenderás bastante pero me temo que la lengua italiana posee recovecos tan profundamente rebuscados que se puede poner bastante complicado entender algunas cosas, eso no parece importar a Leonardo Pieraccioni que en Il Ciclone hace un alarde de itagnolo acabando todo en “s” igual que sus compañeras de reparto, todas de acento dudoso, acabando todo en “i”.

Es increíble ese tufillo a realización ochentena a pesar de haber sido rodada a finales de los noventa. Esa magia que tiene el cine “de provincias”. Explotando el aire Kitch de las motos setenteras, la resonancia de las millones de liras y los móviles del pleustoceno alejándonos mentalmente en el tiempo más de lo estrictamente necesario. Una película hecha con dos duros pero que causa el efecto Piripíiiiii en todo aquel que la ve y se materializó en un terrible éxito en Italia y un modesto estreno en nuestro país bajo el nombre de El Ciclón.

La vida en un apacible pueblo de la Toscana se ve trastocada con la llegada de una caravana de bailarinas de flamenco, por un error de direcciones acaban pasando la noche en casa de los Quarini donde toda la familia intentará el acercamiento, más o menos acertado a las jovencitas. Familia italiana donde las haya con tres hermanos marcados por os nombres que en un ataque exótico les dio a sus progenitores: Selvaggia, Líbero y Levante. Siendo este último el protagonista, escritor (junto con Giovanni Veronesi) y director del film.

Y es que, para variar ver, como en el extranjero tiene esa concepción de España con sus flamencas, sus toros, sus mujeres morenas, sus catalanes y demás no deja de ser sencillamente brillante, incluso cuando la mitad de los españoles ignoran la gramática básica e incluso Natalia Estrada pone un acento entre Boloñes y de Mostotes o Lorena Forteza (colombiana) que se ganó el papel sólo por el encaprichamiento del director y actor tras verla en un anuncio. Pero el folclore del toro mezclado con los Spaguetis alla putanesca servidos bien condimentados por Leonardo Pieraccioni no deja de ser una de esas extravagancias que se pueden disfrutar cada mucho tiempo con una cierta ligereza y un soplo de vaga condescendencia que en ocasiones te permite olvidar lo malas actrices que son todas esas bailarinas de grandes pechos.

En medio grandes escenas que mezclan el surrealismo con la cultura popular. Libero y sus cuadros cuestionándose la existencia de un Dios que se manifiesta de formas extrañas mientras duerme en un ataúd por el simple hecho de que le salía barato. La hermana lesbiana que no quiere reconocer ante sus convecinos una condición más que obvia o la pobre camarera que se limita a seguir en una relación por la comodidad de no salir a encontrar otra. Todo ello unido con los consejos gritados por Gino desde su finca en las alturas.


PROS: Ver por fin un reflejo folclórico popular que roza la inocencia.

CONTRAS: Las patadas al diccionario del novio de Caterina, si, se supone que es un nombre la mar de español, ¿Qué pasa? y las interpretaciones a cual peor del grupo "español".

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NO BASTA UNA VIDA (SATURNO CONTRO)

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Roma, un grupo de amigos se reúne como siempre para cenar. Antonio y su mujer, una pareja consolidada o al menos eso creen, porque él tiene una amante a la que no quiere tanto como a su familia e hijos; Davide, un escritor de éxito, y como a todas las reuniones la presencia de un policía algo peculiar y cínico que fue antaño su pareja, pero, además, es la segunda vez que Paolo se une al grupo consolidado. Lo invitó Lorenzo, actual compañero de Davide para que este pudiera leer uno de sus relatos. Roberta tiene una vida mucho más simple pero a la vez más complicada, es adicta a casi todo y además adora los horóscopos, le divierte ver cómo los astros marcan la vida de los que le rodean, aunque ella tenga un destino terrible marcado por las estrellas. Completa el grupo una simpática turca, independiente, impertinente y madona, como lo es en su vida personal. Parece que no tienen nada en común pero en realidad hay una cosa que les une: Lorenzo. Aunque eso puede cambiar.

Tras otras películas Ferzan Ozpetek que parecían un ensayo llega a Saturno Contro demostrando plenitud, redondeando las formas de un cine que se destilaba en cintas anteriores y que finalmente asoma casi perfecto en esta película grande, casi tanto como todos sus actores. Sabe lo que quiere contar y lo cuenta muy bien, inmejorablemente más acertado que en otras de sus películas, siendo esta la que puede parecerse más El Hada Ignorante (hasta la fecha mi segunda favorita de su filmografía aventajada sólo por Saturno Contro).

Se atreve, sin fisuras, a presentar a unos personajes sin juzgarlos con todas sus debilidades y flaquezas que aman, quieren y lloran juntos. Refleja la traición, el odio, la comprensión, la tolerancia, el perdón, la aceptación y sobretodo el amor de todas las formas conocidas: un amor romántico y visceral en la pareja de Pierfrancesco Favino y Luca Argentero , el amor paterno incondicional pero reticente que se enfrenta a los prejuicios para recordar el valor de la familia, el amor cómodo que se adueña de la pareja tras años de convivencia, el amor a sí mismo del que carece Roberta, el amor platónico de Paolo, el amor dictatorial de Neval, el amor eterno de Sergio escondido tras el cinismo y la preocupación … el amor universal.

No Basta Una Vida fue el título español, poco acertado como simpre, para esta película que habla precisamente de eso, de lo que cuesta encontrar lo que se busca y aceptar lo que se pierde. Un doble juego de palabras que se puede aplicara muchas partes de esta película con un pulso que no desciende en ningún momento y cuyas historias se entrelazan creando momentos únicos como la esposa y amante que por fin se encuentran meditada y civilizadamente incomodando al marido infiel. Momentos como la desesperación de la soledad a pesar de estar rodeado de gente. Mensajes humanos de perdón y amistad que destilan de cada acción que se ve en la pantalla y trascienden hacia la butaca haciendo que todos queramos ser mejores personas.

Dosis justas de drama y melancolía pero sus momentos de comedia tierna y generacional. Por fin su director ha conseguido lo que llevaba persiguiendo: un retrato generacional completo y equilibrado con suficiente carisma para perdurar en la memoria del cine mucho tiempo.


PROS: sus actores que sin fisuras son capaces de dar cuerpo a un guión tierno, equilibrado y precioso.

CONTRAS: Que pocas películas tan bellas y respetuosas lleguen a la pantalla.

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