Midway

Título Original: Midway
Año: 2019
Duración: 138 min.
País:  USA
Dirección: Roland Emmerich

Guión: Wes Tooke
Fotografía: Robbie Baumgartner
Música: Harald Kloser
Reparto: Ed Skrein (Dick Best), Luke Evans (McCluscky), Patrick Wilson (Layton), Mande Moore (Best), Woody Harrelson (Ad. Chester)
Género: Bélico / Acción/ Histórico


 El día 21 de Noviembre Diamond Films presentó uno de los últimos pases de prensa para el visionado de "Midway", la última película dirigida por Roland Emmerich ("Día de la Independencia", "El Patriota") protagonizada por multitud de grandes actores Ed Skrein (Deadpool), Woody Harrelson (que está en cartelera con Zombieland), Patrick Wilson (el marido de los expedientes Warren), Luke Evans (El último gran Drácula)... también se encuentran en el reparto Aaron Eckhart , Nick Jonas, Mandy Moore y Dennis Quaid, que llegará a los cines el próximo 5 de Diciembre.

 La película es una auténtica delicia bélica audiovisual y gustará a quienes le atraiga las pelis de cine bélico de la segunda guerra mundial. Contentará más aún los que prefieren las batallas de mar con todo lujo de detalles de aviones y barcos que los comandos terrestres. La historia arranca después de las fallidas negociaciones en Diciembre de 1941. Cuando la paz entre EEUU y Japón se rompe tras la asfixia sometida al país de Sol naciente, un ahogamiento que les desfavorece pagando muy caro los intereses de ambas partes. Sometido desde años a Japón hacia un aislamiento reformista con proceso de industrialización y esclavitud imperialista occidental. La crisis japonesa  iniciaría un proceso invasor hacia China, que se encuentra en ese momento un estado agrícola, desprotegida y bastante subdesarrollada durante la Segunda Guerra Mundial. Principalmente esas negociaciones comerciales, que retoma desde muchísimos años destaca también, como fuente de base desde más allá del tratado de Kananagua en 1854. abriendo los principales puertos japoneses al comercio con EEUU y que les ahogaría con el embargo económico irreconciliable en la labor diplomática en Washington. Ese momento desencadenaría un ataque japonés a Pearl Harbor y su posterior enfrentamiento bélico cuando más estaba crecido el país imperial. Después de sus invasiones asiáticas y la moral extasiada tuvieron que pagar todos muy caros los poderes de ambas naciones.


 El mayor obstáculo sería el podería naval de EEUU que desencadenaría la batalla por mar más importante de la historia "Midway". Decidiendo el rumbo de las negociaciones a raíz de aquella incursión, la más arriesgada de la aventura bélica iniciada por el ataque de los barcos en Pearl Harbor. Esa primera media hora de metraje la película aporta todo lo necesario para buscar un equilibrio documental, tomando una base principal de los horrores de la tragedia en tiempos de guerra, el empobrecimiento, y muestra que los resultados de una situación bélica perjudica a la larga las fórmulas invasivas.

  
 Dick Best que adapta el papel desde una especie de Ben Affleck más retraido y menos chirriante gracias al estilo de guión y no favorecerle tanto protagonismo principal. Muy distinto a lo que ofrece el papel de Layton, lo que vemos también que el personaje de Patrick Wilson es enormísimo, principal cabeza pensante junto a Woody Harrelson, o Dennis Quaid de almirante...todos tienen un desarrollo intelectual y versatilidad bien acentuado. También encasillan entre los actores combatientes de escasa inteligencia patriota, juegos inteligentes con la moral cuando vencen, desmoralizados cuando pierden, gran humildad familiar y acción limitada hacia una torpeza militar reuniendo capacidades motoras para centrarse en ser excelente piloto. Hay que mencionar que el desequilibrio con esos giros entre variados personajes protagonistas, contradictoriamente a estar bien realizadas, también favorece unas interpretaciones planas en las secuencias.
El homenaje hacia el horror nos delimita y desmarca la belleza de ese espectáculo audiovisual encasillado en el tejido de reparto. Las capacidades de los actores otorgan una inteligencia y versatilidad interpretativa donde todos responden a unas estrategias y tácticas.



 Por eso es interesante remarcar  una diferencia bien realizada al trabajo de el visionado de acción. No hay nadie que lo haga mejor que Emmerich de las batallas navales, todo un acierto en lo frenético de los visual y en las imágenes aciertan en equilibrar un patriotismo dando prioridad al acontecimiento documental. Ofrece mil detalles frenéticos de los aviones que permite ir distinguiendo a los bombarderos con sus cualidades, de las velocidades que alcanzan los cazas, los que lanzan torpedos, mostrando el uso de los flaps y hook al aterrizar en portaaviones, las posiciones de escuadrones, o la sobrecarga que llevan, maniobras...es lo que siempre hemos visto técnicamente en pelis o jugado en Air Conflicts, y que queda tan bien resuelto. Muy poderosos esos contrastes de imagen simulando una guerra y ciclos de día y noche con niebla que favorece a la técnica inmersiva, dosificando en todo momento el reparto coral entre la acción y estrategia. Así, también recogen los sacrificios de tirar al mar con ancla o las menciones de las torturas durante la batalla en China, retratando los habitantes también víctimas de las miserias.

 Nos encontraremos un buen guión narrativo a cargo de Wes Tooke que firma una de las series más interesantes del momento. "Colony". Supongo que recae en él esa base de dosificar todos los recursos que tiene tanto los bélicos, como humanos y familiares. Además la película gira en los acontecimentos en tono hacia lo documental detallando cada campaña o episodio, algo robótica y sucesiva en tiempo y un ejercicio entre personajes protagonistas, que todos tienen su cabida dentro de la película.


 Así nos encontramos toda esa invasión japonesa en el pacífico y parte del índico recorriendo campañas esenciales como son las de las islas Marshall y Gilber que fueron fuentes estratégicas para posicionar futuros aeródromos. Así hasta llegar el ataque directo a Japón. Durante el regreso invasor los japoneses se preocupan de no haber destruido ni un solo portaaviones americano, aunque los aviadores estarían estimulados en la lucha marítima. Especialmente cabe destacar que recupera en la campaña de Mar de Coral todo ese proceso, con grandes visionados espectaculares dentro y fuera de la cabina que también supuso una gran derrota nipona, donde una serie de ataques aéreos y marítimos pusieron a prueba el pulso de la futura y letal batalla de Midway.


 El punto de inflexión de la guerra naval estratégico fue la operación Midway, donde todo el ataque extasiado japonés luchó contra la armada norteamericana favorecida esta última de las estrategias invasoras por filtraciones en las comunicaciones de radio. Todo esos detalles los recoge la película, con un ritmo latente y pausado, no gustará a muchos ese estilo menos blockbuster ofreciendo las campañas, datos, y evocando yendo y viniendo algunos momentos centrados a los personajes, así los diálogos, recuerdos y momentos de afecto, no chirrían mucho como puede suceder,  y una ventaja de esa fluidez podría ser que se dirigen y se centran esos recordatorios más hacia objetos preciados o simbólicos de familiares más que afectos entre las relaciones humanas por algunos protagonistas. Lo cual resulta poco cargante.

 También encontraremos que recogen un proceso de acción con un acertado reparto coral y acelerando el ataque japonés, esto les serviría como mecanismo para frenar el rendimiento de la flota norteamericana. Encontraremos a Yamamoto como un personaje crucial, inteligente, táctico y reflexivo en el desencadentante de la historia. Mencionando que los Americanos cuentan con una producción muy superior y que el tiempo decantaría vencedor al arraigo industrial americano, preveniendo que si se alargara la guerra sería inminente una derrota japonesa.


 La narrativa se centra finalmente en los ataques de los cazas japoneses atacando las bases terrestres de Midway, que fueron destruidos quedando solamente unas pocas reservas de los bombarderos japoneses. Las defensas antiaéreas de la isla en primer tramo, contando solo con las pocas naves bajo la espesa niebla determinaría un ataque sincronizado americano, con multituld de portaaviones favorecidos por la pérdida de tiempo en el cambio de armamento provocado por la escased de cazas en la iniciativa terrestre. La flota cargada con cinco cruceros y otros cinco destructores impediría un ataque crucial con la extrañeza de esconder portaaviones entre la niebla espesa, concentrando el esfuerzo japonés en atacar los barcos. Así Japón abandonaría las incursiones entre inmediaciones de la isla comprobando ese proceso de desgaste, concluyendo con principal protagonista la táctica y estrategia de haber sidos sometidos a la victoria y derrota del desenlace. Obligando a una rendención final japonesa reconociendo los errores operacionales, sumergiendo a los capitanes junto a su barco rescatando de su vida principalamente los pilotos más jóvenes. .

 Midway llegará a los cines el 5 de Diciembre de 2019.







Le Mans´66

Título Original: Ford vs Ferrari
Año: 2019
Duración: 152 min.
País:  USA
Dirección: James Mangold

Guión: Jason Keller, James Mangold, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth (Libro: A.J. Baime)
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Marco Beltrami
Reparto: Matt Damon (Carroll Shelby), Christian Bale (Ken Milles), Jon Bernthal (Lee Lacoca), Caitrona Balfe (Mollie Miles), Tracy Letts (Henry Ford II), Josh Lucas (Leo Beebe), Noah Jupe (Peter Miles)
Género: Drama / Automovilismo / Biográfico.


 Este viernes 15/11 se estrena Le Mans 66. Una buena película que se centra en la historia real del visionario diseñador americano de automóviles Carroll Shelby (Damon) y el intrépido piloto británico Ken Miles (Bale) que se enzarzaron juntos a numerosos bloques corporativos, las arriesgadas físicas de los coches y sus propios demonios personales para construir un coche de carreras para Ford Motor Company y acabar con el dominio de los bólidos de Enzo Ferrari en las 24 Horas de Lemans, la prueba estrella de los coches de carreras en la Francia de 1966.

 A contrario de la peli de Steve McQueen que eran carreras rodadas como una especie de documetal, tal como lo ve los familiares durante su retransmisión en tv. En esta nueva película nos encontramos casi medio metraje de carreras intensas, chispeantes, audiovisualmente magistral, unos planos increíbles desde el capó del coche con una sensación de velocidad espléndida y técnica increíble para transmitir la carrera de pilotar un coche de carreras solamente dejando paso a la simulación propia del espectador en VR, lo que da unas ganas tremendas de regresar a coger el volante. Yo creo que en ese aspecto ninguno de los espectadores hemos salido decepcionados.

 Otra cosa es la película en su sustancia. Los diálogos están pobrísimos trabajados, interpretaciones en ocasiones sobreactuadas sobre todo de Bale, con unas expresiones simplonas y frías, no transmiten una calidez entre las disputas de las carrocerías pareciendo más una animación de los Autos Locos. Aporta poco dramatismo a la relación pareja e hijo, donde posiblemente era ahí en el último tramo podría arrancarte la yugular si hubiera tejido un poco más las bases interpretativas hacia la relación familiar.


 El motivo de esa distancia es que la historia ciertamente empieza  ya de base en los compases del Ford GT40. Recae en la ambición de Henry Ford II (enormeTracy Letts) para buscar soluciones en un proyecto para gastar un pastizal en la carrera de Le Mans contratando a los mejores ingenieros y pilotos del momento tras un negocio rechazado por la crisis económica que sufría en ese año Ferrari y su radical respuesta en ningunear sus coches como una fábrica mala de turismos con pobres resultados, sin potencia ni fiabilidad.

 Henry Ford decidió trasladar parte del proyecto tras una primera mala imagen hacia Ken Miles. Fue nombrado el piloto oficial del prototipo a competir probando en Riverside día y noche en jornadas intensas las variables entre el equilibrio de frenos, suspensión para mejorar las pruebas aerodinámicas del vehículo, ya que un desequilibrio o una mala canalización del flujo del aire podría ser determinante en la prueba de las 24 horas.

 El reparto está a contrario de fuera del circuito en los momentos de carrera vigoroso. Espléndido en la acción cada uno en su rol y alguien comentará en voz alta a la salida del cine "anda como me gusta Bale, me recuerda que así conduce mi tío!" y Mollie ejerce de gran protagonismo en las partes más determinantes, siendo un personaje secundario cargado de autoestima aunque deje desvanecerse en el último tramo hacia la distancia, después de la pérdida de su marido.



No entiendo a estas alturas luego las emociones en los cines, lloros y lamentos. Cuando experiencias al volante sufrimos estos riesgos diariamente en nuestras carnes. Además, que falta esa profundidad y psicología mencionada en los personajes para recoger esa ternura. No somos pilotos de carreras, pero muchos utilizamos vehículos a diario para desplazarnos, más aún el riesgo en las motocicletas. Algunas veces por causas personales y la mayoría de veces a causa de herramienta de trabajo. Sí que salgo del cine con conclusiones reflexivas en la historia principal aunque en la película la historia, los personajes y diálogos tendría haber sido igual de intensa que las carreras.

 Es una obligación siempre tener los coches en condiciones. Es fundamental tener una seguridad en el desplazamiento y no es pasar la itv al año ni ruedas de km cero para ahorrarte unas monedas . Cuando llegan los lloros, accidentes, averías y lamentos a causa de mal estado es vinculante. Un punto de inflexión concluyente cuando recae cierta responsabilidad hacia la labor y hay que precisar tanto como a la dejadez, o si quiere y puede el conductor proporcionarla. Cuando es una herramienta de trabajo, es determinante estudiar todas las causas concretas y no solo vale que nos llegue para rellenar el depósito de  gasolina. El mantenimiento es costoso, y  de él deriva e invita a educar a todos una responsabilidad. Un estado de conducción tangible como puede ser el mantenimiento o intangible no solo recae en el conductor sino también en el entorno que le rodea, esa responsabilidad desgasta los factores tanto psicológico y social. Igual que los casos cuando vemos mascotas abandonadas, niños desnutridos, salir del trabajo drogados de pastillas crónicas y acabar hablando en soledad con los árboles... los coches en mal estado también causan sucesos, y si se pueden evitar mucho mejor. Es fundamental conducir siempre con esa seguridad al volante, y como menciono antes, tanto el estado psicológico del conductor como el del coche es conclusivo. Así también se refleja en la película la causa de conducir con enfermedades y el trastorno que provoca.

 Esta misma semana una amiga tuvo una avería en autovía a causa del alternador con los dos niños dentro del vehículo. Si se prende como se me prendió esa avería a mí, el simple susto puede llegar a ser desgracia. Son piezas de un dominó que se caen una tras otra. Y os aseguro que la vida puede cambiar mucho si los niños junto a su madre no regresan a casa después de trabajar durante todo el día. Iniciativas para ejercer con los látigos y aplastar al de al lado todos desean llegar a ser primero, asímismo paralelamente hay ser consciente también ejercer responsabilidades reales de equipo y en eso hay mucho irresponsable, por también mencionar promotores de desgracias cuando solo  encuentran la única vía de solución a endeudarse más las familias. Esas bases constructivas que desmarcan el acoso y derribo que nunca existen, cuando siempre es concluyente para una buena salud laboral. Pero mejor simular de vez en cuando limpiarnos la mierda que nos cubre, con esa mala imagen de actos públicos insustanciales como ponerse una chapa, una bandera, o una camiseta de colores. Asumir unas acciones educativas y ejecutar con gestos hacia todos estos cuidados, son los únicos poderes para justificar una vida saludable de las cuales como norma general, siempre dependemos de nuestro esfuerzo y trabajo.



La historia recoge el dato curioso cuando a Henry Ford II, se le ocurrió provocar una llegada a meta con empate. Quería que los tres coches de Ford cruzaran la meta juntos con el primero y segundo a la vez para que la victoria se declarara como empate con un cabreo melocotonudo cuando Shelby habló con Miles sobre esa idea. Da el mensaje que la intención clarísima del jefe es que permitiese que Bruce McLaren le recuperara esa desventaja, ya que era el ojito dereche de Henry Ford II, ya que era el piloto principal del proyectoy Miles no dejaba de ser un subcontratado. Posiblemente ese temor a ser sancionado por la empresa fue lo que ayudó a recular para salir airoso de esa maniobra estratégica.

Ken Miles dejó de lograr la triple corona Daytona-Sebring-Le Mans, en resistencia. Después de no poder nunca optar a ella llegó un nuevo prototipo J-Car. Probándolo en el autódromo de Riverside, le notaba una ligereza abismal usando material en forma de panal de abeja. Estaba en los ensayos cuando en una de las vueltas sin ir muy rápido pasó de frenada para tomar una curva y se fue bruscamente hacia el otro lado, golpeando un talud provocando una serie de revolcones incendiándose saliendo Ken despedido por los aires ante la observación de su propio hijo, ejecutando un golpe letal otorgando el nunca celebrado título de la desgracia huérfano de padre. Restablenciendo junto a su madre los nuevos propósitos posteriores hacia la pérdida familiar.

Adiós

 
Título Original: Adiós
Año: 2019
Duración: 111 min.
País:  España
Dirección: Paco Cabezas

Guión: José Rodriguez, Paco Cabezas, Carmen Jiménez
Fotografía: Pau Steve Birba
Música: Zeltia Montes
Reparto: Mario Casas (Juan), Natalia de Molina (Trini), Ruth Díaz (Eli)
Género: Thriller / Venganza


Sony Pictures organizó el día 31 de Octubre en la sala de Proyecciones, un nuevo pase para visualizar la próxima película de Paco Cabezas "Adiós". Un interesante thriller dramático protagonizado por Mario Casas, doble ganadora de Goya Natalia de Molina, los nominados a los Goya Carlos Bardem y una estupenda Ruth Díaz. Después del periplo de Paco Cabezas en Hollywood, éste director ha plasmado una película de intriga soberbia en la Sevilla profunda con mucha intensidad de cine negro estructurada en tres capítulos. 


Adiós narra desde su primer capítulo la vida de Juan (Mario Casas), un preso en tercer grado que le dan permiso para salir de prisión con motivo de la comunión de su hija.  La muerte accidental de su hija el mismo día en el que celebraba su comunión destapa un gran entramado de corrupción policial y narcotráfico. El caso de la muerte de la niña caerá en manos de Eli, una inspectora que además de destapar el entramado podrido que ha permitido que ocurra el accidente, tendrá que gestionar y lidiar con los recelos de todo el sector policial y con los del propio Juan. Por su parte, Juan quiere tomarse la justicia por su mano, desatando así un enfrentamiento con Eli sobre la investigación y las acciones a tomar, en un intento de uno por vengar la muerte de su hija y de otra por llegar a que se cumpla la justicia, si es que es aún posible en la situación en la que se encuentran los personajes. 

En el segundo capítulo se centra en las investigaciones paralelas, los secretos guardados y la barriada como telón de fondo con la injusticia y la violencia proliferando en las calles, 'Adiós' muestra las dos caras de la justicia. Junto a Mario Casas completan el reparto Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem y Vicente Romero. En el tercer acto se centra especialmente en el desenlace final frenético cargado de tensión y desagradable acción, entre el cuerpo de policía y la familia dolida por la muerte de su hija a causa del accidente del robo.  
 
Dentro de unos días encontraremos sus frutos en el panorama de cartelera actual porque va a dar buen impacto y es una cinta muy destacable en los estrenos del año. No va a ser menos porque aunque no sea una película que destaque por imprevisibilidad ni innovación ni mucho menos, sí que la gran labor interpretativa, y en algunos momentos encontré que recae demasiado sobreactuada especialmente en la pareja de Trinidad y Juan -esfuerzo percibido para dar autenticidad de thriller -  no afecta a la totalidad en la latente tensión, excepcionalmente ejecutada en todo momento. En la lectura que recaen los personajes encajan perfectamente todos, especialmente ese papel diseñado para  Mario Casas. Y afortunadamente, a cargar tanto un carácter tan brusco que prodría chirriar en un egocentrismo de películas vengativas- Aquí encontramos que no, gira el peso de la trama y no peca durante todo el metraje hacia estar absorbida por un personaje protagonista. Nos encontraremos rotaciones interpretativos inusuales, llegando a dar protagonismo absoluto incluso a Eli para favorecer el excelente equilibrio del filme, cociendo a fuego lento durante el segundo tramo un tejido corrupto dentro del cuerpo de policía y la pareja desgraciado. Combinando sabiamente labores rotativas que darán cuerpo al reparto, formando un carisma determinado a cada personaje, reflejando en la película sí que tenga un fondo de personajes y escenarios, actividades comunes, hábitos... ese sentido de cuerpo y alma que muchas veces demandamos aquí lo encontraremos brillante realizado, técnicamente envidiable y dignamente dentro de las limitaciones que abarca cada actor y el género.

 La película dispone de variabilidad entre presentación de personajes y su vida cotidiana en el singular barrio de las tres mil viviendas en Sevilla. Retratando una cultura aflamencada con palmas y hoguera, cercanía y ayudas entre la vecindad, escenas muy suburbanas dentro de un guetto donde predomina el narcotráfico, pobreza, rivalidades de parentela, robos y decadencia de desarrollo. Siendo por primera vez que una película haga una incursión en el barrio más conflictivo de la península. El director sevillano define la experiencia "Fue como llevar el circo al barrio de mi infancia, llevar los trucos de la chistera que he aprendido en tantas películas y series a un mundo real" y concluye que se ha sentido arropado en todo momento por los vecinos colaborando incluso hacia la labor artística.

 "Adiós" se ha presentado en la clausura del festival de Sevilla. Está siendo un éxito por méritos propios en la gran labor técnica artística, dosificando la acción e intensidad en todo momento de una película de cine negro. Contradictoriamente posiblemente encontraremos lo que peca a la hora de dar esa humanidad de personajes hacia tejer el conflicto entre las variables interpretativas. Pues para calibrar una cierta planicidad artificiosa muy característica dentro de las películas de acción lo que resta es la autenticidad.  


  El último tercio posiblemente también encontraremos esa especie de fatigosidad en la acción dentro de los espacios cerrados, nocturnos y escombroso. Intensificado con las muertes familiares y de todo lo que rodea, posiblemente resta todo el drama plasmado anterior y mucha gente lo encuentre demasiado artificioso y diáfano para llegar un final made in hollywood. Además, lo que más chirría es encontrar esos flashbacks con la hija desaparecida durante bastantes momentos, hace que ese efecto retroactivo de frialdad puede desembocar en una sensación de intriga postiza. A mi gusto, hubiera sido más acertado que las imágenes de la niña, plasmar pequeños relatos incidiendo en acontecimientos anteriores a sus vidas cotidiana que tan bien reflejan a veces mostrando la habitación vacía de su hija fallecida, Estrella. Mostrar acontecimientos motivantes hacia entrar en prisión o en el cuerpo de policía que bien representa algún que otro diálogo anecdótico, fluiría gestar una base más sólida de personajes y definir mejor unos orígenes que recordar tanto el ejercicio buscando emotivididad directa de la niña fallecida. En todo momento la película se realiza centrada y acotada en tiempo entre el paréntesis de los sucesos. 

'ADIÓS' es una producción de Apache Films y Adiós La Película AIE, en coproducción con La Claqueta, en asociación con Sony Pictures International Productions, y con la participación de RTVE, Movistar+, ICAA, Orange, Junta de Andalucía y Canal Sur Televisión, que llegará a  los cines de toda España el próximo 22 de noviembre de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia.
 

Yelmo cines no deja introducir comida en sus cines y la medida es ILEGAL

Yo voy al cine. Pago por el cine. Deberían tener una foto mía como la clienta del milenio en el cine. Y también consumo en el bar del cine. No siempre, porque mi hijo se atraganta con las palomitas y porque la economía es lo que es pero si, cuando hay un blockbuster yo compro palomitas a precio de oro y no pasa nada. Hasta que pasa.

Hace unas semanas fui al cine, el cine Yelmo, en concreto, que además se encuentra situado en un centro comercial, y puestos a dar datos los voy a dar todos, el de H2Ocio, en Rivas, Madrid. Pasamos una tarde en el centro comercial y luego decidimos ir al cine. Compramos un juego en el Game, unos pantalones en el C&A y unas cosas en Mercadona para el fin de semana. Al llegar a la puerta del cine nos dicen que no podemos pasar con comida a la sala.


Soy una persona más o menos tolerante y como iba con el tiempo pegado al culo me propuse no discutir así que le dije a la chica que me dijera dónde podía depositar la bolsa para que la custodiaran a la salida. Pese a que si el centro comercial dispone de un supermercado obviamente es como si comprara un desodorante o lo que me diera la real gana , pero repito que ese día me pillaron especialmente pacífica (situación que cambió al poco tiempo, también lo conozco) . No me custodian la bolsa, su solución es que "tire la comida a la basura" dícese una cuña de queso, una barra de pan, dos fuets y alguna otra cosa así de consistente, en resumen 15 euros de compra. Pero no me dicen nada de tirar los pantalones. Eso sí.

Me dice señalando un cartel que no dejan pasar comida del exterior. A lo que le digo que me parece una cosa estupenda pero que o me devuelven el dinero o me dan una solución. Cinco minutos para que empiece la película. Llama al encargado. El encargado se me indigna porque le digo que me puede ir enseñando la ley a la que se amparan para prohibirme el acceso con comida al centro. No me la enseña. Es más, le digo que si quiere mirarme fijamente mientras veo la peícula podrá comrpaobar que no me voy a sacar una navaja y hacerme un bocata de lomo allí mismo pero que si no me custodian la comida la voy a pasar. Me amenaza con llamar a seguridad. Le digo que si él llama a seguridad yo llamo a la policía y montamos un cirio postal. Que mi primer ofrecimiento ha sido , no me dejas pues me das el dinero pero el dinero no me lo devuelves porque no te da la gana así que entramos en un bucle.

Pasamos a la sala escondiendo el fuet en una columna publicictaria. Salimos de la sala, el tipo no aparece. Francisco se llama el encargado para más señas. La chica le llama y baja con una hoja roñosa en la cual no aparece nada relativo a una nueva ley que impida el acceso al cine con comida. Sólo es un estudio para ver si es posible tocar las narices a los pocos consumidores que aún pagamos por ir al cine. De ley nueva nada, habla de una resolución de allá por los 90. Después de esa ley ya se ha llevado a juicio varios incidentes en los cuales siempre el cine ha sido condenado a pagar por impedir el paso a usuarios por entrar con comida al cine.

Voy a exponer un caso. Pongamos que vas a un restaurante, el más pijo del planeta, y coger tu tablet y decides que mientras degustas una exquisita comida de tres tenedores te vas a poner a ver la ultima película de Netflix. ¿Crees que el camarero te dirá que no est´apermitido ver una película mientras comes? No, no tendría mucho sentido. Imagina que el tipo de al lado se sienta en la mesa pero en lugar de pedir saca un bocata de su abuela y se lo come en el restaurante. ¿Le llamarán la atención?

Traspasemos al cine este caso. Yo voy al cine y me pongo a grabar la película, ¿intervienen? Pero si me da por cortarme las uñas de los pies no. ¿Cierto? pues lo mismo es eso que que me de por beber un batido o comer un sandwich porque aunque un cine tenga bar no quiere decir que sea su utilidad principal. Así que si. Estoy mosqueada por varias razones.

1. Si me vas a prohibir entrar a la sala al menos dame opciones.

Pon taquillas, crea espacios, ... sigo estando en contra porque creo que tengo tanto derecho a introducir en el cine unas zapatillas deportivas compradas en la tienda del centro comercial como cualquier producto de un super mercado.

2. No me amenaces. 

Sinceramente transmito mi más sincero pesar por la selección del personal del cine H2Ocio más preocupados por amenazar y amedrentar que por contestar o buscar soluciones. Y digo esto porque los kioscos llevan rotos desde hace meses, porque una de cada dos veces no funcionan los datáfonos o la lectura de las tarjetas de socios y depende de la actitud del taquillero el buscar soluciones para aplicar los descuentos y perdemos sistemáticamente los puntos acumulados, la mitad de las butacas del cine dan asco, rotas, destripadas y en un estado de total abandono, la limpieza de la sala entre películas deja muchísimo que desear... Vamos, una dejadez para cobrar por una entrada 10 euros los días de fin de semana. Pero luego el fuet lo tengo que dejar fuera. ¡Ole tus narices!

3. Inventar leyes esta mal. 

No es legal prohibir el acceso a la sala con cosas. Es más, el poder adivinatorio del personal del cine va a tener que lidiar con mochilas y demás y supongo que el mosqueo de los usuarios acabara en formas de lo más creativas contra el propio cine. Eso sí, lo de dar las hojas de reclamaciones , que si es legal, eso os cuesta la vida amigo Francisco.

4. Te tratan como un delincente. 

Como usuaria y espectadora de una película (mínimo) a la semana el hecho de que te traten así en tu cine es algo que anima a no volver en la vida. Es más, una vez gaste los puntos acumulados, que son unos cuantos por el volumen de dinero gastado en películas y bar, no volveré a pisar Yelmo. Por principios, por amor propio y porque tienen ustedes un concepto muy equivocado de negocio.

5. A los niños que les den 

Orgullosa la chica de la puerta me dice que no me queje que peor que perder mi compra semanal es decirle a un niño que no puede pasar unas chuches... Pero claro, a eso le sumamos que su servicio de bar tiene opciones muy limitadas para los peques. Palomitas sólo de maíz, ausencia de comida especial para los más pequeños, sólo refrescos de grifo o agua fría. Que tener una licencia de bar no os convierte en un bar es un hecho y que si queréis que la gente consuma es contraproducente. Es más, desde aquí prometo nunca más en la vida comprar un menú en vuestro bar. Ni en el del cine donde solíamos ir ni en ningún otro de la cadena.

6. Nulo respeto por el consumidor. 

No sé si me indigna más que el tal Francisco hiciera ademán de llamar a seguridad o que no le diese la real gana de darme la hoja de reclamaciones. Tengo mis dudas. Pero desde luego pienso alentar a cualquier boicot planteado contra la cadena de cines.

Por supuesto , además os regalo documentos gráficos de la experiencia. Por una parte el cartel de la puerta y por otro la circular obtusa y vaga en la cual no aparece escrito por ningún lado nada que PROHIBA de verdad el acceso a la sala con comida del exterior. Básicamente podían poner un cartel diciendo que no quieren que accedan señores con ojos azules o gente con camisetas amarillas y tendría el mismo valor legal . 

Podéis ampliar las imagenes pulsando sobre ellas.

Os animo a  poner quejas cada vez que vayáis, yo la próxima visita la haré con tiempo sól para poder rellenar la hoja de reclamaciones porque señores, pierden un cliente, ganan un hater y además el derecho a pataleta va a ser tremendo porque han enfadado a la cinéfila equivocada.

Pequeñas Mentiras Para Estar Juntos



Título Original: Nous Finirons Ensemble
Año: 2019
Duración: 135 min.
País:  Francia
Dirección: Guillaume Canet

Guión: Guillaume Canet, Rodolphe Lauga
Música: Sylvain Goldberg
Reparto: François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoit Magimel (Vincent), Gilles Lellouche (Eric), Pascale Arbillot (Isabelle), Laurent Lafitte (Antoine).
Género: Comedia Dramática

 A Contracorriente presentó un pase para "Pequeñas Mentiras para Estar Juntos" el pasado 3 de Octubre en una interesante comedia dramática que supone el regreso tras siete años de los acontecimientos de "Siete Mentiras sin Importancia" y vuelve a contar con los mismos actores que ocho años atrás, complementando en un contraste más adulto amistoso de su anterior película. Recordando a un grupo de amigos que se reunía para seguir adelante las vacaciones, pese al incidente que tuvieron con un ingreso hospitalario producido por algún exceso de juventud. Desde ese suceso desencadenaría una serie o cadena de mentiras, de esas mayoritariamente forzadas para quedar bien unos con otros, combinando situaciones que aportan amplitud de valores en las reuniones de amigos en una franja de edad, que habitualmente son menos frecuentes encontrarse tan unidos. 


Hoy en día el exceso de trabajo, las vacaciones si tienes chavales o la costumbre de volcarse en la pareja sin padres ni amigos, la distancia entre las personas, el hermetismo, la cultura del single, el pagar una independencia de hogar, la crisis salarial... son demasiados factores que hace pensar que te encuentras hoy en día años luz con esas dificultades para entrar en esa especie de combo amistoso para jugar al scattergories o consumir cubos de cerveza a cascoporro en una cabaña, posiblemente quedando mejor ajustada en la veintena. Te hace pensar un poco que son ambas películas un poco syfy a no simular una clase media actual, pareciendo más una quedada hacia una jugada de Sims cuarentones. Esto lo deduzco con esa compararaciones junto los acontecimientos propios de mi vida y por lo que veo en compañeros de trabajo y entornos que me rodean entre lo familiar.

 Es un problema frecuente que no te puedes permitir ese estilo de ocio ofrecidos en estos acontecimientos, ya bastante difícil disponer una casa en la playa si no lo tienes de pasadas generaciones. Ahora también resulta difícil identificarse en una relación amistosa de encontrarse con hacer un plan con tanta gente modo moraga planeando vacaciones. Resulta el conjunto de la psicología de personajes en un todo como un verano fatal hacia la crisis a los cuarenta. Al menos más fructífera estas circunstancias más maduras, pues posiblemente si fuesen más representadas en la juventud o en la niñez donde no estamos pendientes de tantas otras cosas que no sea actividad de acción todo el rato sin estar contaminados con los temores adultos, ni enfermedades,  responsabilidades, ni conductas desequilibrantes en la vida, miedo a la soledad y las relaciones de pareja. Esto no quita que ambas películas acierten en reunir una serie de valores que ayudarían afrontar este tipo de relaciones sociales más adultas, repleta de convicciones y situaciones con sentimiento de culpa, desencadenando reproches unos a otros de las mentiras para salir del paso


  En esta nueva película cambiamos el accidente a que Max está arruinado y bastante deprimido con la crisis de la edad y el trabajo, decide regresar a la casa de veraneo para venderla. Ya ese planteamiento echaría a cualquier amistad fuera de su entorno pero en la película no. Sus amigos deciden darle una sorpresa.  Así que sin llamar ni preguntar que tal está después de tantos años, planifican un acto bastante violento de presentarse allí junto a él para recordarle esa nostalgia los momentos de la anterior película y sus ratos de juventud. Igualmente que la primera entrega la cinta muestra su reminiscencias a Reencuentro de Lawrence Kasdan o una película rodada entre amigos a lo Cassavettes desarrollado en la época actual, siguen definiendo claramente sus influencias.Si ya es bastante delicadita la situación para rematarlo deciden presentarse el día de su cumpleaños, así es más grande el impacto de la sorpresa. Tanto tiempo con destinos separados seguramente se ingenian mejor el estado de ánimo.

Así que nos encontramos con Eric, Marie, Vincent, Isabelle y Antoine en un desarrollo coral de situaciones. Con un guión primoroso que proporciona un carisma cada personaje muy equilibrado en su rol, Max destaca por ser bastante testarudo y de poca empatía social posiblemente afectado por ese desequilibrio económico social. Algunas bastantes forzadas a último tercio de la película intentando salir de la monotonía interprentativa para aportar unas dosis de acción como puede resultar intento de suicido protagonista. Todo el conjunto de elenco recae en una enorme labor interpretativo y cuidados diálogos, además muy natulares desenvolviendo una bonita sinceridad drámatica en el reparto. La realización ofrece en todo momento buena ambientación entre ciclos días y noches sobre todo interior, los exteriores a veces nos encontraremos con giros de cámaras levemente mareantes. Las situaciones bastante previsibles en los acontecimientos y sin giros argumentales que destaquen ofreciendo tensión final a la hora de vender el hogar vacacional. Después de siete años de los acontecimientos de la primera, podría ser que el argumento esté un poco cogido con calzador para ajustar las incursiones sensibles y condensar la fortaleza de una amistad entre el grupo, basculando entre un humor y drama íntimo y pausado en todo el metraje, sin altibajos en ese sector interpretativo, incluso cuando las situaciones van desembocando intermitentemente hacia tintes enteramente dramáticos.

El tercer largometraje como director del conocido actor francés Guillaume Canet reúne a un impresionante reparto encabezado por la ganadora del Oscar, Marion Cotillard, y completado por François Cluzet y Benoît Magimel, se estrenará comercialmente el próximo 8 de Noviembre, pero se podrá ver en primicia durante la fiesta del cine que se celebrará desde el 28 hasta el 30, con una acción promocional que implica un empuje para que la gente acuda a las salas, así servirá para recomendar la película para su fecha fijada de estreno. Estas acciones promocionales están muy diversificadas en Francia para que el cine europeo tenga una accesibilidad publicitaria para hacer frente hacia los frecuentes lanzamientos más potentes de la época que puedan eclipsar otros estrenos.  según comenta Eduardo Escudero, director de Negocio en A Contracorriente Films.

 La nueva película del realizador francés Guillaume Canet consiguó grandes números en la taquilla francesa, con casi tres millones de espectadores, aunque eso supone un bajón de casi la mitad de la primera entrega. Aún así, comentan que es la segunda película francesa más exitosa del año en Francia.

Día de Lluvia en Nueva York



Título Original: A Rainy Day in New York
Duración: 92 min.
País: EEUU
Dirección: Woody Allen

Guión: Woody Allen
Reparto: Reparto: Timothée Chalamet (Gatsby), Elle Fanning (Ashleigh), Selena Gómez (Shannon), Jude Law (Tedd Davidoff), Liev Schereiber (Roland Pollard) , Rebecca Hall (Connie).
Fotografía: Vitorio Storaro
Género: Comedia / Romance


 A contracorriente presentó un pase el día 3 de Octubre para "Un Día en Nueva York". Simpática y agradable comedía romántica que supone la 50ª película en la densa trayectoria escrita y dirigida por Woody Allen. 

La nueva película de Woody Allen se estrena el próximo 11 de Octubre y está protagonizada por   Timotheé Chalamet ("Call me by your name") Elle Fanning ("Mary Shelley") con una interpretanción juvenil ascendente cuando se van entrelazando junto a los grandes actores como Jude Law aportando una presencia descomunal.

El guión principal se centra en todo momento en torno a la joven pareja Gatsby y Ashleigh que se conocieron y estudian periodismo en la universidad de Yardley (con error geográfico de guión incluido) y deciden pasar un fin de semana romántico en la gran manzana. Sin embargo, los planes de novios se ven alterados cuando durante su estancia el sol da paso a la tormenta lloviendo a cántaros. Lo que supone una separación paralela viviendo cada uno aventuras y situaciones recambolescas con determinados encuentros. Tanto Ashleigh, tendrá ocasión de entrevistar a un conocido director de cine llamado Roland Pollard y se replanteará su ambición intentando aventurarse en tan pantanoso encuentro. Por otro lado, Gatsby redescubrirá la pasión pasando su día de noviazgo con Chan (Selena Gómez), la hermana joven de su ex-novia, la relación que mejor funciona contiene una química excepcional con  unos cuidados, hermosos y trabajados diálogos y situaciones que va creciendo en todo momento.

Además, el reconocido maestro Vittorio Storaro (“El último emperador”, “Dick Tracy”) repite como director de fotografía después de sus colaboraciones con Woody Allen en “Café Society” y en "Wonder Wheel".  Woody Allen vuelve de nuevo a la gran pantalla después de títulos aclamados por el público y la crítica como "Wonder Wheel"(2017), “Café Society”(2016), “Magia a la luz de la luna”(2014), “Blue Jasmine”(2013), “Midnight in Paris”(2011), “Conocerás al hombre de tus sueños”(2010), ”Si la cosa funciona”(2009) y “Vicky Cristina Barcelona”(2008), que han demostrado la enorme expectación y fidelidad del público español hacía el genio neoyorkino. 

Nueva York y la lluvia otoñal me recordó el libro de antología de textos escritos por Pep Aixalá donde menciona que siempre en las películas de Woody Allen estos factores climatológicos y sus ubicaciones los convierte un personaje más, acentuando una respuesta anímica a las situaciones convencionales donde se encuentran todos los intérpretes.

Rescatando información en Maridos y Mujeres filma las otoñales calles exponiendo a los actores a las inclemencias del tiempo llenas de hojas de árboles, convirtiendo la lluvia en un personaje más, una forma de mostrar el estado anímico de las personas.La secuencia -durante la fiesta de aniversario de Rain- en la que estalla un tormenta, con relámpagos, y la ciudad sufre apagón. Igual que el reloj congelado de Central Park en la presente película estos factores le sirve al director para ilustrar esa pasión de incandescente atracción tanto en la Gatsby y Shannon o en la relación de Rain junto a su profesor.

Recuperando la entrevista del mismo libro el propio Woody Allen menciona  "Me encanta la idea de la lluvia. Simplemente me parece muy hermosa. Por supuesto, es una lata rodar estas escenas lluviosas, es un fastidio. Pero quiero que esta atmósfera lluviosa en mis películas. Llueve en Hannah, en Días de Radio, en Delitos y Faltas, Misterioso Asesinato en Manhattan. La lluvia es tan hermosa y en Maridos y Mujeres llamé a laniña Rain, porque es un nombre bonito".

Mísmamente la secuencia más memorable de Manhattan junto a Diane Keaton corriendo para escapar de la lluvia y refugiarse en un museo, para terminar con la declarante escena del planetario. En Otra Mujer, mencionan el aspecto de la lluvia sirve para reforzar las escena en que Rowlands se encuentra con Hackman, su amante, se enredan en un tunel totalmente mojados. En Alice la lluvia permanece latente en la relación entre Mia Farrow y su amante Mantegna, tanto en la primera cita a escondidas en la noche como en el apartamento donde se acuestan y que contenía unos ventanales de espectáculo, muy similar al bohemio loft donde intentan mantener una relación sexual entre Ashleigh y Roland.

Ningún cineasta recorre las calles de Nueva York con tanto amor a lo largo de tantísimos años, crecer allí sintiéndose en casa cada vez que callejea es siempre precioso redescubrir la ciudad lo que ha cambiado en tantas décadas, hasta homenajearla mil veces con tanta belleza retratada dentro de sus películas, detallando siempre el buen gusto desde sus ubicaciones, locales, edificios, restaurantes. o comercios con recuerdos nostálgicos de soñarlo en blanco y negro.

Nueva York también encontraremos en la nueva películas otras ubicaciones que mencionan en la actualidad, convirtiéndose una vez más en protagonista a descubrir a lo largo de tantos años, más cariñoso cuando es Otoño tal como lo menciona en Todos dicen I Love You con voz en off explicando lo maravilloso de esta época del año en  "Este año el otoño fue especialmente bonito. Creo que lo prefiero a la primavera... ¿Recuerdan que les había dicho que Nueva York era una ciudad preciosa en el otoño? Pues en realidad quería decir en invierno. Bueno, al menos cuando nieva. Porque bajo una sábana de nieve Nueva York es realmente increíble y sorprendentemente apacible".

En una reciente entrevista detalla los personajes principales para reconducir la historia durante el fin de semana y descubrir el fracaso de su relación amorosa. Noté en principio un poco enlatada el rol de cada personaje, imaginé que se situaba más el estilo de relación hacia "Todo lo Demás" parecida a la relación de Ricci y Biggs.  En comienzo, un poco forzado pero a mitad de la película sí que los dos protagonistas se desenvuelven con más naturalidad y con un carisma más acentuado ganando presencia en la pantalla. "Gatsby quiere ser un jugador póker y tocar el piano. Los hijos de las familias adineradas que conoce Gatsby son igual que él. Tienen toda clase de facilidades para ascender en la escala social de la vida y, sin embargo, lo rechazan porque prefieren no seguir lo que sus padres les dicen, ni convertirse en las personas que ellos quieren que sean. Desean hacer su propia vida en un entorno más complicado e interesante a través de profesiones y ocupaciones que también lo son. Por otro lado Alison, encaja dentro del prototipo de chica americana. Es la típica estudiante universitaria, ambiciosa, dulce, amable y que quiere hacer las cosas bien. Se ve un poco sorprendida por la presencia de los ídolos, los héroes del rock. Es ese tipo de chica que uno reconoce fácilmente en la universidad. El estatus de ambos se fusiona, se funde.". 

El desgaste de años y cansancio lógicamente con tanta trayectoria es obvio que los personajes incluso secundarios no lleguen a un nivel de carisma más allá de lo agradable, sí están muy trabajados los diálogos y situaciones pero todos los últimos años pierde cierta notoriedad resultando el elenco mucho más presencial y plano. No se como explicarlo pero deja una especie de cosquilleo robótico en modo piloto automático en los comportamientos de seducción, sexo o religión que salva acertadamente en muchos momentos jugando en el arte de la ficción con ellos, destacando la escena que se presentan dentro de un coche durante el rodaje de varias tomas entre Shannon y Gatsby inmersos en la película.

Una vez más utiliza el tradicional sistema empleado para poner en duda todas las ideas y conceptos con neuróticos destellos de sus personajes. Igual que en Celebrity provoca en cada persona desde el interior un propio Big Bang, poniendo su estabilidad de vida, los sentimientos en duda sosteniendo decisiones y complejidades constantes que entre el equilibrio entre los límites de realidad y ficción la imaginación  se desestabilizan y se desenvuelve de maravilla tal como declara recientemente. "En el arte puedo controlarlo todo y conseguir que todo suceda como a mí me gusta. He pasado toda mi vida haciendo películas como yo quería que fuesen y los personajes han actuado siempre del modo que yo necesitaba que lo hicieran".

 También el paso del tiempo ha deteriorado su relación con la ciudad, incluso en recientes entrevistas mencionando que incluso siendo la misma urbe de su infancia Nueva York ha cambiado mucho en tantos años "Sin duda soy hijo de las calles de la ciudad. Y me siento como en casa cuando voy caminando, no en coche, ni en tren, ni nada de eso. Conozco bien la ciudad, la zona de Manhattan. Sé cómo llegar a los sitios. Sé donde encontrar taxis, escabullirse para ir al lavabo si lo necesito. En qué restaurantes comer. Me siento simplemente como en casa cuando estoy en la ciudad". Se siente distante en la actualidad con ella creando y adaptando personajes ficticios de otra época en la Nueva York de hoy en día con la llegada del otoño, devolviendo su anodina vida. Reseteando en un fin de semana una relación, ni mejor ni peor, diferente rumbo deseando tener nuevamente otra forma de vivir en esa oportunidad de empezar de cero.