En Los 90

Título Original: Mid90s
Año: 2018
Duración: 90 min.
País:  EEUU
Dirección: Jonah Hill

Guión: Jonah Hill
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Christopher Blauvelt
Reparto: Sunny Suljic (Steve), Lucas Hedges (Ian), Katherine Waterston (Dabney), Na-kel Smith (Ray), Olan Prenatt (Fuckshit), Gio Galicia (Ruben), Ryder McLaughlin (Fourth Grade)
Productora: A24 / Waypoint
Género: Drama / Adolescencia / Skate


Diamond Films organizó el 13 de Junio un último pase antes del estreno para "En los 90", el primer largometraje de Jonah Hill (Nominado al Oscar "El lobo de Wall Street", "Moneyball"). Escribe y dirige su interesante ópera prima con gran éxito de crítica el pasado año (NBR "Mejores películas independientes 2018", Chritics Choice Award ("Mejor Intérprete Revelación 2018"), Independient Spirit ("Nominada al mejor Montaje 2018"). Se estrenará en España 21 de junio.

 Calificada por la prensa como una gran obra llena de "melancolía y autenticidad". Posiblemente otras personas encuentren discutible y contradictorio afrontar una reproducción con cierta fidelidad de la adolescencia en los años 90, interpretada esencialemente por un actor adolescente de hoy, en final de la segunda década de los dosmiles se tiende al anacronismo humanotécnicosensorial de no ubicarlo realmente durante esa década.  Se agradece el esfuerzo de todo el reparto y producción intentar emocionar de la forma más natural posible durante una hora y media con aquellas experiencias de las primeras veces. Para ello se ha empleado diversas técnicas como es la filmación Cool rodado en 4:3 16mm, fotografía de C. Blauvelt utilizando tonalidades mucho más tenues oficiales que las fotos que aquí están mostradas , excelente score de Trent Reznor acompañando una banda sonora de canciones de grupos favoritos de la década, ambientación, ubicaciones, decorados con sábanas de las tortugas ninja, consolas de la época, camisetas del Street Fighter II, detalle hermoso del poster "boys don´t cry" The Cure en un primer acercamiento sexual.... las conversaciones resultan íntimas en ocasiones un poco forzadas, excesivas y sobreactuadas palabroteras de barrio. Realizadas mediante diálogos directos excesivamente empacadas pero cuidando detalles como uso tecnológico de teléfonos o un diseño de producción que intenta recrear estéticamente al máximo del ambiente de aquellos "maravillosos" años. 

La película narra la historia de Stevie (Sunny Suljic) un chico de 13 años que vive en Los Ángeles de los años 90 y pasa el verano lidiando con una madre ausente (Katherine Waterson" y un hermano problemático (Lucas Hedges). Durante el primer tercio presentan los personajes familiares, se visualiza esa adoración de admirar a tu hermano mayor, su habitación, sus discos, sus poster, su armario recreando aquellas experiencias adolescentes anteriores a la época... Proyectando todo el conflicto demasiado agresivo. Ian se retrata como una persona con un carácter desubicada y aislado de amigos, en la mayoría de las veces abusador y violento sobre su hermano pequeño.

Tampoco las conversaciones junto a su madre, los incomprensibles monólogos amorosos de su vida privada, ayudan a entender el momento de transición que vive Stevie hacia nuevas experiencias.


Cuando Stevie descubre la sensación del Skate se siente vivo y joven, empieza a concibir cierta empatía entre amistades a las nuevas captaciones hormonales que le arraigan desde sus entrañas. Desde que comienza su gusto por el patinete, la película englosa esquemáticamente minimalista un atractivo narrativo formidable, quizás fue por los colaboradores en el guión de Hill (Martin Scorsese y Spike Jonze) impulsaron a centrar la película entre la pandilla de Skate, con una belleza del patinaje y técnica inusual.  En ese núcleo callejero creo que fluye mejor la película, mostrando que las relaciones entre personajes recrean, sin dejar de hacer trucos con los patines, permite la búsqueda de una nueva familia y el momento determinante de encontrar aquella apreciación de hacerse mayor. 
   
 Aunque la química entre interpretaciones familiares y sobre todo pandilleras son planas pero muy satisfactorias, al principio solo une el nexo junto a Ruben para que lo integre al resto del grupo que complenentan Fourth Grade (Ryder McLaughlin) prebachiller a pesar de rondar más la mayoría de edad. El paso contemplativo de Stevie  durante ese tramo de film, frecuenta visitas hacia la tienda y es absurdamente ridículo aprovechar cualquier situación con las que discute el nuevo grupo de amigos. Las reflexiones si violaríamos a nuestros padres con quien empezaríamos hacerlo sexualmente, o hacia la gente de raza del personaje afro Ray  para cuestionar si necesita crema solar en verano, manteniendo el guión a Stevie con ambigüedad al margen de cualquier  tipo de conflicto con su nueva banda. En ese momento podríamos imaginar las amplitudes surrealistas que podrían surgir de la cabeza de cualquier personaje.

 Las experiencias junto algunos personajes secundarios van apareciendo totalmente anecdóticos para la acción. La narrativa discurre acertadamente en una totalidad argumental lineal del día a día quizás demasiado contemplativa girando a través del protagonista principial. Al menos, casi nunca llega un límite de chirriar entre esos primeros odiosos planos fijos de cara de asombro. Recuerda a los rostros congelados de actuales famosos estilo concursos de talent show, asemejándose Stevie hacia un mini Bono de U2. Cada intérprete deposita su genialidad en su rol y sin giros demasiado bruscos dentro de las limitaciones de la ubicaciones entre amistad y familia.

Pero la imaginación de inquietudes de la juventud en esa etapa de vida va desvaneciendo su intensidad igual que algunos personajes,  y la amistad de Rubén en la relación junto a Stevie decrece según avanza el metraje. Van tomando más relevancia la acción y experiencias según encuentra el lugar protagonista acercando esa relación especial a Fuckshit (Olan Prenatt), que tiene un rol habilidoso de patinar Skate al límite con su vida entre fiestas. En esos encuentros Stevie experimentará las primeras relaciones sexuales.

 Descubrirán finalmente los excesos del alcohol, las borracheras de "Mola Mazo" entre accidentes entre lío callejero junto los golpes de la vida.  Ray (Na-kel Smith) que dirige la tienda, asume el papel encasillado pero de gran esfuerzo interpretativo para afrontar las responsabilidades ante las adversidades anímicas de sus amigos, colaborador, reflexivo y  otorgando finalmente ese rol humano de hermano mayor que necesita finalmente Stevie. Con acertados valores nos comunica sin innovaciones de las experiencias sufridas entre la marginación, la pobreza y el riesgo inncecesario de sufrir accidentes por irresponsabilidades.









Apollo 11


Título Original: Apollo 11
Año: 2019
Duración: 90 min.
País:  EEUU
Dirección: Todd Miller

Música: Matt Morton

Productora: CNN Films / Statement pictures
Género: Documental / Aventura Espacial




 A Contracorriente organizó el pasado 4 de Junio un pase para visionar un nuevo documental basado en la aventura espacial del Apollo 11. El estreno coincide con el 50 aniversario de la misión que tenía como objetivo de mandar tres hombres a la superficie lunar y hacerlos regresar excelentemente en salud nuevamente al planeta Tierra.

 Formaban la tripulación el comandante Neil A. Amstrong, el piloto del módulo de mando Michael Collins y el piloto del módulo lunar Edwin E. Aldrin.

 La película se estrenará en cines por tiempo limitado, coincidiendo con los cinco días clave de la misión desde el 16 al 20 de Julio, día que alunizarón.

 El documental está construida en su totalidad a partir de material de archivo, que se abre en su totalidad para la ocasión del aniversario. Un tesoro recién descubierto con imágenes inéditas en 70 mm, y más de 11.000 horas de grabaciones de audios sin catalogar. Gracias a todo esta documentación, notas de prensa y junto al libro Misión la luna ed. Tikal intentaré aportar una máxima exposición del recorrido o trayecto lunar posteriormente ya visionado el documental. El material exclusivo facilitado por la NASA y filmado hasta en 8k para la producción de la película, obtiene una merecida mención a la extraordinaria labor de montaje y edición para organizar y ejecutar el film durante hora y media e intentar sumergirnos en el vuelo espacial de una forma totalmente realista transportándonos hacia una de las hazañas más grande y compleja de la historia humana.


 El vehículo espacial se lanzó desde el Centro Espacial John F. Kennedy, Florida, a las 8.32.00 a.m., franja horaria de la costa Este, el 16 de Julio de 1969. Las actividades son las que recapitulan durante el film realizadas durante la orbitación terrestre, la inyección translunar, el acoplamiento, la separación de la nave y la trayectoria translunar fueron similares a la del anterior Apolo, solamente corrigiendo una corrección durante la fase de trayectoria translunar.


 Desde 1968 a 1972, EEUU lanzó nueve pequeñas naves en dirección a la luna seis de ellas consiguieron aterrizar superando siempre los éxitos del vuelo precedente denominándose "la era dorada de la exploración espacial".  Muchos otros países sobre todo URSS invirtió gran cantidad de rublos y energía en el intento de aterrizar incluso antes que EEUU en su superficie. De todos los acontecimientos precedentes en 1957, el Sputnik 1 fue el de mayor repercusión con el programa de satélites Vanguard acelerando el combate hacia la conquista espacial hasta los años posteriores. El programa Vanguard propuso enviar al espacio un satélite del tamaño de un melón para desesperadamente despegar algo desde una plataforma terrestre. Los retrasos y numerosos fallos eran constantes, saliendo el satélite despedido explotando con una enorme nube de humo incendiada elevándose unas pulgadas de la plataforma. El satélite quedó intacto y se puede visitar en el Museo Nacional del Aire y el Espacio.

 La misión del Apolo 11 fue la undécima de una serie de vuelos que utilizaron la misma tecnología, y fue la primera misión de aterrizaje lunar dentro del programa Apolo. Además, fue la quinta misión tripulada de los módulos de mando y servicio, el tercer vuelo tripulado del módulo lunar. Gracias al enorme material tecnológico y perfecto funcionamiento de la nave, sólo se ha documentado el funcionamiento de aquellos sistemas cuya diferencia respecto de las misiones anteriores fue significativa.

El documental dirigido por Todd Douglas Miller (ganador de un Emmy con "Dinosaur 13") carece totalmente de entrevistas y opiniones, se presentó en la pasada edición del Festival Sundance, donde obtuvo el US Documentary Special Jury Award for Editing. Además, ha recibido una gran acogida por parte de la crítica y del público. Aún así, también mencionan que han aplicado diversas técnicas anteriores de recurso fotográfico para el montaje final,  como la separación de la "primera etapa S-IC del SV recurriendo al material de la misión no tripulada del Apolo IV en 1967.  Por su parte, la separación de la tercera etapa S-IVB fue realmente filmada durante la misión AS-202 de 1966 —retrospectivamente denominada Apolo 3 tras el accidente del Apolo 1".

 Se aprecia momentos de tensión como técnicos trabajando en reparaciones de averías en las válvulas de escape antes del despegue, durante el trayecto desde los barracones hasta la plataforma 39A en la furgoneta de la NASA, todo el audio que se escucha es de locutores y periodistas de la época que narraron espectacularmente la experiencia.

 El Apolo surcó el cielo dejando atrás una multitud de espectadores asombrados a las 9.32 costa Este ganando velocidad agujereando a su paso las nubes que cubrían Cabo Cañaveral. Enseguida la fase SIC agotó sus mas de dos millones de kilos de combustible y se desprendió. La fase SII la reemplazó al instante y el cohete siguió su ascendencia.

 En el momento que finalizó la fase SIVB, se encontraban en órbita terrestre y era idéntico a las simulaciones anteriores. Dos horas y media después, programaron la inyección translunar (TLI). La fase SVIB entró en acción y abandonaron la órbita terrestre. Sólo una de las cuatro correcciones posibles durante la fase translunar fue necesaria.

 En el documental se va apreciando información de numeroso rigor médico mediante constantes vitales de salud u oxígeno hacia la tripulación. La propuesta de seguro para la tripulación cubría todos los daños causados como sonsecuencia del vuelo desde el momento de la entrada en el módulo hasta la finalización de la cuarentena.

 Hora y media después, Collins tomó los controles del módulo de mando y se separó de la fase SIVB (momento visual del Apolo3). En lo alto de esta fase estaba el módulo lunar, el acoplamiento y la extracción se trata y aprecia que es una operación delicadísima, pues el módulo lunar puede resultar dañado irreparablemente. Collins manejó los impulsores con habilidad para hacer unas mínimas correcciones de trayectoria. Mirando a través del visor de cristal se fijó con atención en el objetivo de acoplamiento marcado con una X sobre un círculo blanco. Se fue aproximando, hasta escuchar el roce de ruido metálico cerrando el acoplamiento deslizando la cápsula al frente del módulo de mando por la ranura del módulo lunar.


Durante los peligros del aterrizaje predijeron Thomas Gold (científico y profesor de la Universidad de Cornell) mencionó que era posible que la superficie lunar tuviera una capa de polvo que podría medir más de cuatro metros de profundidad, lo que suponía un riesgo vital para los astronautas, afortunadamente no era ni mucho menos de estas dimensiones.

La nave entró en un punto orbital lunar cuatro horas más tarde de las maniobras de circulación en órbita. El piloto del módulo lunar entró a las 81 horas aprox. para revisar sistemas y la inyección inicial. Después se pusieron los trajes espaciales para terminar el descenso a la superficie lunar a a las 90 o 93 horas y media. El módulo lunar (Eagle) se desacopló a la hora prevista, cercana a las 100. Después de que el piloto del módulo de mando (Columbia) examinara el exterior del lunar, se llevó a cabo una maniobra de separación mediante el sistema de control de reacción del módulo de servicio y que gracias a las imágenes inéditas, recientemente digitalizadas y rediseñadas se percibe a lo grande en la pantalla.

 La maniobra de inserción en órbita de descenso se realizó entre las 101 horas utilizando el sistema de propulsión. Los parámetros de trayectoria fueron los programados y estudiados originalmente. El motor se apagó simultaneamente al aterrizaje lunar en el Mar de la Tranquilidad.

 Después del aterrizaje se llevó una revisión de un par de horas, y tras ella se realizó una desconexión parcial de la nave. Los astronautas prefirieron realizar actividades antes de descanso programado porque se habían adaptado bien a la gravedad lunar, un sexto de la terrestre. Una vez que colocados los sistemas de soporte vital y comprobando que estaba todo correcto el comandante sacó el equipo del módulo y lo abrió en la pasarela de descenso. La cámara de TV situada en el módulo funcionó debidamente y proporcionó una buena cobertura del descenso a la superficie. El comandante recogió material de muestras y, 20 minutos más tarde, el piloto del módulo lunar bajó a la superficie y comenzaron a explorar conjuntamente.

 En esos 20 minutos Amstrong se giró para contemplar la Luna iluminada, la magnífica desolación cuando dijo con sencillez "voy a descender del módulo". Sus botas entraron en contacto con la polvorienta superficie mencionando las aclamadas palabras "Éste es un pequeño paso para el hombre, pero un gran salto para la humanidad". Publicando una de las citas más controvertidas del S.XX, por la confusión entre lo que quería decir y lo que finalmente la equivocación de un salto para el hombre que  comunicó (One giant leap for a man, para el hombre, no for mankind, humanidad) . Ya sobre la luna, Amstrong se quiso asegurar que todo estuviera correcto, comprobó el tren de aterrizaje que podría haber sufrido daños entre tantas rocas y que podría subir por la escalerilla si era necesario. Recogió un puñado de polvo y gravilla, como muestra para su posteriores análisis por si debían partir inmediatamente. Pero todo fue correcto y seguro, la misión y tripulación estaban a salvo y ese rato después se uniría Aldrin en su paseo espacial.

 Durante las dos horas y media del paseo, existen rumores que Buzz Aldrin no hizo una sola fotografía de su compañero suponiendo un enfado por seguirle después, pero dada la delicadeza del asunto y profesionalidad esta hipótesis parece poco problable. sí que las palabras de Aldrin fueron históricsa. (hermoso lugar / magnífica desolación). Las palabras que mejor han descrito la Luna tras todos los viajes partieron de alguien que dista mucho de ser un poeta.

 Durante el periodo de exploración la cámara mostraba la bandera norteamericana clavada en la superficie lunar. También se llevó a cabo el experimento del viento solar para la posterior recogida de datos. Ambos comprobaron su movilidad en la luna, llevaron a cabo la parte de experimentación sísmica y la del reflector láser, recogieron 21,32 kg de material lunar y sacaron numerosas fotografías de las actividades y del medio que se rodeaban. Los astronautas regresaron al módulo lunar tras 2 horas y cuarto de exploración. Houston informó de que el presidente Nixon estaba esperando para felicitarles prepararon los equipos de primeros experimentos EASEP que debía ser colocado sobre terreno firme y llano, dispuesto con gran precisión. Se llevó un análisis detallado de las condiciones del Eagle, módulo lunar regresando cansados pero eufóricos.

 Después de un descanso de 8 horas comenzaron el ascenso según lo previsto. La nave entró en un punto orbital de 48,0 x 9,4 millas, donde tuvo lugar el encuentro idénticamente al pasado Apolo 10.

 Unas cuatro horas más tarde después del ascenso del módulo lunar, el módulo de mando realizó una maniobra de acoplamiento entre las dos naves. La plataforma de ascenso se soltó de la órbita lunar y los módulos de mando y servicio se prepararon tras 135 horas para la inyección transterrestre, bien identificada y separada entre los capítulos durante todo el largometraje.  Las actividades realizadas durante la trayectoria transterrestre fueron similares a las del vuelo translunar. 

 Después de una secuencia de entrada automática y tras preparar el sistema de aterrizaje, el módulo de servicio se separó del módulo de mando cuarto de hora antes de llegar a la interfaz de entrada a 121.920 m de altitud.  El módulo de mando aterrizó en el océano Pacífico y mediante los procedimientos programados consistieron en la intervención del barco de recuperación, USS Hornet, donde se tomaron todas las precauciones de seguridad necesarias para evitar una potencial contaminación por organismos lunares, y tanto la tripulación como las muestras fueron sometidos a cuarentena. Al final de documental se aprecia la presentación de una canción folk que llevaban durante el viaje "Mother Country" de John Stewart.

 Una vez en el Centro Espacial Tripulado, la nave, tripulación (sistema de depuración, correas, sistemas de soporte vital, anilla de sujeción, traje térmico, inyector biomédico, transferencia de orina, bolsillo de gafas, línea de abastecimiento...) y las muestras pasaron al área de cuarentena del Laboratorio de Recibimiento Lunar para continuar exámenes y análisis posteriores al aterrizaje. La tripulación salió de cuarentena el 10 de Agosto de 1969, sin haber mostrado reacciones médicas anómalas.


Immersive VR Education Ltd. desarrolló en 2017 un videojuego que experimenta interactivamente utilizando una mezcla de archivos originales de audio y video, junto con recreaciones precisas de la nave espacial y las ubicaciones acompañando junto a música de inspiración. En el posterior vídeo ofrecemos gracias a la realidad virtual la experiencia simulada hacia la luna.

Mejor Que Nunca

Título Original: Poms
Año: 2019
Duración: 91 min.
País:  Reino Unido
Dirección: Zara Hayes
Guión: Shane Atkinson (Zara Hayes)

Música: Pedro Bromfman
Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Diane Keaton (Martha), Jackie Weaver (Sheryl), Pam Grier (Olive), Celia Weston (Vicky)
Productora: Coproducción Reino Unido - EEUU. Sierra Affinity / Mad As Birds
Género: Comedia / Drama / Vejez.


 Diamond Films organizó el pasado día 30 de Mayo en la Academia de Cine un pase para visionar "Mejor que Nunca" película de Zara Hayes que realizó el documental Battle of Sexs (2013), posteriormente inspiró a un largometraje que interpretaron gratamente Emma Stone y Steve Carrell.

 Se estrena en nuestros cines el próximo 11 de Julio.

 La película narra la historia de Martha, interpretada por Diane Keaton (musa de Woody Allen y ganadora de Oscar por Annie Hall en 1977)  regresa a uno de sus géneros favoritos de comedia agridulce pero con una premisa narrativa que resulta inicialmente algo escalofriante.

 Martha vive en Manhattan. Es una anciana solitaria que sufre cáncer y replantea que no decide someterse a tratamiento, ella quiere vender sus cosillas de casa y mudarse a una urbanización "Sun Springs" para jubilados con el único deseo de morir tranquilamente en un complejo tan cuidado con sus piscinas y pistas de tenis, espaciosa casa y entorno acogedor alejado de la contaminación de la ciudad y rodeado de nuevos amigos.

Allí conoce a  Sheryl (Jacki Weaver) excitada profesora de instituto muy especialista en educación sexual, que nos invita a presentar a los demás residentes ancianos y sus hobbies ocultos como visitar frecuentes funerales de desconocidos y utilizar de excusa para poder tomar Vermouth gratuito. Afortunadamente Martha no recae en el juego estilo de boda en boda con los entierros. ejerciendo una ejemplar decisión que si quiere tomar algo o comer algo sería amistosamente, sin necesidad de visitar los siempre tristes velatorios.
 
 Después de la presentación de personajes, a partir del primer atractivo tramo la película toma un nuevo rumbo iluminado para luego estancarse el resto del film. Las ancianas crean clubs dentro del complejo residencial y Martha comienza a comandar un grupo de Cherleaders junto con sus compañeras Sheryl (Jacki Weaver), Olive (Pam Grier) y Alice (Rhea Perlman) probando así que nunca es demasiado tarde para seguir tus sueños no cumplidos de adolescente, llevando al límite convirtiendo en algo más serio cuando deciden presentarse a una competición.


  Durante los ensayos Martha sufre la decadencia de su enfermedad, replantea su final viendo un anuncio de TV para encontrar un modo de esparcir sus cenizas con fuegos artificiales por el aire.


 Es difícil responder cuando finalizas de ver el film y te preguntan ¿qué tal fue la peli, de qué trata? e intentas contestar de la forma más amable posible comentando, "pues trata una señora de tercera edad le detectan un cáncer terminal, decide no someterse a terapia y aplica su belleza artística de joven cherleader dentro de un complejo de ancianos hasta que la necrosis le impida disfrutar más de su hobbie favorito".

 A ser una trama tan directa, sin ninguna capa alternativa que pueda ramificar más contrastes narrativos la película resulta demasiado lineal, repetitiva extenuante y vacía. Mención al guión aplicando diálogos  bastante cerrados y poco atractivos. Incluso las sucesiones de gags cómicos  no discurren con una fluidez entre la narrativa, sino que van concluyendo de una forma algo brusca. Principalmente los protagonistas están bastante sobreextasiados y chirrían pero hay personajes interesantes y puntualmente aprovechados como el joven jardinero, el irritable vecino machista o la juez Vicky.  y sí que posiblemente podría haber aportado más contrastes a la narrativa y seguir aportando bonitos valores solidarios de convivencia, buenas interpretaciones corales que en eso el film al menos sí lo consigue, igual que algunos de los momentos sensibles y emotivos.

 El exterminante minutaje del tiempo, la pérdida de familiares y de personas quienes te han acompañado durante tu vida da paso a frescos vínculos afectivos y sensanciones cercanos a otros nuevas personas. Según Diane Keaton menciona que incluso viviendo en una residencias los hobbies y tareas puede mejorar mucho algunas vidas porque te ves forzado a situaciones sociales.

 Principalmente el argumento da a pensar las dificultades actuales para trabajar a partir de los treinta y cinco años, se visualiza un colapso que dentro del cine también se sufre.

 Aunque Diane Keaton disfrute siempre y brille con su encanto natural durante toda la peli para realizar sus sueños inalcanzados, quizás sería un acierto replantear el protagonismo narrativo indagando más en el razonamiento de las inquietudes del día a día sin necesidad de descartar o forzar las tareas anacrónicas, amoldando la película precisamente a las reflexiones o problemas cotidianos sufridos en cada franja de edad. Realizar una película similar quizás sería más interesante y fructífero reconducir los miedos, experiencias, actividades comunes puntualizando en las acertadas relaciones amistosas dando paso un eclipsado y segundo plano lo de hacer inicialmete un reclamo imprescindible del sueño cherleader. Desgastando alta y físicamente extenuante las interpretaciones protagonistas, pudiendo ejecutar un film mucho más emotivo y mejorable finalmente, menos esperpéntico ambientando una etapa tan delicada como es la vejez.




La Viuda

Título Original: Greta
Año: 2018
Duración: 98 min.
País:  Irlanda
Dirección: Neil Jordan
Guión:
Ray Wright, Neil Jordan
Música: Dominik Scherrer
Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Isabelle Huppert (Greta Hideg), Chloë Grace Moretz (Frances McCullen), Maika Monroe (Erica Penn).
Productora: Coproducción Irlanda - EEUU. Anonymous Content / Sidney Kimmel Ent. / Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida por Focus Features.
Género: Drama / Thriller / Psicológico.



Diamond Films organizó el pasado día 20 de Mayo en la Academia de Cine un último pase para la presentación de Greta (La Viuda). Interesante thriller psicológico frente a la pérdida de madre / hija y que supone el regreso de Neil Jordan (ganador de la academia 1992 por Juego de Lágrimas, BAFTA 1994 y numerosas nominaciones en 1994 con Entrevista con el Vampiro).

Se estrena en nuestros cines el próximo 24 de Mayo y es imprescindible para su mejor disfrute no ver el trailer promocional ni leer nada de la película.


Frances McCullen, Chlöe Grace Moretz (Kick-Ass, Dejáme Entrar, Carrie) interpreta a una dulce, ingenua y colaborativa joven que, con la muerte de su madre, se acaba de mudar a un cuarto piso de Manhattan, alquilado gracias al padre de su mejor amiga Erica Penn (Maika Monroe, tiene muy buena química con Chlöe y trabajaron juntas en La Quinta Ola) que está ayudando a Frances a aclimatarse a la ciudad.  Chlöe se visualiza en el reparto con una enorme belleza, espalda (percha) corpulenta y elegancia natural que proporciona un realismo sobre un film con trasfondo como de cuento tenebroso y contemporaneo muy similar a Hansel y Gretel. El film está coescrito por Ray Wright (The Crazies) y el propio Neil Jordan.


 Frances trabaja de camarera en un restaurante de clase media / alta en Manhattan y  después de encontrar una cartera en el metro de Nueva York intenta devolverla a su legítima propietaria, Greta.

 La película está protagonizada principalmente  por la actriz francesa Isabelle Huppert, regresa después de interpretar  "Elle" de Paul Verhoeven, consiguiendo una nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto 2017. Generó mayor reclamo interpretativo cuando trabajó mucho con Claude Chabrol, pionero de la Nouvelle Vague y gran maestro del cine de suspense (La Ceremonia). Huppert da vida a Greta, una viuda solitaria con una desesperada necesidad de compañía.

 En el film, Greta está sumergida en una nostalgia y bucle de pasión musical por Franz Liszt, especialmente en la pieza Liebestraum. Una composición ensoñadora romántica, hermosísima e inspiradora que escuchada durante el metraje vincularemos en un futuro próximo.
 
  A principio, Frances se muestra receptiva bajo los intereses a una relación amistosa de Greta. Intentan conectar juntas para ayudar a comprar/adquirir una mascota, un perrito que le sirva de compañía a Greta.

Frances también le acompaña a su visita cada viernes en la  Iglesia, un Inn donde su difunto esposo tocaba con el órgano  la mencionada pieza de Liszt. La película cobra viveza y se van desvelando detalladamente varias rutinas. La amistad  se expone una extraña relación poco saludable que va deteriorándose según avanza una especie de intriga sospechosa hacia Greta.

 Los planos y ubicaciones de Manhattan están muy logrados en el primer tramo de la película. La realización entre las secuencias de paseo, montando en bicicleta, vestuario especialmente de Chlöe, los platos preparados, momentos sentados en un autobús urbano o metro junto el contraste de luces día o nocturno es tremendamente maravilloso e impactante más aún cuando juegan lluvia y con el otoño de Greta, mostrando a  una pianista viuda con una necesidad desesperada de compañía en la difícil Manhattan. Personalemente es mucho más enriquecedora visionar la peli en Otoño, una pena estrenarla en esta época primavera / Verano.
 
 El thriller va cogiendo ritmo cuando Frances sospecha que los motivos de Greta pueden ser mucho más siniestros de lo que parecen inicialmente, en la casa encuentra numerosos bolsos con notas de la gente que se lo ha ido devolviendo.
 
  Erica posee un rol definido y repleto de decisión acentuado, transmite esa sensación de disfrutar junto a Chlöe y en todo momento se ofrece a comentar nada contrario a lo que siente, que crecientemente va sospechando y ayudando a su amiga en la relación de Greta y Frances.


 Sorprendentemente, el personaje de Erica es uno de los elementos que mejor funcionan en el film. A contrario de lo que sucede habitualmente, siempre logra transmitir un carácter muy agradable y participativo. La cuidada diversidad carismática, elegantes diálogos y conversaciones del trío interpretativo proporciona buena química protagonista. El rol algo introvertido y variable de Chlöe, la soledad de Greta,  el papel ligeramente inferior de Erica nunca rechina en las situaciones del comportamiento algo extrovertida junto a su amiga y/o personajes que van apareciendo proporcionan una riqueza añadida, desde una entrega de flores, policías,  el padre de Frances comunicándose con su hija hasta la visita al psiquiatra, Zawe Ashton (Nocturnal Animals) da vida a la misteriosa mujer que tiene información importante sobre el pasado de Greta.  El thriller alcanza su climax escalofriante descubriendo el tiempo que lleva la hija de Greta desaparecida durante cuatro años, mientras aún su madre mantiene irrealmente su cuerpo con vida en el presente y aparecen cartas suyas en la basura de su casa.

  El ritmo, las secuencias y la imaginación junto al recurso de excelentes efectos sonoros proporciona un atractivo de horror inicial, pero que va decreciendo según va atricherándose la película en un aburrido juego de gato y el ratón. Las primeras interpretaciones de acoso están muy logradas, muy homenaje a Halloween cuando Greta muestra una expresión terrorífica y criogénica mientras Frances sirve mesas o los momentos de acción mientras dispara fotos constantemente a su amiga.

  El rico atractivo detallista de la película conjunto de personajes, situaciones, diálogos, ubicaciones se va transformando en un thriller de acción fagocitando por un terror psicológico refrito hollywoodiense de numerosas ocasiones, con investigador incauto incorporado. Todo se vuelve finalmente demasiado denso, engrosado y apenas aporta nada.  y es imposible no imaginar a media peli que Greta, bajo el brillante principal carisma interpretativo la narrativa del guión le sumerge dentro del género de acoplados noventeros Acoso, Instinto Básico o La Mano que Mece la Cuna, Mujer Blanca Soltera Busca... (nunca olvidaremos a John Candy anteriormente Mejor solo que mal acompañado) con unas secuencias dentro de la casa de Greta demasiado extensa, acción rancio y situaciones demasiado inverosímiles, entendiendo la intención de entretener al espectador de acción y haciendo más incapié en la intensidad bajo el último tramo. Son totalmente redundantes y aburridos, exceptuando los momentos puntuales durante el secuestro relacionados junto al padre de Frances y que aporta al menos momentos de elevada tensión, más aún cuando se acompaña los giros finales entre pesadillas desencadenantes hasta el final.

  Destaco finalmente que la amistad de Greta y Frances invita a reflexionar y pensar en el vacío solitario dentro de una inmensa ciudad como es Manhattan. El aislamiento de la memoria como nostalgia, una compañera mental más acentuándose con la carencia de amistad y alejamiento de vida familiar y difícil comunicación junto a las personas, mayoritariamente desconocidos. El invariable uso de tecnología como una prenda más, sensación similar a cuando salimos desnudos si no llevamos un teléfono móvil encima. La dificultad de hacer amigos cuando no realizan trabajos o actividades de ocio comunes. Que restando ese giro radical y terrorífico de entretenimiento psicópata  es un problema social presente en las grandes urbes.






Lejos de Praga


Título Original: Po Strinsti Bos
Año: 2017
Duración: 111 min.
País:  República Checa
Dirección: Jan Sverák
Guión:
Jan Sverák y Zdenek Sverák
Música: Michal Novinski
Fotografía: Dennis Crossan
Reparto: Alois Grec (Eda), Jan Tríska (abuelo), Oldrich Kaiser (Wolf), Ondrej Vetchy (padre), Tereza Voriskova (madre)
Productora: Phoenix Film
Género: Drama





 A contracorriente organizó el pasado día 9 de Mayo en los cines Verdi un pase para la presentación de Lejos De Praga, notable nueva película de Jan Sverak (ganador de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa 1996 con "Kolya") quien guioniza además el film basado en una novela de su padre, Zdenek Sverak. Se presentó en la segunda edición de Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), ha recibido varios premios como en el Cottbus Film Festival of Young East European Cinema 2017 (Mejor Película), Czech Lions 2018 (Mejor actor secundario, mejor fotografía, sonido y cartel), Tiburón International Film Festival 2018 (Mejor Película Infantil). Se estrena en cines el 17 de Mayo.
 
Lejos de Praga cuenta la historia de Eda, un niño de 8 años que vive junto a sus padres durante la ocupación nazi en la Segunda Guerra Mundial se ven obligados abandonar la residencia de alquiler en Praga para mudarse a un pueblo en el campo, donde habitualmente pasa las vacaciones y habitan resto de familiares y amigos. Este año se cumplen 80 años desde la ocupación de Bohemia y Moravia por la Alemania Nazi.

A consecuencia del acuerdo de Munich hubo un proceso de erradicación de la República Checoslovaca independiente, murieron muchos miles de personas de la resistencia, desaparecieron la mayoría de la población Judía. La Gestapo arrestó funcionarios socialdemócratas y comunistas, así como a emigrantes alemanes. Pueblos enteros sufrieron el terror de la ocupación nazi, la miseria y el mal vivir de muchos miles de personas.

A ser una película instropectiva desde un punto de vista familiar, nos invita a imaginar hacia una situación similar donde detalles concretos se recrean de una manera mucho más ingenua e íntima hacia los datos generalizados, visualizando ese horror de arrestamientos, fusilamientos o fuerza brutal en los planos, sabiendo que hay detrás de ese terror los ojos de un menor, a veces ni junto a sus padres.


 El regreso desde Praga hacia el pueblo se acostumbran a una nueva vida que es inmensamente diferente al ritmo de la capital, haciendo nuevos amigos y ayudando a tareas rurales. A partir de esa mudanza baja la intensidad dramática, mantiene un ritmo lento de film Europeo latente durante el resto del metraje con pequeñas pinceladas de dosis de humor evasivas al desastre, ya sea con la familia, situaciones o amigos.

La película No son la imaginación estilo Ghibli del chico viendo el horror, más aún ni siquiera pastelosa, siempre está tratado de una forma externa realista, muy coral e ingenua. Todos los habitantes del pueblo tienen su propio protagonismo. Provocan empatía individualmente mediante acentuando su carisma. Y aunque el epicentro de las situaciones es Eda no recae en un agotamiento infantiloide que sobrecarga emocionalmente. Así pues los personajes quienes mejor interpretan, agradan y bordan son los padres, que están magistrales y el abuelo.

Posiblemente escasea y no consigue transmitir totalmente la intención de relación en pandilla como alguien puede imaginar que sea tipo Goonies, Club de los Cinco, Cuenta Conmigo o recientemente la nueva adaptación de IT. Está claro que lo intenta esa sensación pandillera, pero un entorno radicalmente drámatico, la frialdad Checa, el resto de personajes que dan protagonismo equitativamente alternativo entre esas secuencias de banda callejeras, hacen una amplitud desequilibrada por momentos para cuidar un conjunto, cuando para conseguirlo debería ser un 100 % narrativamente bien empleado entre esas relaciones durante toda la película.

 Se intensifica en unos pequeños sueños sobrevoladores de Eda, donde mejor refleja esa evasión de la realidad junto a sus amistades a veces hilarantes, pero es solamente una divinidad adormecida. Después los acontecimientos posteriores poco tienen que ver junto a la pandilla. Al menos se agradece el esfuerzo de retratarlo.

El único problema que le he visto al planteamiento es narrativo, pues son situaciones totalmente diferentes, radicales y emocionalmente confusas, sales de una conversación graciosa con la pandilla o familiares, y después te encuentras con la desgracia de abuela fallecida de salir a buscar a su nieto y madre en una tormenta de granizo después de un dia de baño., o un fusilamiento del hermano de su padre...  Son situaciones generalmente drámaticas como planteadas en microrelatos y  con epicentro a Eda, provocan un lloreir, que pasan a veces drásticamente desde la comedia al drama de una manera bastante radical.

Sí retratan cuidadosamente las miserias de la pobreza. Solamente tener agua potable en aquella época y algo de comer era un milagro. El equilibrio dramático junto con el histórico si está bien planteado. A destacar la enseñanzas en los colegios, impartiendo un autoritarismo alemán, el sufrimiento permanente de un profesor ante la realidad de guerra, la ambientación y la relación de ayudas rurales. Consiguen intensificar esa dramática social real y todos los personajes del pueblo tienen una pequeña cabida dentro del ritmo lento de humanizar las relaciones.

 Durante el primer tramo de la visita al pueblo, las buenas interpretaciones de la relación del niño con su tío o el hermano de su padre, El Lobo, quien es totalemente desterrado por su abuelo o el resto de familiares,provoca una relación bastante respetada, delicada y emocionante. Esa relación de amor / odio ante ese personaje se refleja aún más con la valentía y soledad de El Lobo, obsesionado en su lucha poco conservadora por restablecer una normalidad.

 Los detalles sensoriales para retratar son una delicia detallada preciosista en el retrato rural durante una época de invasión, invitan en todo momento sumergirnos a las circunstancias de época desde el auditivo hacia los planos visuales de cámara bellísimos perfeccionados buscando un amplio detalle del entorno desde casas, campos, bosques, laguna o hasta cementerios. El sonido de la leña al quemar, las batallas de rifles y arcos de madera, la nieve, el invierno, las navidades junto a su familia, las procesiones que echan tierra a las tumbas desde las manos para enterrar, la máquina plancha sábanas que ocupaba más de una habitación, la música, la recreación de la guerra o los vestuarios como la cruz de gorro permanente o los bañadores de época. Son tan brillantemente precisos y técnicamente hay una realización muy cuidada que es imposible describir si no estás allí, les acompaña unas interpretaciones a la altura, que como había dicho antes a ser tantas a veces se descuida el equilibrio narrativo para sentimentalizar algunos objetivos, mantiene permanente una frialdad incluso al niño protagonista inversamente a Cinema Paradiso. que posiblemente también puede ser un acierto para no caer ni en desajuste o desequilibrio sentimental. Una maravilla de film que discurre hasta el final de la desocupación nazi, homenajea en todo momento a la vida familiar y sufrimiento del pueblo Checo.