Umbrella Academy de Netflix

 Como sabéis en el podcast solemos dar un repaso a algo relevante para pasear por la actualidad, para no moverme mucho del tema que toca pues me quedé con súper héroes un poco diferentes y un pelín fuera de la popularidad aunque con las 45 millones de descargas que lleva la serie quizás sí que entren dentro de nada en lo Mainstream. Quiero contaros un par de cosas sobre la serie de Netflix Umbrella Academy.


Bueno, aunque he dicho 45 millones quiero decir que los amigos de Netflix son un poco tramposos y sacaron las cifras de la gente que vio al menos el 70% del primer episodio aunque si no hubiera tenido audiencia renovar es una locura con la cantidad de nombres que hay en el cartel de esta cinta.

Pero empecemos por el origen. Se trata una adaptación de la serie de cómics escrita por Gerard Way desde 2007, el vocalista de la banda My Chemical Romance, y publicada por Dark Horse Comics. Su primera temporada, que adapta las series limitadas Apocalypse suite y Dallas, se estrenó el 15 de febrero de 2019. En abril de 2019, se anunció que la serie se renovó para una segunda temporada.

La serie comienza con la premisa de estos muchachos con poderes, que no tanto súper héroes,  que nacieron  milagrosamente el mismo día a la misma hora de madres que no estaban embarazadas.
Un filántropo millonario los adopta y crea una escuela para sacar el máximo partido a sus poderes. ¿Xavier de X Men? Sí pero en chungo. Todos ellos regresan al funeral de su “padre” porque abandonaron la casa un poco quemados de su actitud. En la mansión también hay un robot bueno en forma de madre y un mayordomo mono. Sólo para los que no lo sepan que se pueden llevar un shock sólo viendo el tráiler.

Los muchachos se ven obligados a unirse de nuevo a pesar de sus problemas personales para evitar el apocalipsis y se enfrentan a una carrera contra reloj y muchos misterios que desvelar mientras una organización que intenta que la historia continúe les envía sicarios mortales. El planteamiento es muy, muy loco, nada tiene sentido hasta la mitad de la serie y a veces hay algún plano surrealista pero igual que esas son sus cosas malas tiene muchísimas cosas buenas. 

 Empecemos por el elenco: Ellen Page, Tom Hopper y David Castañeda son los principales reclamos pero hay un sinfín de secundarios de lujo.

La producción es cuidada y en cada episodio hay una escena musical que merece la pena ser disfrutada por su belleza visual insólita y desconcertante. Si bien la coherencia no es su punto fuerte los personajes y sus historias se van a ir viendo episodio tras episodio para hacer que a la altura del season finalle, el episodio 10 quieras saber mucho más de ellos.

Sólo como dato curioso el final del comic no era como la serie , la cosa era más autoconclusiva, y si bien se ve venir el giro no deja de ser muy disfrutarle como encajan todo el rompecabezas y ese cambio favorece la a anunciada segunda temporada.


Paco se decantó por la increíble Lo que hacemos en las sombras (LA SERIE) que podéis encontrar en HBO, Carlos se queda , como siempre ne la animación con Buñuel e el laberinto de las tortugas y Heitor da la chapa con Los Vengadores Endgame. 

El Cocinero De los Últimos Deseos

Título Original: Last Recipe: Memory of Giraffe's Tongue 
Duración: 126 min.
País: Japón
Dirección: Yojiro Takita

Guión: Tamio Hayashi (Basada en la novela "Kirin no Shita wo Motsu Otoko" de Keiichi Tanaka (publicada en June 26, 2014 de Gentosha).
Música: Yugo Kanno
Fotografía: Yoshinori Oshima
Reparto: Kazunari Ninomiya (Mitsuru Sasaki), Go Ayano (Ken Yanagisawa), Yoshi Oida (QingMing Yang), Hidetoshi Nishijima (Naotaro Yamagata), Aoi Miyazaki (Chizu Yamagata), Daigo Nishihata (Shotaro Kamata), Yukata Takenouchi (Taizo Miyake)
Productora: Pipeline (Seij Yagi, Yusuke Wakabayashi) 
Género: Drama / Cocina 



A contracorriente presentó el pasado 12 de Julio un pase para "El Cocinero De Los Últimos Deseos", una película que a priori en Europa podría pasar desapercibida en los cines habituales pero que en Japón es un auténtico evento cinematográfico por todo lo alto, además de muy esperado por su director Yojiro Takita ("Ganador de un Oscar de la academia en 2008 por la mejor película de habla no inglesa "Despedidas") y su elenco principal, que como se demuestra en la película son actores de alto nivel interpretativo. Kazunari Ninomiya ganó al mejor actor en la 39ª edición de los premios de la academia en Japón con Haha a Kuraseba (2016) seleccionado por un colectivo de miles de miembros profesionales entre varias películas. Anteriormente también colaboró en las Cartas de Iwo Jima de Clint Eastwood. Se estrenará en España el próximo 23 de Agosto.
 La película es una adaptación de la novela japonesa homónima The Last Recipe. Narra la historia de Sasaki y su periplo durante dos horas largas desde la región nordeste de China, Manchuria hasta Japón para para recuperar las deudas que mantiene de su anterior vida como chef en un restaurante local con el objetivo de recrear las más de cien recetas imperiales a nivel de cocinero legendario.

Como Sasaki posee la lengua Quilin narra que además adquiere una capacidad característica añadida y singular de recrear cualquier sabor que haya saboreado. Su juventud traslada la vida entre un orfanato para poder montar su propio negocio de gastronomía, un restaurante de alta cocina con ingredientes de gran coste de mantenimiento que le conducirá al fracaso absoluto por no poder estabilizar las deudas. La ilusión, el amor y la profesionalidad perfeccionista le proporcionará un carácter austero bastante y decisiones extremista para saldar deudas como preparar comidas para enfermos terminales, recordando sabores hacia una serie de personas que están sufriendo estas situaciones. Aún con ese carácter mantiene una estrecha amistad colaborativa junto a su anterior ayudante de cocina. 

De carambola un día coincide con una persona que le otorga un recado que no podrá rechazar para saldar sus deudas, una oferta que le destinará a Beijing para conocer a Qingming Yang (Yoshi Oida), una persona muy ejemplar en la gastronomía china. El recado consiste en encontrar la receta con más de cien platos denominada "Gran Fiesta Imperial Japonesa" comenzando a rastrear los pasos de Naotaro Yamagata (Hidetoshi Nishijima), el chef que inventó los platos y que había desaparecido junto a ella. La película narrará mediante abundante flashbacks unos giros y planos elegantes, además adjuntando filmaciones con secuencias de cine dramático clásico tradicional con un punto añadido de comedia a raíz de las preparaciones de los suculentos platos, e incluso inmortalizando con fotos las pequeñas recetas acompañadas con el score de Yugo Kanno, quien puso sintonía a numerosas series de TV o anime (Psico-pass, Jojo´s o últimamente incluso videojuegos como NiOh).


Posiblemente el argumento en principio para un espectador convencional no sea demasiado atractivo, si más aún añadimos que hasta el último tercio de la película disfrutaremos de extraños ratos con la preparación con cientos de platos explicando minuciosamente cualquier tipo de complejidades y detalles como los distintos tipos de cocción o modificación de ingredientes en los platos, hasta perfeccionar con una mano maestra para ejercer de forma precisa movimientos que solamente un zurdo podría realizar.

 Cuando transcurre más allá de la mitad de película sí nos atrapará una historia intrigante, atractiva e ingeniosa, ejemplarmente ejecutada alternando mediante los flashbacks con los protagonistas de época y en la actualidad,  proporcionando en la narrativa pequeñas dosis a cuentagotas de sucesos familiares o todo tipo de desastres, que nos llevará a un viaje histórico por la Manchuria desde los años 30 totalmente alucinante durante décadas en todo lo que rodea el "libro de la última receta", cercanos a una especie de maldición hacia todo tipo de trifulcas políticas de traiciones diplomáticas, desembocando el film en un equilibrio entre un drama familiar añadido que desembocarán en tragedias sucesorias en el legado del libro, hasta numerosas disputas políticas entre China y Japón. Estas controversias proporcionan un aliciente que cumplen notablemente hacia un ritmo menos tupido, atractivos diálogos y enormes interpretaciones corales que cumplen un argumento plano, unilateral pero conmovedor hasta la médula con los dramas sucesores de la receta que son totalmente (aunque carambolescos) imprevisibles y bien ensamblados hacia el argumento principal, que mantiene la esencia en presentar personajes, la búsqueda del buen cocinar, dificultades profesionales junto a sus fracasos personales.




Un Verano en Ibiza

Título Original: Ibiza 
Año: 2019
Duración: 87 min.
País:  Francia
Dirección: Arnaud Lemort

Guión: Arnaud Lemort
Música: Sylvain Goldberg
Reparto: Christian Clavier, Mathilde Seigner, Blanca Jara, Leopold Buschbaum
Productora: Atelier de Production / Gaumont
Género: Comedia


Comedia entretenida francesa dirigida por Amaud Lemort ("El Amor es Cosa de Dos") que narra las vacaciones de Phillipe (protagonizada por Christian Clavier "Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho?", uno de los cómicos de mayor repercusión del cine europeo. Le conocemos popularmente desde Los Visitantes o en Asterix y Obelix. Posee una extensa trayectoria desde los años setenta y es un actor especializado en caracterizar personajes dicharacheros y cercanos) en una hilarante comedia añadiendo el clásico catastrófico subgénero estilo "de todo va a salir mal" con destino Ibiza. Le acompañan en el reparto Mathilde Seigner ("Vuelta a casa de mi madre" y la española Blanca Jara (serie "Gran Reserva").

Bajo la producción de Gaumont - L'Atelier (Francia) y Nexus Factory (Bélgica), será distribuida en España por A Contracorriente, con estreno previsto para 9 de Agosto de 2019.

Philippe es un médico podólogo conservador de unos sesenta años que tiene actualmente una novia, Carole.  ambos están divorciados y ella con un par de hijos (Julien y Manon) de su anterior matrimonio. Para ganarse la empatía de su nueva familia decide emprender unas aventureras y sorpresivas vacaciones en Ibiza modo juvenil rodeado entre clubbers y adolescentes. Esto ocurre cuando propondrá al hijo mayor un trato: si aprueba selectividad podrá elegir el destino de las vacaciones. Le romperá con la rutina habitual de otras vacaciones de Phillipe, pues el destino que siempre veranea es la tranquilidad del Norte de Francia especialmente en la Bahía de Somme con sus días nublados y temperaturas más tibias.

Phillipe no busca tampoco unas relajadas vacaciones, únicamente se centra en la aceptación como nuevo novio, complacer y querer sentirse reconocido por los hijos de su mujer, que en principio les une una relación distante, y bastante opuesta casi llegando al odio. Como en este tipo de situaciones, complacer excesivamente conlleva hacia una amabilidad humillante de hasta dar pena. Produce esa chirriada y espantada común de este estilo de protagonistas (quizás el más popular por excelencia es Ted Striker de "Aterriza como Puedas") muy acostumbrados ya en muchas películas desde hace décadas.

La comedia propone alternar las situaciones jugando con la anacronía de edad estilo carroza o cultural, por lo que encontraremos situaciones inverosímiles, difíciles de manifestar, que alguien pueda llegar a estos entornos y lugares, jugando con el aspecto social y  las situaciones, contrastando la diferencia de edad, ubicaciones y actividades veraniegas en determinados horarios.

Casi en toda totalidad las situaciones son hilarantes, desde el alquiler de un Hummer para embarcarse por toda la isla hasta la frenéticas y extasiadas borracheras en los clubs. Representa a una Ibiza prácticamente sin nada de película postal turística (Totalmente opuesto a lo que puede desarrollar Vicky Cristina Barcelona), y se echa de menos visitas a sus lugares o notables museos. Algún detalle arquitectónico mencionan y entre las calles cuando indican que desembocan unidas pero no nos trasladará hacia un manual audiovisual destacable para conocer a fondo la Isla. La acción se desarrolla entre los personajes y elige la opción de descartar cualquier visionado documental sobre una ruta turística detallada por el recinto amurallado de Dalt Vila, el poblado fenicio ni un paseo en Catamarán para disfrutar el ecosistema mediterráneo con las praderas de Posidonia oceánica que oxigenan las aguas y edifican arrecifes naturales. Se visualiza una profunda cultura paradisiaca y luminosa, con un sentimiento festivo día y noche y fusión de culturas que ofrece una amplia profundidad de sol, playa, exceso de sexo hormonado y drogas, plagado de jóvenes con ganas de vicio y desfase, amantes del ambiente nocturno o unas calles llenas de música y vida, con un turismo mayoritariamente anglosajón. También evoca a los riesgos de los excesos como beber por beber retratando el no encontrar un equilibrio para disfrutar.

El paraíso de las discotecas Ibicencas como un Hollywood tecno, aunque está afectada por la decadencia de clubs, la isla evoca hacia un colapso de visitantes con la masificación de alojamientos, playas, desgaste del medio ambiente y saturación de servicios. También retrata el desequilibrio de clases pues solamente los buenos sueldos, ricos o famosos disfrutan del espíritu de la Isla. Muy lejos del origen atractivo de la Isla hacia la consonancia de las clases obreras anteriormente mezcladas con las celebridades. Representando actualmente una decadencia Hollywoodiense electrónica que actualmente les cuesta enormemente renovar licencias y se manifiesta incluso una separación VIP al resto de público dentro de las discotecas asemejándose más a Miami o Las Vegas.

El rodaje ha durado cinco semanas entre Ibiza y Formentera y ha generado muchos gastos en las Islas, creando un impacto económico importante en la misma y según comenta el productor ejecutivo Fernando de Lecea, los propósitos es mostrar una imagen más europea de la isla, no solo en centradas en ubicaciones destacadas, sino en la diversidad de culturas, la forma de vivir y trabajar que refresque un poco ese turismo alternativo pues son pocas las ayudas que incentiven a las producciones extranjeras para rodar en España.

Hay que reconocer el mérito del cine francés para realizar tantas películas siempre con un buen nivel de calidad cuidando mucho de la  interpretación, realización y diálogos aunque sean películas ligeras así de disfrute de entretenimiento para pasar el rato, todo un ejemplo a seguir que se puede hacer películas interesantes sin mucha reflexión entre los sucesivos acontecimientos de acción de escenas catastróficas desde que se alojan en la isla. Aunque el epicentro interpretativo es Philippe, el protagonista acierta en bajar el listón y proponer un punto de discreción hacia el resto del elenco especialmente entre la relación junto a su pareja y los dos hijos, Julien y Manon para proporcionar frescura con pequeños detalles sentimentales o divertidos surgiendo algunas escenas que tendrán ellos mismos su propio protagonismo.









Rocketman

Película: Rocketman.
Director: Dexter Fletcher.
Intérpretes: Taron Egerton, Jamie Bell. Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steen Mckintosh.
Proyección: Princesa.
Afluencia: 22 personas.
Valoración: 7.



Me sorprendió la escasa afluencia de espectadores a la sala para ver la recreación sobre uno de los grandes de la música pop y más tras el éxito de "Bohemian Rapsody" con quien comparte director, si bien en la precedente llegó a ella tras el despido de Bryan Singer. Aquí opta por un musical con todas las de la ley donde los conciertos incluso van más allá de una recreación. Se centra en la niñez, adolescencia y el llegar a lo alto de Elton John y el precio a pagar, representado en esa reunión de alcohólicos anónimos, la cual es la primera escena de la película tras la fanfarria de la Paramount. Una niñez marcada por un padre distante y frío en las distancias cortas y una madre incapaz de valorarle supliendo esas carencias una de sus abuelas. Tiene números de una gran brillantez recordando la vieja comedia musical americana con tanta gente y gran coordinación. En sus comienzos y su escalada a la fama sigue creando un espectáculo muy entretenido, con un montaje sensacional (genial en uno de sus conciertos en que la cámara hace varios círculos y, rápidamente, se va cambiando su estrafalaria ropa, signo de la extravagancia británica. La trastienda logra hacernos entender esa historia de excesos y hasta es fácil poder sentir empatía por él y ese mundo donde es diferente desde su sexualidad contraria a la letra, su abuso de alcohol, tranquilizantes, comida (maravillosa la escena de la piscina).

Pero mis ojos no dejan de prestar atención a Taron Egerton, el cual logra hacer una interpretación para quitarse el sombrero huyendo de convertirse en  solamente usando sus gafas y su estilismo. Además canta fenomenal y no importa sentir la voz del genio londinense.  Espero oscar para él y una gran carrera. Los demás logran buenos trabajos e incluso Jamie Bell se atreve a cantar y bastante bien. No quiero dejar de destacar el buen trabajo a la hora de buscar a los Elton John de las diferentes etapas, los cuales se desenvuelven muy bien en el musical. Falla algo el final con esos aires de docudrama poco creíble por mucho que el cantante estuviese de cerca o quizás por ello. También hay alguna incongruencia en el guión por hablar de la relación maravillosa con su letrista Bernie Taupin cuando hay un alejamiento y la discrepancia en su carrera o el tema de la gordura cuando apenas se le ve comer y no se notan los kilos de más en el actor principal. Echo de menos también el desarrollo de la figura del padrastro y de su esposa, sin una explicación clara. Pero eso no es óbice para valorar bien una obra estimable y, sobre todo muy entretenida de gran montaje y vestuario apropiado.

Los días que vendrán.


Película: Los días que vendrán.
Director: Carlos Marqués-Marcet.
Intérpretes: David Verdaguer, María Rodríguez Soto, Albert Prat, Sergi Torrecilla.
Proyección: Renoir.
Afluencia: 18 personas.
Valoración: 5.
 

La influencia de "Boyhood" es grande y se nota en el tercer largometraje de este director catalán, cuyos dos trabajos anteriores también se han acercado a lo que significa tener hijos en esta época. Lo hace recurriendo a una pareja real de actores viviendo la misma experiencia de los protagonistas. En un mundo tan inestable donde conceptos antes intocables como las relaciones de pareja y el trabajo era algo para toda la vida y el mundo de ahora no es así. Un embarazo, algo seguro pone patas arriba la vida de unos personajes, con un año de relación pero casi unos desconocidos entre ellos. Toca plantearse si tener ese hijo y pensar en clave de tres, la situación de pareja, lo sexual y hacia dónde ir.

Todo ello se hace en unos primeros minutos muy cercanos con cierto sentido del humor y unas transiciones de la risa al llanto apabullantes hechas de manera muy natural por María Rodríguez Soto, actriz catalana vista a nivel nacional en "El ministerio del tiempo" o "El tiempo entre costuras". Lo completa una cámara en mano algo mareante y una vivienda asfixiante, dando un clima de inseguridad a lo plasmado en el guión. Además es un hallazgo la cinta de VHS donde se ve el nacimiento de la futura madre, una manera bastante interesante de unir con el final previsto pero real, real, casi recuerda a aquellos anuncios de ser padres de Nestlé. Pero con estos hallazgos y esa naturalidad pierde paulatinamente gas y las sorpresas no sirven para hacer más entretenido el metraje pues queda la película empantanada bastante rato con alguna escena lograda como el nombre de la niña. El orear la historia y mostrar a los secundarios no ayudan a nada y desearía la vuelta a casa (horrible la escena donde se reúnen varios hombres). 

Sin conocer las competidoras del festival de Málaga donde ya había ganado con su primera película me parecen exagerados los premios recibidos y encima los gordos (sin embargo justo el de la actriz con un cierto aire a Cristina Marcos).  Una originalidad con poca continuidad, se queda en una obra llena de buenas intenciones como un estudio de los tiempos actuales y la inmadurez de hoy rota de manera abrupta.

Cinefagia Mórbida, Ep 7. Superhéroes de Hacendado

Superhéroes diferentes, ese es el tema de este podcast. Pero quiero decir que la existencia del superhéroes sólo se sostiene cuando hay un súper villano decente. Y, es más, no todos los súper héroes lo son tanto… Por eso mi elección para esta edición es una web serie musical llamada Dr. Horrible Sing a long Blog.

 
Doctor Horrible Sing a long tiene todo lo que hay que tener para gustar a todo friki que se precie,
desde sus creadores a sus protagonistas, desde su guión a su música… Y es que son pocas las películas musicales con héroes y villanos, con acción y humor, y sobre todo son pocas las que nacen de un proyecto tan raro y a la vez tan divertido. Voy a intentar hablaros de esto en orden cronológico para hacernos una idea de cómo pasa y por qué.

Corría la huelga de guionistas de 2007 y 2008 que dejó a media temporada a la mayoría de series de culto del momento. En ese momento los tres hermanos Whedon y Maurissa Tancharoen se entretuvieron escribiendo canciones para sacar adelante un proyecto pequeño, con un presupuesto mínimo y un montón de amigos. Así nació esta serie que quería ser realizada para su lanzamiento exclusivo en internet, sin banners y sin nada, cosa que podía ser un poco complicada pero que contaba con un as en la manga que es el tirón de Josh Whedon entre los geeks americanos y que cualquier cosa suya se convierte en viral en segundos. La serie se compone de tres actos que se estrenaron el 13, 17 y 19 de julio en la plataforma Hulu y que más tarde saltaron a otras televisiones normales y plataformas de pago por streaming en USA. Cada capítulo dura 15 minutos más o menos por lo que son 45 minutos de diversión y canciones.

¿De qué va esto? Pues si no la has visto te recomiendo que mejor pares y le des al play, es fácil de encontrar en internet y puedes incluso comprar el DVD o Bluray en Amazon, porque merece la pena y obviamente voy a meter algún spoiler.

Dr Horrible comienza como un video blog donde el protagonista, que en este caso es un aspirante a villano narra sus avances en el camino del mal para poder ganar un puesto en la Malvada liga de la maldad impresionando a Bad Horse. Su principal objetivo vital es destruir a su némesis el Capitán Hammer y en el camino ser capaz de conquistar a su amor platónico Penny. La cosa se tuerce mucho cuando el Capitán Hammer que es un memo de dimensiones apoteósicas empieza a salir con Penny con malas intenciones lo cual acaba de mosquear a Dr. Horrible que decide acabar con él del todo.
Como veis la cosa no es que sea para tirar cohetes pero el manejo de los personajes, los estereotipos, el humor y sobre todo la intención de la serie hace que la cosa se desmadrara y los fans salieran por doquier. Lo petaron en las redes, colapsaron la página para ver los capítulos, salaron al cine con pases donde volaron las entradas y finalmente fueron a la Comic Con donde llenaron y fue uno de los paneles más populares de la temporada. Y es que el guión simple, el jugar con la música, el poner como protagonista a un malo no tan malo al menos al principio) y sobre todo, que Josh Whedon tiró de agenda con un cast de vértigo hacen que Dr. Horrible sea de imprescindible visionado.

El prota es Neil Patrick Harris que fue un mito de mi infancia con Un médico precoz. Sí, yo veía un médico precoz sólo porque estaba totalmente enamorada de ese muchacho allá por el año 89 y que se mantuvo en antena hasta el 92. Aunque seguro que conocéis de sobra a este muchacho por su papel en How I meet your mother desde 2005, sin olvidarnos de Starship Troopers que es un clásico. Pese a su pose de Barney ligón y chulo un año después del éxito de la serie, allá por 2006 anunció su homosexualidad, cosa que no es relevante para nada pero si para afirmar que este tío cae bien porque es un cachondo mental como la copa de un pino atreviéndose a hacer de sí mismo reflejándose como un drogadicto, alcohólico y adicto al sexo en cosas como Dos colgaos muy fumados, incluso después de revelar que esa imagen era falsa. Y os recomiendo que paséis por su Instagram porque tiene las mejores fotos de Halloween de la historia junto a sus dos hijos y su marido. Cada año se mejoran.

Capitán Hammer es Nathan Fillion que también goza de una fama de friki memorable en Hollywood. Conocido por la popular serie Firefly del mismo Whedon y porque se cuela en todo lo que merece la pena estar. No os podéis perder Super, que se nos ha quedado fuera de la lista de elegidas por los pelos o su cameo en Big Bang Theory haciendo de sí mismo. También salió en Buffy, por supuesto, quizás para el gran úblico es simplemente Castle pero además hace cosas como el corto de fans de Uncharted (que el papel de Nathan Drake le pega mucho, es clavado) , en Modern Family, en Santa Clarita’s Diet (de la que se bajó en cuanto vio que se les iba de las manos…) es un tío peculiar pero muy majete. Además de ir donde le llaman sus amigos Fillion fundó la organización sin fines de lucro Kids Need to Read (Los niños necesitan leer), para ayudar a inspirar la imaginación de los niños consiguiendo más libros para las bibliotecas con pocos fondos .

Otro que se nos cuela en la lista, antes de hablar de la muchacha que sé que lo estáis deseando es de Simon Helberg o Howard Wolowitz de The Big Bang Theory desde 2007. Su popularidad coincide en espacio tiempo con el lanzamiento de la serie y su papel es pequeño pero muy simpático, es el compañero de casa de Dr. Horrible que tiene el poder de estar siempre mojado.

Si, ya llego a Felicia Day que , ¡Oh Sorpresa! También es una friki y ha salido en … ¡Sorpresa! Buffy , Supernatural o Eureka entre otras pero en realidad en Estados Unidos es muy popular por su presencia en Internet donde realizó la serie web The Guild, de la cual es protagonista, guionista y productora, y además lleva el blog  de juegos de mesa Tabletop, el cual produce junto a Wil Wheaton. Se cierra el círculo de frikadas.

La web serie se llevó muchísimos premios: el People's Choice Award por "Favorite Online Sensation", y el Premio Hugo por Mejor Presentación Dramática, Formato Breve en 2009. En la inauguración de 2009 de los Premios Streamy para la televisión por la web, el cortometraje ganó siete premios: Premio del Público a la Mejor Serie Web, Mejor Dirección de una Serie de Comedia Web, Mejor Guion de una Serie de Comedia Web, Mejor Actor en serie de Comedia Web (para Neil Patrick Harris), Mejor Montaje, Mejor Fotografía y Mejor Música Original. También ganó en 2009 un premio Primetime Emmy.

Y cuando algo es guay pues los fans piden más. Llevamos esperando una secuela anunciada pero no consumada desde 2009 cuando Josh Whedon dejó caer que estaban trabajando en ello. Parece que el proyecto está en marcha y cuando preguntan a creadores y actores todos están dentro para cuando se cuadren los astros y se pueda hacer una segunda parte. Esta noticia se lanza de nuevo cada año y sigue en firme aunque con las agendas de los interesados la cosa es algo complicada eso sí, desde 2013 el proyecto está acabado y listo para ser llevado a cabo así que…, ¿Quizás en la próxima huelga de guionistas?

¿Quiénes son los Whedon? 


Pues Josh, el director y creador junto con sus dos hermanos de esta web serie es también uno de los creadores de guiones más friki y adorado del universo. Su fama de tío raro es merecida porque todos sus proyectos han sido en cierta forma de culto, desde Buffy pasando por Firefly y Serenity o los dos primeros Vengadores. El colega es tan friki que incluso le da igual que no salga su nombre en los créditos y puede tener en su haber casi media docena de títulos de Marvel anquen también cuenta con el fiasco de La Liga de la Justicia (aunque yo de eso culpo a Ben Affleck sólo). También escribe comics.

Jed Whedon
tira más a la música, aunque también se apunta a un bombardeo y ha escrito varias series de televisión. Por cierto, está casado con Maurissa Tancharoen, la cuarta creadora del proyecto y la fan Número uno del Dr. Horrible en la serie. Jed es David Bowie en la reunión de final de la Liga del mal. La pareja está detrás del éxito de SHIELD.

Zack Whedon también es dibujante de comics y guionistas de televisión. Han coincidido todos en la mayoría de proyectos, no sé si es un caso de enchufismo o que de verdad son todos unos genios.
Y para acabar quiero decir sólo una cosa más o reviento:

Mis puños no son el martillo… El martillo es mi pene.

Podéis escuchar el resto de pelis seleccionadas y mi defensa a ultranza de los frikis como siempre en el podcast donde Paco nos habló de Supersonic Man, Carlos de Phantom Boy y Heitor de Chronicle :





En Los 90

Título Original: Mid90s
Año: 2018
Duración: 90 min.
País:  EEUU
Dirección: Jonah Hill

Guión: Jonah Hill
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Christopher Blauvelt
Reparto: Sunny Suljic (Steve), Lucas Hedges (Ian), Katherine Waterston (Dabney), Na-kel Smith (Ray), Olan Prenatt (Fuckshit), Gio Galicia (Ruben), Ryder McLaughlin (Fourth Grade)
Productora: A24 / Waypoint
Género: Drama / Adolescencia / Skate


Diamond Films organizó el 13 de Junio un último pase antes del estreno para "En los 90", el primer largometraje de Jonah Hill (Nominado al Oscar "El lobo de Wall Street", "Moneyball"). Escribe y dirige su interesante ópera prima con gran éxito de crítica el pasado año (NBR "Mejores películas independientes 2018", Chritics Choice Award ("Mejor Intérprete Revelación 2018"), Independient Spirit ("Nominada al mejor Montaje 2018"). Se estrenará en España 21 de junio.

 Calificada por la prensa como una gran obra llena de "melancolía y autenticidad". Posiblemente otras personas encuentren discutible y contradictorio afrontar una reproducción con cierta fidelidad de la adolescencia en los años 90, interpretada esencialemente por un actor adolescente de hoy, en final de la segunda década de los dosmiles se tiende al anacronismo humanotécnicosensorial de no ubicarlo realmente durante esa década.  Se agradece el esfuerzo de todo el reparto y producción intentar emocionar de la forma más natural posible durante una hora y media con aquellas experiencias de las primeras veces. Para ello se ha empleado diversas técnicas como es la filmación Cool rodado en 4:3 16mm, fotografía de C. Blauvelt utilizando tonalidades mucho más tenues que las fotos oficiales aquí  mostradas , excelente score de Trent Reznor acompañando una banda sonora de canciones de grupos favoritos de la década, ambientación, ubicaciones, decorados con sábanas de las tortugas ninja, consolas de la época, camisetas del Street Fighter II, detalle hermoso del poster "boys don´t cry" The Cure en un primer acercamiento sexual.... las conversaciones resultan íntimas en ocasiones un poco forzadas, excesivas y sobreactuadas palabroteras de barrio. Realizadas mediante diálogos directos excesivamente empacadas pero cuidando detalles como uso tecnológico de teléfonos o un diseño de producción que intenta recrear estéticamente al máximo del ambiente de aquellos "maravillosos" años. 

La película narra la historia de Stevie (Sunny Suljic) un chico de 13 años que vive en Los Ángeles de los años 90 y pasa el verano lidiando con una madre ausente (Katherine Waterson" y un hermano problemático (Lucas Hedges). Durante el primer tercio presentan los personajes familiares, se visualiza esa adoración de admirar a tu hermano mayor, su habitación, sus discos, sus poster, su armario recreando aquellas experiencias adolescentes anteriores a la época... Proyectando todo el conflicto demasiado agresivo. Ian se retrata como una persona con un carácter desubicada y aislado de amigos, en la mayoría de las veces abusador y violento sobre su hermano pequeño.

Tampoco las conversaciones junto a su madre, los incomprensibles monólogos amorosos de su vida privada, ayudan a entender el momento de transición que vive Stevie hacia nuevas experiencias.


Cuando Stevie descubre la sensación del Skate se siente vivo y joven, empieza a concibir cierta empatía entre amistades a las nuevas captaciones hormonales que le arraigan desde sus entrañas. Desde que comienza su gusto por el patinete, la película englosa esquemáticamente minimalista un atractivo narrativo formidable, quizás fue por los colaboradores en el guión de Hill (Martin Scorsese y Spike Jonze) impulsaron a centrar la película entre la pandilla de Skate, con una belleza del patinaje y técnica inusual.  En ese núcleo callejero creo que fluye mejor la película, mostrando que las relaciones entre personajes recrean, sin dejar de hacer trucos con los patines, permite la búsqueda de una nueva familia y el momento determinante de encontrar aquella apreciación de hacerse mayor. 
   
 Aunque la química entre interpretaciones familiares y sobre todo pandilleras son planas pero muy satisfactorias, al principio solo une el nexo junto a Ruben para que lo integre al resto del grupo que complenentan Fourth Grade (Ryder McLaughlin) prebachiller a pesar de rondar más la mayoría de edad. El paso contemplativo de Stevie  durante ese tramo de film, frecuenta visitas hacia la tienda y es absurdamente ridículo aprovechar cualquier situación con las que discute el nuevo grupo de amigos. Las reflexiones si violaríamos a nuestros padres con quien empezaríamos hacerlo sexualmente, o hacia la gente de raza del personaje afro Ray  para cuestionar si necesita crema solar en verano, manteniendo el guión a Stevie con ambigüedad al margen de cualquier  tipo de conflicto con su nueva banda. En ese momento podríamos imaginar las amplitudes surrealistas que podrían surgir de la cabeza de cualquier personaje.

 Las experiencias junto algunos personajes secundarios van apareciendo totalmente anecdóticos para la acción. La narrativa discurre acertadamente en una totalidad argumental lineal del día a día quizás demasiado contemplativa girando a través del protagonista principial. Al menos, casi nunca llega un límite de chirriar entre esos primeros odiosos planos fijos de cara de asombro. Recuerda a los rostros congelados de actuales famosos estilo concursos de talent show, asemejándose Stevie hacia un mini Bono de U2. Cada intérprete deposita su genialidad en su rol y sin giros demasiado bruscos dentro de las limitaciones de la ubicaciones entre amistad y familia.

Pero la imaginación de inquietudes de la juventud en esa etapa de vida va desvaneciendo su intensidad igual que algunos personajes,  y la amistad de Rubén en la relación junto a Stevie decrece según avanza el metraje. Van tomando más relevancia la acción y experiencias según encuentra el lugar protagonista acercando esa relación especial a Fuckshit (Olan Prenatt), que tiene un rol habilidoso de patinar Skate al límite con su vida entre fiestas. En esos encuentros Stevie experimentará las primeras relaciones sexuales.

 Descubrirán finalmente los excesos del alcohol, las borracheras de "Mola Mazo" complicados accidentes entre lío callejero junto a los golpes de la vida.  Ray (Na-kel Smith) que dirige la tienda, asume el papel encasillado pero de gran esfuerzo interpretativo para afrontar las responsabilidades ante las adversidades anímicas de sus amigos, colaborador, reflexivo y  otorgando finalmente ese rol humano de hermano mayor que necesita finalmente Stevie. Con acertados valores nos comunica sin innovaciones de las experiencias sufridas entre la marginación, la pobreza y el riesgo inncecesario de sufrir accidentes por irresponsabilidades.