Pequeñas Mentiras Para Estar Juntos



Título Original: Nous Finirons Ensemble
Año: 2019
Duración: 135 min.
País:  Francia
Dirección: Guillaume Canet

Guión: Guillaume Canet, Rodolphe Lauga
Música: Sylvain Goldberg
Reparto: François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoit Magimel (Vincent), Gilles Lellouche (Eric), Pascale Arbillot (Isabelle), Laurent Lafitte (Antoine).
Género: Comedia Dramática

 A Contracorriente presentó un pase para "Pequeñas Mentiras para Estar Juntos" el pasado 3 de Octubre en una interesante comedia dramática que supone el regreso tras siete años de los acontecimientos de "Siete Mentiras sin Importancia" y vuelve a contar con los mismos actores que ocho años atrás, complementando en un contraste más adulto amistoso de su anterior película. Recordando a un grupo de amigos que se reunía para seguir adelante las vacaciones, pese al incidente que tuvieron con un ingreso hospitalario producido por algún exceso de juventud. Desde ese suceso desencadenaría una serie o cadena de mentiras, de esas mayoritariamente forzadas para quedar bien unos con otros, combinando situaciones que aportan amplitud de valores en las reuniones de amigos en una franja de edad, que habitualmente son menos frecuentes encontrarse tan unidos. 


Hoy en día el exceso de trabajo, las vacaciones si tienes chavales o la costumbre de volcarse en la pareja sin padres ni amigos, la distancia entre las personas, el hermetismo, la cultura del single, el pagar una independencia de hogar, la crisis salarial... son demasiados factores que hace pensar que te encuentras hoy en día años luz con esas dificultades para entrar en esa especie de combo amistoso para jugar al scattergories o consumir cubos de cerveza a cascoporro en una cabaña, posiblemente quedando mejor ajustada en la veintena. Te hace pensar un poco que son ambas películas un poco syfy a no simular una clase media actual, pareciendo más una quedada hacia una jugada de Sims cuarentones. Esto lo deduzco con esa compararaciones junto los acontecimientos propios de mi vida y por lo que veo en compañeros de trabajo y entornos que me rodean entre lo familiar.

 Es un problema frecuente que no te puedes permitir ese estilo de ocio ofrecidos en estos acontecimientos, ya bastante difícil disponer una casa en la playa si no lo tienes de pasadas generaciones. Ahora también resulta difícil identificarse en una relación amistosa de encontrarse con hacer un plan con tanta gente modo moraga planeando vacaciones. Resulta el conjunto de la psicología de personajes en un todo como un verano fatal hacia la crisis a los cuarenta. Al menos más fructífera estas circunstancias más maduras, pues posiblemente si fuesen más representadas en la juventud o en la niñez donde no estamos pendientes de tantas otras cosas que no sea actividad de acción todo el rato sin estar contaminados con los temores adultos, ni enfermedades,  responsabilidades, ni conductas desequilibrantes en la vida, miedo a la soledad y las relaciones de pareja. Esto no quita que ambas películas acierten en reunir una serie de valores que ayudarían afrontar este tipo de relaciones sociales más adultas, repleta de convicciones y situaciones con sentimiento de culpa, desencadenando reproches unos a otros de las mentiras para salir del paso


  En esta nueva película cambiamos el accidente a que Max está arruinado y bastante deprimido con la crisis de la edad y el trabajo, decide regresar a la casa de veraneo para venderla. Ya ese planteamiento echaría a cualquier amistad fuera de su entorno pero en la película no. Sus amigos deciden darle una sorpresa.  Así que sin llamar ni preguntar que tal está después de tantos años, planifican un acto bastante violento de presentarse allí junto a él para recordarle esa nostalgia los momentos de la anterior película y sus ratos de juventud. Igualmente que la primera entrega la cinta muestra su reminiscencias a Reencuentro de Lawrence Kasdan o una película rodada entre amigos a lo Cassavettes desarrollado en la época actual, siguen definiendo claramente sus influencias.Si ya es bastante delicadita la situación para rematarlo deciden presentarse el día de su cumpleaños, así es más grande el impacto de la sorpresa. Tanto tiempo con destinos separados seguramente se ingenian mejor el estado de ánimo.

Así que nos encontramos con Eric, Marie, Vincent, Isabelle y Antoine en un desarrollo coral de situaciones. Con un guión primoroso que proporciona un carisma cada personaje muy equilibrado en su rol, Max destaca por ser bastante testarudo y de poca empatía social posiblemente afectado por ese desequilibrio económico social. Algunas bastantes forzadas a último tercio de la película intentando salir de la monotonía interprentativa para aportar unas dosis de acción como puede resultar intento de suicido protagonista. Todo el conjunto de elenco recae en una enorme labor interpretativo y cuidados diálogos, además muy natulares desenvolviendo una bonita sinceridad drámatica en el reparto. La realización ofrece en todo momento buena ambientación entre ciclos días y noches sobre todo interior, los exteriores a veces nos encontraremos con giros de cámaras levemente mareantes. Las situaciones bastante previsibles en los acontecimientos y sin giros argumentales que destaquen ofreciendo tensión final a la hora de vender el hogar vacacional. Después de siete años de los acontecimientos de la primera, podría ser que el argumento esté un poco cogido con calzador para ajustar las incursiones sensibles y condensar la fortaleza de una amistad entre el grupo, basculando entre un humor y drama íntimo y pausado en todo el metraje, sin altibajos en ese sector interpretativo, incluso cuando las situaciones van desembocando intermitentemente hacia tintes enteramente dramáticos.

El tercer largometraje como director del conocido actor francés Guillaume Canet reúne a un impresionante reparto encabezado por la ganadora del Oscar, Marion Cotillard, y completado por François Cluzet y Benoît Magimel, se estrenará comercialmente el próximo 8 de Noviembre, pero se podrá ver en primicia durante la fiesta del cine que se celebrará desde el 28 hasta el 30, con una acción promocional que implica un empuje para que la gente acuda a las salas, así servirá para recomendar la película para su fecha fijada de estreno. Estas acciones promocionales están muy diversificadas en Francia para que el cine europeo tenga una accesibilidad publicitaria para hacer frente hacia los frecuentes lanzamientos más potentes de la época que puedan eclipsar otros estrenos.  según comenta Eduardo Escudero, director de Negocio en A Contracorriente Films.

 La nueva película del realizador francés Guillaume Canet consiguó grandes números en la taquilla francesa, con casi tres millones de espectadores, aunque eso supone un bajón de casi la mitad de la primera entrega. Aún así, comentan que es la segunda película francesa más exitosa del año en Francia.

Día de Lluvia en Nueva York



Título Original: A Rainy Day in New York
Duración: 92 min.
País: EEUU
Dirección: Woody Allen

Guión: Woody Allen
Reparto: Reparto: Timothée Chalamet (Gatsby), Elle Fanning (Ashleigh), Selena Gómez (Shannon), Jude Law (Tedd Davidoff), Liev Schereiber (Roland Pollard) , Rebecca Hall (Connie).
Fotografía: Vitorio Storaro
Género: Comedia / Romance


 A contracorriente presentó un pase el día 3 de Octubre para "Un Día en Nueva York". Simpática y agradable comedía romántica que supone la 50ª película en la densa trayectoria escrita y dirigida por Woody Allen. 

La nueva película de Woody Allen se estrena el próximo 11 de Octubre y está protagonizada por   Timotheé Chalamet ("Call me by your name") Elle Fanning ("Mary Shelley") con una interpretanción juvenil ascendente cuando se van entrelazando junto a los grandes actores como Jude Law aportando una presencia descomunal.

El guión principal se centra en todo momento en torno a la joven pareja Gatsby y Ashleigh que se conocieron y estudian periodismo en la universidad de Yardley (con error geográfico de guión incluido) y deciden pasar un fin de semana romántico en la gran manzana. Sin embargo, los planes de novios se ven alterados cuando durante su estancia el sol da paso a la tormenta lloviendo a cántaros. Lo que supone una separación paralela viviendo cada uno aventuras y situaciones recambolescas con determinados encuentros. Tanto Ashleigh, tendrá ocasión de entrevistar a un conocido director de cine llamado Roland Pollard y se replanteará su ambición intentando aventurarse en tan pantanoso encuentro. Por otro lado, Gatsby redescubrirá la pasión pasando su día de noviazgo con Chan (Selena Gómez), la hermana joven de su ex-novia, la relación que mejor funciona contiene una química excepcional con  unos cuidados, hermosos y trabajados diálogos y situaciones que va creciendo en todo momento.

Además, el reconocido maestro Vittorio Storaro (“El último emperador”, “Dick Tracy”) repite como director de fotografía después de sus colaboraciones con Woody Allen en “Café Society” y en "Wonder Wheel".  Woody Allen vuelve de nuevo a la gran pantalla después de títulos aclamados por el público y la crítica como "Wonder Wheel"(2017), “Café Society”(2016), “Magia a la luz de la luna”(2014), “Blue Jasmine”(2013), “Midnight in Paris”(2011), “Conocerás al hombre de tus sueños”(2010), ”Si la cosa funciona”(2009) y “Vicky Cristina Barcelona”(2008), que han demostrado la enorme expectación y fidelidad del público español hacía el genio neoyorkino. 

Nueva York y la lluvia otoñal me recordó el libro de antología de textos escritos por Pep Aixalá donde menciona que siempre en las películas de Woody Allen estos factores climatológicos y sus ubicaciones los convierte un personaje más, acentuando una respuesta anímica a las situaciones convencionales donde se encuentran todos los intérpretes.

Rescatando información en Maridos y Mujeres filma las otoñales calles exponiendo a los actores a las inclemencias del tiempo llenas de hojas de árboles, convirtiendo la lluvia en un personaje más, una forma de mostrar el estado anímico de las personas.La secuencia -durante la fiesta de aniversario de Rain- en la que estalla un tormenta, con relámpagos, y la ciudad sufre apagón. Igual que el reloj congelado de Central Park en la presente película estos factores le sirve al director para ilustrar esa pasión de incandescente atracción tanto en la Gatsby y Shannon o en la relación de Rain junto a su profesor.

Recuperando la entrevista del mismo libro el propio Woody Allen menciona  "Me encanta la idea de la lluvia. Simplemente me parece muy hermosa. Por supuesto, es una lata rodar estas escenas lluviosas, es un fastidio. Pero quiero que esta atmósfera lluviosa en mis películas. Llueve en Hannah, en Días de Radio, en Delitos y Faltas, Misterioso Asesinato en Manhattan. La lluvia es tan hermosa y en Maridos y Mujeres llamé a laniña Rain, porque es un nombre bonito".

Mísmamente la secuencia más memorable de Manhattan junto a Diane Keaton corriendo para escapar de la lluvia y refugiarse en un museo, para terminar con la declarante escena del planetario. En Otra Mujer, mencionan el aspecto de la lluvia sirve para reforzar las escena en que Rowlands se encuentra con Hackman, su amante, se enredan en un tunel totalmente mojados. En Alice la lluvia permanece latente en la relación entre Mia Farrow y su amante Mantegna, tanto en la primera cita a escondidas en la noche como en el apartamento donde se acuestan y que contenía unos ventanales de espectáculo, muy similar al bohemio loft donde intentan mantener una relación sexual entre Ashleigh y Roland.

Ningún cineasta recorre las calles de Nueva York con tanto amor a lo largo de tantísimos años, crecer allí sintiéndose en casa cada vez que callejea es siempre precioso redescubrir la ciudad lo que ha cambiado en tantas décadas, hasta homenajearla mil veces con tanta belleza retratada dentro de sus películas, detallando siempre el buen gusto desde sus ubicaciones, locales, edificios, restaurantes. o comercios con recuerdos nostálgicos de soñarlo en blanco y negro.

Nueva York también encontraremos en la nueva películas otras ubicaciones que mencionan en la actualidad, convirtiéndose una vez más en protagonista a descubrir a lo largo de tantos años, más cariñoso cuando es Otoño tal como lo menciona en Todos dicen I Love You con voz en off explicando lo maravilloso de esta época del año en  "Este año el otoño fue especialmente bonito. Creo que lo prefiero a la primavera... ¿Recuerdan que les había dicho que Nueva York era una ciudad preciosa en el otoño? Pues en realidad quería decir en invierno. Bueno, al menos cuando nieva. Porque bajo una sábana de nieve Nueva York es realmente increíble y sorprendentemente apacible".

En una reciente entrevista detalla los personajes principales para reconducir la historia durante el fin de semana y descubrir el fracaso de su relación amorosa. Noté en principio un poco enlatada el rol de cada personaje, imaginé que se situaba más el estilo de relación hacia "Todo lo Demás" parecida a la relación de Ricci y Biggs.  En comienzo, un poco forzado pero a mitad de la película sí que los dos protagonistas se desenvuelven con más naturalidad y con un carisma más acentuado ganando presencia en la pantalla. "Gatsby quiere ser un jugador póker y tocar el piano. Los hijos de las familias adineradas que conoce Gatsby son igual que él. Tienen toda clase de facilidades para ascender en la escala social de la vida y, sin embargo, lo rechazan porque prefieren no seguir lo que sus padres les dicen, ni convertirse en las personas que ellos quieren que sean. Desean hacer su propia vida en un entorno más complicado e interesante a través de profesiones y ocupaciones que también lo son. Por otro lado Alison, encaja dentro del prototipo de chica americana. Es la típica estudiante universitaria, ambiciosa, dulce, amable y que quiere hacer las cosas bien. Se ve un poco sorprendida por la presencia de los ídolos, los héroes del rock. Es ese tipo de chica que uno reconoce fácilmente en la universidad. El estatus de ambos se fusiona, se funde.". 

El desgaste de años y cansancio lógicamente con tanta trayectoria es obvio que los personajes incluso secundarios no lleguen a un nivel de carisma más allá de lo agradable, sí están muy trabajados los diálogos y situaciones pero todos los últimos años pierde cierta notoriedad resultando el elenco mucho más presencial y plano. No se como explicarlo pero deja una especie de cosquilleo robótico en modo piloto automático en los comportamientos de seducción, sexo o religión que salva acertadamente en muchos momentos jugando en el arte de la ficción con ellos, destacando la escena que se presentan dentro de un coche durante el rodaje de varias tomas entre Shannon y Gatsby inmersos en la película.

Una vez más utiliza el tradicional sistema empleado para poner en duda todas las ideas y conceptos con neuróticos destellos de sus personajes. Igual que en Celebrity provoca en cada persona desde el interior un propio Big Bang, poniendo su estabilidad de vida, los sentimientos en duda sosteniendo decisiones y complejidades constantes que entre el equilibrio entre los límites de realidad y ficción la imaginación  se desestabilizan y se desenvuelve de maravilla tal como declara recientemente. "En el arte puedo controlarlo todo y conseguir que todo suceda como a mí me gusta. He pasado toda mi vida haciendo películas como yo quería que fuesen y los personajes han actuado siempre del modo que yo necesitaba que lo hicieran".

 También el paso del tiempo ha deteriorado su relación con la ciudad, incluso en recientes entrevistas mencionando que incluso siendo la misma urbe de su infancia Nueva York ha cambiado mucho en tantos años "Sin duda soy hijo de las calles de la ciudad. Y me siento como en casa cuando voy caminando, no en coche, ni en tren, ni nada de eso. Conozco bien la ciudad, la zona de Manhattan. Sé cómo llegar a los sitios. Sé donde encontrar taxis, escabullirse para ir al lavabo si lo necesito. En qué restaurantes comer. Me siento simplemente como en casa cuando estoy en la ciudad". Se siente distante en la actualidad con ella creando y adaptando personajes ficticios de otra época en la Nueva York de hoy en día con la llegada del otoño, devolviendo su anodina vida. Reseteando en un fin de semana una relación, ni mejor ni peor, diferente rumbo deseando tener nuevamente otra forma de vivir en esa oportunidad de empezar de cero.

 

Cinefagia Mórbida, Ep 8. Peliculones con Pelucones

Las Drag Queens están de moda, han pasado de la oscuridad total a ser mainstream, gracias, en cierta parte de la energía que les influyó Mamá Ru en Ru Paul Drag Race que a por la temporada 11 más tres All Stars  y ahora durante este año arrancan también la versión inglesa, la australiana y un nuevo All Stars- Conferencias, encuentros y reuniones en todas partes del mundo, Shows en discotecas, visitas de drags consagradas a todas partes del mundo con sus propios y pintorescos espectáculos… Y yo añadiría que la llegada de Netflix que se anima siempre que puede a introducir personajes con diversidad en sus series y películas hace que encontrar una película con Drags sea ahora muy fácil. Pero a pesar de ello en nuestra selección os vamos a hablar un poco de todo y desde muchos puntos de vista y géneros. Porque Cinefagia Morbida es así…


En la selección no podían faltar películas musicales, que las hay y muchas, y que tratan temas muy diversos desde el humor, la comedia o la denuncia. Era complicado decantarse por una de ellas y muchas podían haber estado aquí, desde The Rocky Horror Picture Show o Priscilla reina del desierto son sólo algunas de ellas, y esas en personajes principales, en muchas otras aunque sea de refilón aparece un personaje drag que les hace un hueco en este espacio… Pero por motivos obvios decidimos que la película que merecía estar aquí era Hegwig and the angry inch.

Vamos a ponernos en antecedentes. La película empezó siendo un musical Off Broadway allá por 1998, se estrenó con bastante éxito y saltó al West End londinense en poco tiempo. Su autor es John Cameron Mitchell , que pasó también a ser el director de la película y la música corre a cargo de Stephen Trask. Su andadura en los escenarios sigue en activo desde entonces, algunos de los afortunados protagonistas de Hedwig han sido Michael C. Hall en 2014 o Neil Patrick Harris en 2004 , si, Mi Neil Patrick Harris.


Con el éxito de la obra no era raro que decidieran dar el salto a la gran pantalla cosa que sucedió en 2001. La película ganó el premio a mejor director en el Sundance Film Festival. El propio Mitchell se reservó el papel de Hedwig y además recibió por ello también el  premio a mejor debut actoral del Nacional Board of Review, los premios Gotham y la Asociación de Críticos de Película de Los Ángeles y fue nominado a los globos de oro. ¡Nada mal!

Además es el director de la bizarra How to talk to girls at parties , en español como enamorar a una chica punk, que disfrutamos en Sitges y en Syfy. Del resto de elenco destacar a un muy jovencito Michael Pitt en el papel de rockero punk cabroncete. Y que otro de los miembros de la banda es Stephen Trask, el autor de la música del musical original y de la peli.

Para lo que no sepan de qué va la película os cuento un poco, se trata de una cinta musical rock punk que narra la historia de Hansel Schmid, un alemán del este , hijo de un militar que redefine su sexualidad a través de diversos episodios que cuenta entre bolo y bolo. El autor confiesa que la película está basada en su propia historia pero que sufrió muchos cambios hasta lo que es ahora. Hedwig es una artista potente que se encuentra siguiendo a Tommy Gnosis, un ex novio que le ha robado sus canciones. De esa forma mientras él llena estadios ella y su grupo tocan en bares de mala muerte justo al lado de sus actuaciones. En su periplo descubrimos la historia de su transformación forzada en mujer, de sus problemas de dependencia y de muchas cosas que justifican sus histriónicas salidas de tono , pero sobre todo la forma en la que ve el mundo y canta sobre él.

Mitchell reconoce que Hedwig iba a ser un personaje secundario inspirado en una cuidadora que tuvo de pequeño, una prostituta de origen alemán que se encargaba de él de adolescente,  y que su personaje principal era Tommy Gnosis, que es el mismo patrón per algo diferente, de nuevo un hijo de militar, homosexual de familia ultra católica. Todo ello lo cuenta en la película pero dando ese giro brutal haciendo que la vida de Hansell pase a ser el plato fuerte, y cómo su Angry Inch, que es lo que le quedó de sus genitales masculinos tras una chapuza que le permitió huir de la zona comunista de Alemania con un apuesto soldado moreno acaba siendo su punto débil.

Hedwig es un musical icónico y que tiene millones de referencias en la cultura actual, muy recientemente en un capítulo de Sex Education que reseñamos hace bien poco en este podcast, por poner un ejemplo, y es carne de Sing A long, ya sabéis, esas representaciones donde la gente canta y se disfraza para pasar un buen rato. Y es que se lo ha ganado por méritos propios.

Y es que la banda sonora de Hedwig es una maravilla glam-punk de esasa las que no estamos acostumbrados ya. En todo este subgéreno y entre tanta mezcla psicodélica además de la narración loca y la adaptación hecha con mimo del escenario ala gran pantalla tenemos que detenernos un poco en su The origin of love, por la belleza de la canción y la increíble pero simple animación que la acompaña dibujada por Emily Hubley

El personaje de Hedwig es complicado. No es exactamente una Drag Queen por la operación a la que se vio sometida un poco forzada por la situación así que puede definirse como gender queen , por simplificar, un personaje no binario pero por su escenificación y concepto de la femineidad me parece adecuado encuadrarlo en el podcast. ¿Se hubiera operado el joven Hansell si no le hubieran obligado a tomar la decisión? ¿En caso de no haberlo hecho hubiera descubierto su pasión por las pelucas y por su parte femenina? Es decir, ¿si el personaje de Luther, su sugar Daddy, no hubiera aparecido en su vida hubiera abrazado el drag como escape a su identidad de género forzada? 

Bueno, eso nunca lo sabremos aunque yo me inclino a pensar que la respuesta es que si, que el corazón de Hedwig es el de una Drag Queen. En todo caso la escena en la que se enfunda su peluca es puro videoclip. Una maravilla. 

También puedes escuchar lo que piensan mis compañeros de esta y de otras muchas películas como Victor o Victoria, Tokyo Godfathers o Medianoche en el jardín del bien y del mal. ¡Dale al play!


Quien a hierro mata

Película: Quien a hierro mata.
Dirección: Paco Plaza.
Intérpretes: Luis Tosar, Xoán Cejudo, Enric Auquer, Ismael Martínez, María Vázquez.
Proyección: Princesa.
Afluencia: 66 personas.
Valoración: 7.




Cuando pensábamos que estaba todo el pescado vendido en lo que a premios y premiables se refiere en cuanto a cine español de este año se refiere aparece Paco Plaza y nos descoloca. Es una habilidad la que posee en cuanto a pulso y narración que desborda, se atreve con todo y además saca lo mejor de sus actores y si entre ellos tenemos además a un inconmensurable Luis Tosar... pues no se hable más. 


Aprovechando el repunte de interés por el narcotráfico, que no sólo en Colombia tiene de eso, Plaza se atreve a hablar desde una vertiente más íntima , pero a la vez realista, con las relaciones de las familias gallegas que se dedican a ello y de paso tocando la inserción del mercado del Aliexpress de la coca, lo que viene a ser la mafia china. Pero en realidad , aunque sea una parte fundamenteal de la narración lo que realmente cuenta Paco Plaza en su película es un conflicto interno, el de Mario, un enfermero que vive en un pueblo de la costa con su mujer, a punto de formar una preciosa familia y con un empleo respetable, un estatus muy decente en la sociedad y un presente y un futuro por vivir. En ese momento aparece en la residencia donde trabaja el mayor capo de la droga desatando diferentes dilemas como el atender a alguien tan abyecto, el destapar la caja de los truenos de ese celador competente (miedo da Luis Tosar aunque muestra muchas más variantes que le acreditan como uno de los grandes actores en España) o la lucha de afecto frente a codicia o incluso la educación dada a esos hijos tan agresivos pero de una enorme inmadurez..

Estas historias son recogidas en un guión muy cuidado, fácil de seguir y da mucho juego a la hora de reflexionar. Un guión que peca, en su final (por otra parte bastante coherente) de una moraleja no necesaria. Pero aún así debo reconocer que Quien a hierro mata te deja pegado a la butaca, más incluso que las míticas películas de terror de Paco Plaza, porque lo que cuenta también da miedo, por cercano, por real y por violento. 

Seguro que se lleva un buen puñado de premios tanto en apartados técnicos como artísticos. Y todos serán bien merecidos.

No me ha gustado Workin' Mums (Shame on me)

¿Entono ya el mea culpa? O mejor aún, devuelvo el carnet de feminista y madre trabajadora... ¡Creo que es la única solución para justificar que sea de las pocas personas en el mundo que no sientan una profunda devoción y admiración por esta serie canadiense que puedes disfrutar (o no) en Netflix. Pero tengo mis motivos, e incluso tengo algún punto en defensa del formato... ¡Que no todo va a ser negatisvismo!

Empecemos por el principio para quienes no conozcan la serie,  e incluso para aquellos que aunque la conozcan no sepan lo que se van a encontrar si le dan al play. Workin' Mums o Madres trabajadoras,  es una producción propia de Netflix de origen canadiense creada por Catherine Reitman que así a lo mejor no os dice nada pero como soy de dar datos aleatorios y frikis tengo que decir que es hija de Ivan Reitman , un director capaz de lo mejor y de lo peor desde lso 80, desde Cazafantasmas pasando por Los gemelos golpean deo veces, Poli de guardería, Junior, Space Jam, Evolution o Seis Días siete noches. Es hermana de Jason Reitman, que cogerá el testigo de Los Cazafantasmas que se llevará a la pantalla este 2020 y que ha realizado entre otras Juno, Young Adult o Tully (y que actuó en las pelis de su señor padre de los ochenta). Con estos antedecentes es obvio que se presupone que Catherine tiene la comedia en la sangre y que suda cine. Y es que después de salir como su hermano en alguna cinta de su padre y aparecer como secundaria y sobre todo como voz en muchas películas y series de animación en este caso se convierte en protagonista, directora, creadora y productora. Todo de golpe.

Ideó Workin' Mums desde la comodidad de Canadá, de hecho la serie se ambienta en Toronto, y es que una de mis grandes teorías es que todo lo que sea incómodo nunca nace en USA, por eso la impecable The Let Down viene de Australia y esta del norte de Estados unidos y por eso se atreven a tocar temas como las relaciones, las crisis, la educación, y además a enseñar pechos en el camino. ¡Si, las mujeres tienen tetas! Mujeres trabajadoras se centra en la vida de cuatro mujeres, la mayoría de ellas en la cuarentena, que han sido madres recientemente y cómo esa maternidad influye en su vida cotidiana y en su relación de pareja, con los demás y en el trabajo. Desde la psiquiatra profesional con una niña adolescente y un marido encantador a la joven dudosa que se cuestiona si ser madre ha sido una gran decisión pasando por la pareja de lesbianas con crisis nerviosas para acabar con la energía de Kate Morton, una impecable relaciones públicas y madre primeriza que se enfrenta a la decisión de criar una familia o seguir con un exitoso trabajo. 

No lo voy a negar. La primera temporada es increíblemente divertida. La introducción de los personajes es efectiva y las risas están garantizadas. Cuentan con una muy buena baza ya que si eres madre y trabajas te has visto en muchas de las circunstancias que relatan. Pero el problema es que agotada esa baza y cuando la identificación con los personajes se hace imposible por lo absurdo de las situaciones que plantean deja de tener interés. Seamos sinceros, a pesar de que la ficción es ficción cuando la cosa se sale de madre aunque seamos conscientes de que el objetivo es divertir y "vale todo" a veces no es lícito pasar por determinados límites para agradar. Por eso la segunda y tercera temporadas de Workin' Mums no me han interesado lo más mínimo ni en contenido ni en comedia. Los personajes han ido mutando a esperpentos cómicos que en ocasiones parecían parodias de los pintados en su primera entrega. Entiendo el entusiasmo que despierta en mis coetáneas pero no lo comparto, aunque me hubiera gustado hacerlo. 

El tono enloquecido y el ritmo frenético con las confrontaciones de los personajes y sus luchas internas distan de ser las mismas que las de una madre trabajadora normal y entonces se convierte más en una suerte de Chicas Malas (Serie también de Netflix sobre unas madres y amas de casa que se dedican a delinquir para solucionar sus problemas vitales que también tiene su punto) . 

Si, será que la cantidad de cosas que ofrecen las plataformas digitales y que no haya tiempo para poder disfrutar de todas hace que me haga una sibarita. Puede que el feminismo mal entendido de algunas de las situaciones que plantea Reitman en su serie roce mi límite como ser humano o simplemente que las distancias culturales me hayan dejado de lo más fría. Pero la cosa es que no, más allá de su primera temporada Workin' Mums me ha aburrido bastante. 

Confieso padre, he pecado, soy una nazi de la maternidad realista. Tres padres nuestros y para casa.

The Let Down Vs Mira lo que has hecho 2

Hace justo un año me daba a mi por reflexionar sobre dos series sobre maternidad y su presente y futuro. Ahora con una segunda temporada y muchas ganas de decir "te lo dije" regresan The Let Down (serie australiana de Netflix) y Mira lo que has hecho, el "hijo de Berto Romero para Movistar+. Si no has visto sus primeras temporadas puedes encontrar un resumen de lo que pueden ofrecerte en la primera entrega de este análisis seriefilomaterno en este enlace.


Pues bien , las dos series comenzaban igual y terminaban de una manera terriblemente paralela sólo que una de ellas la idea una humorista y madre australiana junto con otra mujer y la otra se vende como la "ideaca" del Señor Berto Romero inspirado por su paternidad. En las dos unos padres primerizos se enfrentan a los retos de la crianza pero de formas muy diferentes y en las dos acaban con una noticia bomba. La llegada del segundo bebé con un niño aún pequeño. Pero a pesar de ello el tratamiento y el tono es muy diferente y los derroteros que toman las dos series son bastante interesantes, no quería o ponerme a juzgar el papel de padre del señor Berto pero cómo ´le hace la reflexión me voy a animar.

La cuestión es que mientras The Let Down se adentra, de nuevo en la parte chunga de ser madre, de ser mujer trabajadora y profesional y de tener más dudas que repuestas Berto sin más convierte su vivencia en una serie y la usa para narrar sus bondades como padre mientras su mujer, también profesional carga con la mayor parte de la tarea de la crianza. Y aunque atisbas esos sentimientos de asimilación de la carga mayoritariamente femenina en ningún momento el muchacho se arroja a ejercer (actoralmente hablando) como un padre modelo si no que se vuelve, una vez más, un discurso sobre las relaciones de pareja y la imagen del padre despistado preocupado por su carrera de "actor" y humorista. Además tira de agenda y aparece Antonio Resines, Andreu Buenafuente o Belén Cuesta y eso siempre luce.


Puntos de encuentro. 

Berto en esta ocasión se ha decantado por un tono más de drama intentando profundizar en la relación y las formas de afrontar la paternidad y la conciliación laboral. Pero el tratamiento me parece un poco accesorio. Una vez más la mujer es la que carga con la familia mientras Berto realiza su proyecto en forma de serie para contar la primera temporada, básicamente, y ejerce de padre accesorio de los que se desentienden de las odiosas tareas como llevar las entradas para el show del cole. Pero si da la cara para plantear la paternidad alfa en un interesante enfrentamiento con un padre sudado del colegio, algo que se queda, como casi todos los planteamientos en una anécdota siendo sus reflexiones más profundas las que dedica a su vida sentimental y la gestión que realiza de ella. El ritmo se vuelve más nostálgico y más maduro pero olvida un poco la esencia con la que nació la segunda temporada. ¡Ojo!  

Yo no daba un duro por que continuara profundizando sobre su función como padre y de hecho supera con creces el número de minutos que dedica a ello que pensaba que dedicaría a estos menesteres. Pero como en su primera temporada se nota que el guión lo lleva él con sus dos compañero Enric Pardo y Rafel Barceló y lo dirije Javi Ruiz Caldera. Si, todos hombres.

De otra parte en The Let Down se enfrenta a otros temas pero a la vez a los mismos. Refleja la soledad de la maternidad como pocas series lo han hecho cuando Aud tiene que quedarse sola con Stevie mientras su marido se muda a la otra parte del país, intenta superar un aborto y además seguir siendo una mujer trabajadora. Llora como lloramos todas cuando dejamos a los pequeños bajo el cuidado de otras personas para seguir trabajando aunque sea en algo que ya no nos motive y se esfuerza en encajar con el resto de madres que continúan con sus vidas. Por supuesto también aborda la crisis matrimonial pero en un tono muy diferente y serio que la metaficción de Berto, porque la bimaternidad tiene un lado muy oscuro. Además no descuida el resto de personajes femeninos, todos ellos dibujados de forma soberbia con unas solas pinceladas y que te conmueven y abarcan todos los perfiles imaginables, desde la madre erfecta a la que se ahoga en alcohol pasando por las lesbianas solteras, las madres jóvenes... cada una con sus problemas importantes PARA ELLAS, sin juzgarlas.


Eso sí, le podemos sumar un punto a Berto por su tratamiento de los celos y las pataletas infantiles, ese gran momento que nos llena a todos de terror y ganas de salir corriendo. Ese grito en la bañera de Eva Ugarte hace que cualquier madre desbordad se sienta identificada, triste pero acompañada. 

Puntos de desencuentro. 

Berto ya pecaba de intentar centrarse en su persona. Si creas una serie siempre es bonito ser el protagonista absoluto, lo malo es que a veces los personajes que te acompañan son más interesantes que tú, o los que tú piensas que tienen más jugo merecen una serie de diferente tono. Así que a ratos se diluye todo en una Buddy movie innecesaria desaprovechando el personaje de Eva Ugarte convertida en madre alfa asesora de su amiga o la idea que sólo deja caer de Blanca Cuesta como profesional antiniños (ojo, ficción),  y se centra en las relaciones de su hermano o sus amigos que... pues no me parecen tan substanciales. 

 Narrativamente también rompe con las lineas temporales de futuro y presente para contar las cosas que acontecen en sus vidas. Lucas es un niño de unos 4 años revoltoso, vaguete y celosón pero no te presentan el Lucas futuro como hacían de forma tan asidua en la primera temporada lo cual casi es de agradecer porque era simplemente innecesario para el tema que les ocupaba. 

Veredicto. 

Aunque me cueste reconocerlo la segunda temporada de Mira lo que has hecho me ha gustado porque esperaba menos, menos jugo y menos sentimientos, más escenas hilarantes y sin sentido y más autobombo y se ha retirado a tiempo para dejar papeles a las mujeres madres y futuras madres y a otros padres. Pero The Let Down me ha gustado aún más. Viendo el final está claro que la serie de Alison Bell y Sarah Scheller me ha emocionado. Me he sentido identificada en sus frustraciones y he vuelto a reconocerme en las dudas y las inseguridades de Aud, en sus decisiones y sus inseguridades. Me he reído con sus ocurrencias sin abandonar el tono de comedia negra y la coherencia de su relato del lado B de la maternidad. Y es por esa simpatía, ese reflejo que la serie ha conectado con las mujeres de todo el mundo y ha tenido un precioso final que deja la sensación de que la maternidad es todo ese conjunto de cosas buenas y malas y es lo que hace que sea tan especial. Muchas gracias por retratarlo, gracias por acompañarnos un poco y sacarnos una sonrisa.

Umbrella Academy de Netflix

 Como sabéis en el podcast solemos dar un repaso a algo relevante para pasear por la actualidad, para no moverme mucho del tema que toca pues me quedé con súper héroes un poco diferentes y un pelín fuera de la popularidad aunque con las 45 millones de descargas que lleva la serie quizás sí que entren dentro de nada en lo Mainstream. Quiero contaros un par de cosas sobre la serie de Netflix Umbrella Academy.


Bueno, aunque he dicho 45 millones quiero decir que los amigos de Netflix son un poco tramposos y sacaron las cifras de la gente que vio al menos el 70% del primer episodio aunque si no hubiera tenido audiencia renovar es una locura con la cantidad de nombres que hay en el cartel de esta cinta.

Pero empecemos por el origen. Se trata una adaptación de la serie de cómics escrita por Gerard Way desde 2007, el vocalista de la banda My Chemical Romance, y publicada por Dark Horse Comics. Su primera temporada, que adapta las series limitadas Apocalypse suite y Dallas, se estrenó el 15 de febrero de 2019. En abril de 2019, se anunció que la serie se renovó para una segunda temporada.

La serie comienza con la premisa de estos muchachos con poderes, que no tanto súper héroes,  que nacieron  milagrosamente el mismo día a la misma hora de madres que no estaban embarazadas.
Un filántropo millonario los adopta y crea una escuela para sacar el máximo partido a sus poderes. ¿Xavier de X Men? Sí pero en chungo. Todos ellos regresan al funeral de su “padre” porque abandonaron la casa un poco quemados de su actitud. En la mansión también hay un robot bueno en forma de madre y un mayordomo mono. Sólo para los que no lo sepan que se pueden llevar un shock sólo viendo el tráiler.

Los muchachos se ven obligados a unirse de nuevo a pesar de sus problemas personales para evitar el apocalipsis y se enfrentan a una carrera contra reloj y muchos misterios que desvelar mientras una organización que intenta que la historia continúe les envía sicarios mortales. El planteamiento es muy, muy loco, nada tiene sentido hasta la mitad de la serie y a veces hay algún plano surrealista pero igual que esas son sus cosas malas tiene muchísimas cosas buenas. 

 Empecemos por el elenco: Ellen Page, Tom Hopper y David Castañeda son los principales reclamos pero hay un sinfín de secundarios de lujo.

La producción es cuidada y en cada episodio hay una escena musical que merece la pena ser disfrutada por su belleza visual insólita y desconcertante. Si bien la coherencia no es su punto fuerte los personajes y sus historias se van a ir viendo episodio tras episodio para hacer que a la altura del season finalle, el episodio 10 quieras saber mucho más de ellos.

Sólo como dato curioso el final del comic no era como la serie , la cosa era más autoconclusiva, y si bien se ve venir el giro no deja de ser muy disfrutarle como encajan todo el rompecabezas y ese cambio favorece la a anunciada segunda temporada.


Paco se decantó por la increíble Lo que hacemos en las sombras (LA SERIE) que podéis encontrar en HBO, Carlos se queda , como siempre ne la animación con Buñuel e el laberinto de las tortugas y Heitor da la chapa con Los Vengadores Endgame.